Jonathan Dove (b1959) is a hugely versatile composer who is perhaps best known for his remarkable canon of operas which range from the hugely successful comic opera Flight, based on a group of people trapped together in an airport for twenty-four hours, to works written especially for television, community operas and a series of works scored for period instruments. In an interview for Time Out in November 2009 he said: ‘I remember in my early teens reading The Hobbit and playing along with it on the piano, translating it into music … Around that time I also built model theatres of increasing sophistication—the last one used up all of my Meccano set and had ultraviolet lights and a hydraulic revolving stage.’ It is hardly surprising, then, if this instinct for the dramatic also informs his church music at every turn. He has written a great deal of choral music and the works selected for this recording show the range and versatility of his imagination and his response to varied texts.

Nowhere is this clearer than in the work which opens this disc, Bless the Lord, O my soul, a setting of Psalm 104. It was commissioned by the Eton Old Choristers’ Association to celebrate the choristers’ part in the school’s life from its foundation by Henry VI in 1440 until the choir school’s closure in 1968. This piece is a paean of praise which is characterized by the opening flourishes on the organ and the outburst of joyful, canonic, wordless singing (to ‘Ah’) which forms the choir’s first entry. The music then moves backwards and forwards between the piano staccato chords which accompany the choir’s first line of text, more organ filigree work from the opening, and big forte chords with the choir’s wordless canon. The second section (‘who coverest thyself with light’) has the choir imitating the trebles’ first phrase in another extended canonic progression under which the organ develops the filigree figure from the start into a moto perpetuo. The opening returns with what Dove has almost now made into a mantra of the first words ‘Bless the Lord, O my soul’. The final section increases in volume, intensity and excitement to bring the anthem to a dazzling conclusion.

The Missa brevis is the most recent work to be recorded here and was commissioned by the Cathedral Organists’ Association for their conference in Wells Cathedral in May 2009 and first performed by the cathedral choir under Matthew Owens’s direction. There were various stipulations which Dove was required to address: the music should be challenging, but not be out of the reach of a good church choir; it should be interesting but accessible; it should be economical in its proportions; and it should be in Latin accompanied by organ. At the first performance it was immediately recognized that Dove had judged the work perfectly. (As stipulated by the commission, the composer had not published a liturgical Mass before.) Twenty-five cathedral organists signed up at the conference to perform the new work and many joined their number soon afterwards.

The Kyrie is rather different from Dove’s normal practice. There is more linear development, more polyphony and a greater development to a moment of climax close to the end. The organ part is minimal and uses the sustained-chord device to bind the short vocal phrases together. The effective cluster chords and their formation are reminiscent of Kenneth Leighton’s organ writing. The Gloria is something of a moto perpetuo with the organ setting up a rhythmically dancing figure in the opening bars. The choir sings short phrases in a variety of dynamics which don’t let up on the rhythmic excitement until the words ‘Agnus Dei, Filius Patris. Qui tollis peccata mundi, miserere nobis’ allow the tension to relax even though the organ keeps up the constant motion underneath. A spectacular climax is reached at ‘Jesu Christe’ (at the words ‘Tu solus altissimus, Jesu Christe’), where Dove brilliantly throws the music into D flat major, from an A major tonality, after which the movement dances to a brilliant ending. The Sanctus & Benedictus carries on the dance in a 5/8 ‘spirited’ setting. There are some similarities with Britten’s Missa brevis in the way the organ chords build up before the choral entry. However, where Britten leads straight into bell-like writing, Dove begins with a chordal outburst for the word ‘Sanctus’ and reserves his bell-like choral writing for the words ‘Dominus Deus Sabaoth’. The Hosanna at the end brings back the opening chords of the movement. The Agnus Dei is formed over an organ pedal point with a held low E and A which moves only twice during the movement, cleverly ratcheting up the tension with minimal fuss but maximum effect. After six bars of organ introduction (a short figure played by the right hand prepares us for the choral entry) the choir sings short chordal phrases. The introductory organ material is reduced to four bars for the next choral entry and the first pedal point move. After this the organ’s material is reduced further to two bars and the climactic pedal point shift to C and G with the choir singing the final ‘Agnus Dei’ strongly before subsiding into a mantra-like repetition of the words ‘dona nobis pacem’. It is a most beautiful and effective movement.

One of the methods of development used by contemporary ‘minimalists’ is the use of a motif which is then repeated again and again with a ‘binding’ feature such as a melody leading it into different pitches and tonal areas. Contrast in these pieces is usually provided by the introduction of a different repeated motif in another mood and dynamic. This is the pattern for I am the day, an unaccompanied work setting a brief Advent text from Revelation chapter 22 describing the promise of the coming of Jesus. It was a Spitalfields Festival commission, first performed in December 1999 by the choir of Trinity College, Cambridge. The key elements are the stillness of the opening bars, marked to be sung ‘with mystery’, and the following scherzo-like music which is ‘dancing and playful’. The second section maintains the melodic element of the first section sung by the basses while the upper voices sing short phrases taken from the Advent hymn O come, O come Emmanuel. This is highly effective as it acts almost like a distant memory of the hymn—something in the mind which one is trying to remember but, like a folk song learned in the cradle, the whole melody refuses to yield itself fully. The two contrasting elements return before a reflective ending has the trebles and altos gently wafting skywards like rising incense.

Wellcome, all wonders in one sight! was written for South Wilts A Cappella (a choir from South Wilts Grammar School) to sing in Salisbury Cathedral. It is an unaccompanied setting of a section of an extended poem called ‘An Hymne of the Nativity, sung as by the shepherds’ by the seventeenth-century metaphysical poet Richard Crashaw. This poem has a chorus of shepherds who encourage the two principal characters (also shepherds), Tityrus and Thyrsis, to tell what they saw at Christ’s birth. Dove uses a very small section of the chorus and part of a verse when both Tityrus and Thyrsis speak together (‘We saw thee in thy balmy nest’). Dove has written of Crashaw’s paradoxical imagery which spoke strongly to him: ‘Eternity shut up in a span. Summer in winter, day in night’, which, with remarkable economy, conveys the power of this miraculous event.

Dove’s setting uses the constant repetition of the words ‘wellcome wonder’ as an accompanimental motif which rocks like the cradle and perhaps also suggests the hushed awe of the shepherds. Around this, first the trebles, then the first basses, and later still the tenors, sing the full text in beautifully lyrical lines which Dove instructs to be sung ‘with awe’. Coming to the end of the first section, which returns in the middle and near the end, Dove produces a wonderful coup de théâtre at the words ‘God in man’, which temporarily interrupts the flow and has all voices high and in a remote key from what has immediately preceded it—a magical effect.

The Star-Song is another piece for Christmas which, like Wellcome, all wonders, uses different characters to create a little drama. In this case it is a dialogue between the star in the east and a chorus (perhaps representing the shepherds). The poem is by Robert Herrick (1591–1674) and he colourfully has the chorus asking where Christ is to be found. The assumption is that he will be laid in lily-banks or in ‘some ark of flowers’ or ‘in the morning’s blushing cheek’ and so on. The star replies emphatically ‘No’, and tells them that he is simply at his mother’s breast. The chorus then replies ecstatically that ‘He’s seen, He’s seen!’ and that they will give him ‘wassailing’ and ‘choose Him King, and make His mother Queen’. It is a wonderfully upbeat poem and Dove’s response to it is simple and effective. The organ part creates a ‘bright and twinkling’ star effect which continues throughout as another moto perpetuo. The tenors and basses are the chorus and the upper voices represent the star. When the moment of recognition comes the whole choir sings together. The use of a constant 7/8 metre keeps the excitement buzzing, and the ending simply flies into the air.

The Three Kings was commissioned by the choir of King’s College, Cambridge for its annual Festival of Nine Lessons and Carols in the year 2000. For the text Dove chose a fascinating poem by Dorothy L Sayers called ‘The Three Kings’. It is written in a quasi-medieval style with an ‘O balow, balow la lay, / Gifts for a baby King, O’ refrain. Sayers portrays her three kings in the three ages of man—young, in the prime of life, and very old. With perhaps an unexpected twist and a departure from received imagery Sayers portrays the young king as doleful and bringing myrrh; the prime-of-life king is a solemn priest who brings incense, ‘sad and sweet’, and it is the very old king who brings the handfuls of gold which are not money but gaud, baubles and glittering toys for a baby boy. Dove simply reflects these different personalities. The first is sung by two soprano soloists accompanied by the choir singing the words of the refrain. For the second king the speed increases a little but upper voices still sing the descriptive text whilst the choir sings the refrain words as accompaniment. The third king is introduced mysteriously but, out of the blue, Dove throws the music into an energetic scherzo as he describes the golden baubles and the excitement of the child’s response in receiving them. The piece ends in quiet reflection.

Run, shepherds, run! is a completely different conception and underlines Dove’s preoccupation with and feel for drama and the dramatic. This was another Spitalfields Festival commission, this time celebrating the life of Christopher Robert Vaughan, who died in his late thirties. Vaughan was a local resident in Spitalfields and Patron of the Festival who left part of his estate to funding the Festival’s ‘Learning and Participation’ programme. (This was not the only work commissioned from Jonathan Dove in memory of Vaughan as he was also asked to write a community cantata On Spital Fields to celebrate Vaughan’s life.) The poem—‘The Angel’s Song’ by William Drummond of Hawthornden (1585–1649), from a collection called Flowers of Sion—is energetic and ideal for Dove’s purposes. The music was written to be performed with audience participation and they need to be taught their ‘refrain’ before the performance. In fact the music is quite complex as the audience part is divided up as the piece progresses, first into two parts and then into four parts, all of whom sing with a section of the choir. As Dove writes in his preface: ‘The four-part division presents the audience with quite a challenge: it may result in a degree of happy chaos, but this is all part of the fun.’ Wells Cathedral Choir take no such risks on this recording; the highly trained Wells Cathedral School Chapel Choir act as the ‘audience’ and all is well!

The main theme that runs throughout is also taken by the audience. Dove treats it in a number of different ways and, imaginatively (and helpfully), before the audience’s first entries their phrases are sung strongly by the choir, which they then imitate. The model for much of this piece is Britten’s A Boy was Born in which he has a constantly repeated energetic figure passed around the vocal parts over which is sung a binding longer-note melody (sung by the boys’ choir in Britten’s case). The result is very exciting and strongly energized.

Ralph Allwood is well known for his influential summer choral courses at Eton College. He commissioned Dove to write an anthem for the 1997 course at Eton and Dove responded with Ecce beatam lucem, a setting of words which, in a prefatory note, Dove says were possibly written by Alessandro Striggio (1540–1592). Striggio wrote a forty-part motet setting these words which is often coupled with the more famous one by Tallis. It is an ecstatic poem in praise of light and its source from the sun, the moon and the stars which are all created by God. The music is underpinned by a series of fast-moving and constantly repeated keyboard figures on the organ as the choir moves between slower-moving lyrical phrases and quickly imitative figures thrown from voice to voice. The final section (‘O mel et dulce nectar’), in a slower, reflective mood, leads to the final beautiful bars, which Dove marks to be ‘slow and serene.’

In beauty may I walk was composed as a leaving present for Anthony Whitworth Jones, a great supporter of Dove’s who commissioned him to compose numerous works for the Glyndebourne Festival including the opera Flight, on his departure from Glyndebourne in August 1998. This is a short and simple setting of anonymous words from the Navajo translated by the American poet Jerome K Rothenberg, who made a remarkable job of the almost untranslatable. The Navajo is a huge tribe of North American Indians whose reservation (mostly in Arizona) is the largest in the United States. The Navajos have never stopped speaking their native Athabaskan language which is spoken only on the Navajo reservation. Until recently it was an unwritten language. It has no alphabet or symbols and is purely reflective of their way of life. Although the language is complex for outsiders to understand the imagery can be simple and fresh as Rothenberg’s translation shows. Dove’s response is equally simple and uses a chant-like phrase which the basses sing at the start as an endlessly repeated figure which seems to reflect both primitivism and a kind of religious fervour. A second section marked ‘more alert’ and to be sung in a ‘bird-like’ manner has the upper voices pecking at the words ‘Beautifully joyful’. The tenors and basses join and longer-note phrases bring back a feel of the chant which is properly reintroduced in the final section. This builds to a big climax and a quiet ending.

Of Seek him that maketh the seven stars (1995) Dove has written that ‘the theme of light, and starlight in particular, is an endless source of inspiration for composers’. The anthem was commissioned by the Friends of the Royal Academy of Arts for their annual service in St James’s Church, Piccadilly in London, and Dove thought that these images would also have a special meaning for visual artists. The organ part creates a musical image of the night sky with its twinkling stars which he says ‘sets the choir wondering who made them. The refrain “Seek him” starts in devotional longing but is eventually released into a joyful dance, finally coming to rest in serenity.’

Into thy hands was commissioned by Salisbury Cathedral to celebrate the 750th anniversary of the canonization of St Edmund of Abingdon (1175–1240), who was Canon Treasurer of Salisbury before becoming Archbishop of Canterbury. Dove was asked for an anthem which set words of St Edmund (he actually set two prayers) which would be sung in Pontigny Abbey in France where St Edmund is buried. Of the work Dove has written: ‘Knowing that it was a very resonant building, I imagined that the echo would be part of the piece, and set the first prayer spaciously, allowing for the sound of each phrase to reverberate. The second prayer talks of pilgrimage and eternity, and the music reflects this in a calm processional which does not reach an ending, but simply, in trust, surrenders itself.’

Paul Spicer © 2010

Jonathan Dove (né en 1959) est un compositeur aux talents extrêmement variés, surtout connu, peut-être, pour son remarquable ensemble d’opéras, allant de l’opéra-comique à grand succès Flight—l’histoire d’un groupe de personnes bloqué pendant vingt-quatre heures dans un aéroport—à des œuvres écrites exprès pour la télévision, des «community operas» et une série de partitions pour instruments d’époque. Dans un entretien accordé à Time Out en novembre 2009, il déclara: «Je me rappelle avoir lu The Hobbit, au début de mon adolescence, et m’être amusé à le traduire en musique au piano … Vers cette époque, j’ai aussi construit des théâtres miniatures de plus en plus sophistiqués—le dernier utilisa tout mon Meccano; il avait des lampes ultraviolettes et une scène hydraulique pivotante.» Guère surprenant, dès lors, que sa musique liturgique soit baignée d’un tel sens dramatique. Sa production chorale est énorme et les œuvres réunies ici montrent l’étendue et la variété de son imagination mais aussi sa réaction aux divers textes.

Cela ne ressort nulle part mieux que dans la première œuvre de ce disque, Bless the Lord, O my soul, une mise en musique du psaume 104 commandée par l’Eton Old Choristers’ Association pour célébrer le rôle des choristes dans la vie de l’école, depuis sa fondation par Henri VI en 1440. Il s’agit d’un dithyrambe caractérisé par des fioritures initiales à l’orgue et par une explosion de chant sans paroles (sur «Ah»), joyeux et canonique, qui forme la première entrée chorale. Puis la musique oscille entre les accords staccato piano accompagnant le premier verset choral, un travail organistique filigrané de l’ouverture et de gros accords forte avec le canon sans texte du chœur. La deuxième section («who coverest thyself with light») voit le chœur imiter la première phrase des trebles dans une autre progression canonique étoffée, par-dessous laquelle l’orgue développe la figure filigranée du début en un moto perpetuo. L’ouverture revient avec les premiers mots «Bless the Lord, O my soul», dont Dove a désormais presque fait un mantra. La dernière section gagne en volume, en intensité et en ferveur pour offrir à l’anthem une conclusion éblouissante.

Commande de la Cathedral Organists’ Association pour sa conférence de mai 2009, en la Wells Cathedral, la Missa brevis, l’œuvre la plus récente de ce disque, fut créée par le chœur de la cathédrale sous la direction de Matthew Owens. Dove dut respecter plusieurs conditions: la musique devait être stimulante mais pas hors de portée d’un bon chœur d’église; intéressante mais accessible; sobre de proportions et en latin, avec accompagnement d’orgue. À la création, il fut reconnu d’emblée que Dove avait parfaitement jaugé la tâche. (Comme l’exigeait la commande, il signait là sa première messe liturgique.) À la conférence, vingt-cinq organistes de cathédrale s’engagèrent à la jouer, bientôt suivis par de nombreux autres.

Le Kyrie déroge un peu aux habitudes de Dove avec une plus grande linéarité, davantage de polyphonie et un développement plus important, atteignant un apogée vers la fin. La partie d’orgue est minimale et recourt au procédé des accords tenus pour lier les courtes phrases vocales. Les impressionnants accords en cluster et leur formation rappellent l’écriture organistique de Kenneth Leighton. Le Gloria est un genre de moto perpetuo, l’orgue installant une figure rythmiquement dansante dans les premières mesures. Le chœur chante des phrases brèves, dans différentes dynamiques, qui ne lâchent pas la ferveur rythmique jusqu’à ce que les mots «Agnus Dei, Filius Patris. Qui tollis peccata mundi, miserere nobis» autorisent un relâchement de la tension, encore que l’orgue, en dessous, maintienne l’élan. Un spectaculaire apogée est atteint à «Jesu Christe» (aux mots «Tu solus altissimus, Jesu Christe»), quand Dove envoie brillamment la musique en ré bémol majeur, à partir d’une tonalité en la majeur, après quoi le mouvement danse jusqu’à une conclusion étincelante. Le Sanctus & Benedictus poursuit la danse dans une sémillante musique à 5/8. La manière dont les accords d’orgue se construisent avant l’entrée chorale n’est pas sans rappeler la Missa brevis de Britten. Toutefois, là où ce dernier débouche droit sur une écriture carillonnante, Dove part sur une explosion en accords au mot «Sanctus», réservant son écriture chorale carillonnante au «Dominus Deus Sabaoth». L’Hosanna, à la fin, ramène les accords liminaires du mouvement. L’Agnus Dei est formé par-dessus une pédale d’orgue, avec un mi grave tenu et un la, qui bouge seulement deux fois au cours du mouvement, provoquant, avec presque rien et pour un effet maximal, une irréversible augmentation de la tension. Passé six mesures d’introduction à l’orgue (une courte figure jouée par la main droite nous prépare à l’entrée chorale), le chœur chante de brèves phrases en accords. Le matériau organistique liminaire est réduit à quatre mesures pour l’entrée chorale suivante et le premier déplacement de la pédale. Puis le matériau de l’orgue est encore réduit à deux mesures et la pédale paroxystique passe d’ut à sol, avec le chœur qui chante vigoureusement l’«Agnus Dei» avant de s’effacer dans une répétition, façon mantra, des mots «dona nobis pacem». Un mouvement vraiment splendide et impressionnant.

Parmi les méthodes de développement des minimalistes actuels figure l’utilisation d’un motif qui est ensuite répété encore et encore avec un «lien» (une mélodie, par exemple) le conduisant à différentes hauteurs de son et régions tonales. Le contraste vient alors, en général, de ce qu’un autre motif répété est introduit, dans un autre climat, une autre dynamique. Ce modèle est celui d’I am the day, une œuvre a cappella qui met en musique un petit texte de l’Avent tiré du chapitre 22 de l’Apocalypse et décrivant la promesse de l’avènement de Jésus. Commande du Festival de Spitalfields, cette pièce fut créée en décembre 1999 et chantée pour la première fois par le chœur de Trinity College, Cambridge. Les éléments clés en sont la quiétude des premières mesures, à chanter «avec mystère», et la musique qui vient ensuite, de type scherzo, «dansante et enjouée». Dans la seconde section, l’élément mélodique de la première section est chanté par les basses tandis que les voix supérieures exécutent de brèves phrases empruntées à l’hymne de l’Avent O come, O come Emmanuel. Violà qui est très efficace: c’est un peu comme un lointain souvenir de l’hymne—une chose qu’on a en tête et qu’on essaye de se rappeler mais, comme avec une chanson populaire apprise au berceau, la mélodie refuse de se livrer complètement. Les deux éléments contrastifs reviennent avant qu’une conclusion pensive ne voie les sopranos et les altos aller doucement vers le ciel, comme l’encens qui s’élève.

Wellcome, all wonders in one sight! fut écrite à l’intention du South Wilts A Cappella (un chœur de la South Wilts Grammar School), pour qu’il la chante dans la cathédrale de Salisbury. C’est une mise en musique a cappella d’une section d’un vaste poème du poète métaphysique du XVIIe siècle, Richard Crashaw, intitulé «An Hymne of the Nativity, sung as by the shepherds». Dans ce texte, un chœur de bergers encourage les deux principaux personnages (également bergers), Tityrus et Thyrsis, à dire ce qu’ils ont vu à la naissance du Christ. Dove utilise une minuscule portion du chœur et juste un bout de strophe, celui où Tityrus et Thyrsis parlent ensemble («We saw thee in thy balmy nest»). Dove a écrit sur les images paradoxales de Crashaw, auxquelles il fut très réceptif: «L’éternité enfermée dans un petit espace de temps. L’été dans l’hiver, le jour dans la nuit»—ce qui traduit, avec une remarquable économie, la puissance de cet événement miraculeux.

Dove fait de la constante répétition des mots «wellcome wonder» un motif accompagnant qui balance comme le berceau et suggère, peut-être, la profonde crainte des bergers. Tout autour, les trebles, puis les premières basses et, plus tard encore, les ténors, chantent le texte complet en lignes superbement lyriques, «avec crainte», stipule Dove. Arrivé à la fin de la première section, que l’on retrouve au milieu et vers la conclusion, le compositeur déclenche un merveilleux coup de théâtre: aux mots «God in man», le flux est momentanément interrompu, toutes les voix sont dans l’aigu et dans une tonalité éloignée de ce qui précède immédiatement—un effet magique.

Comme Wellcome, all wonders, The Star-Song est une pièce de Noël recourant à plusieurs personnages pour forger un petit drame. Ici, il s’agit d’un dialogue entre l’étoile d’orient et un chœur (possible incarnation des bergers), un poème de Robert Herrick (1591–1674) dans lequel le chœur demande avec truculence où trouver le Christ. Il sera, suppose-t-on, dans des massifs de lis, dans «une arche de fleurs» ou encore «dans la joue rougissante du matin», etc. L’étoile oppose un «non» vigoureux et dit qu’il est simplement au sein de sa mère. Extatiques, les membres du chœur s’exclament alors «On le voit, on le voit!» et disent qu’ils vont lui offrir un «chant de Noël», «le choisir pour Roi et faire sa mère Reine»—un poème merveilleusement optimiste auquel Dove apporte une réponse simple et efficace. La partie d’orgue crée un effet rayonnant «brillant et scintillant», qui marque toute l’œuvre comme un nouveau moto perpetuo. Les ténors et les basses sont le chœur, les voix supérieures symbolisent l’étoile, mais tous chantent ensemble quand survient l’heure de la reconnaissance. L’usage d’un constant mètre à 7/8 maintient l’excitation bourdonnante et la conclusion s’évanouit simplement dans les airs.

Le chœur de King’s College, Cambridge commanda The Three Kings en 2000, pour l’édition annuelle de son Festival of Nine Lessons and Carols. Le choix de Dove se porta sur «The Three Kings», un fascinant poème de Dorothy L. Sayers, de style quasi médiéval et avec pour refrain «O balow, balow la lay / Gift for a baby King, O». Sayers portraiture ses trois rois aux trois âges de l’homme—la jeunesse, la fleur de l’âge et la grande vieillesse. Et c’est avec un tour peut-être inattendu qu’elle se démarque de l’imagerie populaire pour nous montrer le jeune roi dolent, qui apporte la myrrhe; le roi dans la fleur de l’âge est un prêtre solennel qui apporte l’encens, «triste et doux», et c’est le très vieux roi qui apporte les poignées d’or—non pas de l’argent mais des petits bijoux, des colifichets et des jouets scintillants pour un nouveau-né. Dove traduit simplement ces trois personnalités. Le premier roi est dévolu à deux trebles solo accompagnés par le chœur qui chante le refrain. Pour le roi suivant, le tempo s’accélère un peu mais les voix supérieures interprètent encore le texte descriptif pendant que le chœur exécute le refrain, en accompagnement. Le dernier roi est introduit mystérieusement mais, au débotté, Dove précipite la musique dans un énergique scherzo pour décrire les colifichets dorés et l’excitation de l’enfant qui les reçoit. La pièce s’achève dans une paisible réflexion.

Run, shepherds, run! est d’une toute autre conception et souligne combien Dove a le sens et le souci du drame et de la chose dramatique. C’est encore une commande du Festival de Spitalfields, cette fois pour célébrer la vie de Christopher Robert Vaughan, mort à presque quarante ans. Vaughan habitait Spitalfields et légua une partie de son domaine pour alimenter le programme «Learning and Participation» du Festival, dont il était par ailleurs mécène. (Pour honorer sa mémoire, Jonathan Dove se vit commander une autre œuvre, On Spital Fields, une cantate municipale.) Le poème—«The Angel’s Song», écrit par William Drummond de Hawthornden (1585– 1649) et emprunté au recueil Flowers of Sion (les Fleurs de Sion)—est énergique et sert à merveille le propos de Dove. La musique a été conçue pour être jouée en faisant participer l’auditoire, qui doit commencer par apprendre son «refrain». En réalité, cette musique est fort complexe car le public est scindé à mesure que la pièce progresse, en deux puis en quatre parties, qui chantent chacune avec une section du chœur. Comme l’écrit Dove dans sa préface: «La division en quatre parties est un vrai défi pour le public: il peut en résulter un certain chaos joyeux mais cela fait partie intégrante du plaisir.» Ici, le Wells Cathedral Choir ne prend pas de tels risques: le Wells Cathedral School Chapel Choir, très entraîné, fait office de public et tout va bien!

Le thème principal, qui court de bout en bout, est également négocié par le public. Dove le traite de plusieurs manières et, avec imagination (et obligeance), le chœur chante puissamment les phrases du public, qui n’a plus qu’à l’imiter lorsqu’il fait son entrée. Cette pièce s’inspire beaucoup de A Boy was Born de Britten: les parties vocales se passent une figure vigoureuse constamment répétée, par-dessus laquelle survient une mélodie-lien en notes plus longues (assumée par le chœur de garçons chez Britten). Le résultat est absolument passionnant et bourré d’énergie.

Ralph Allwood, célèbre dispensateur d’influents cours choraux l’été, à Eton College, commanda à Dove un anthem pour son cours de 1997; ce sera Ecce beatam lucem. Son texte, précise Dove dans une note liminaire, pourrait-être d’Alessandro Striggio (1540–1592), qui en fit un motet à quarante parties souvent couplé à celui, plus connu, de Tallis. C’est un poème extatique louant la lumière et sa source—le soleil, la lune et les étoiles, tous créés par Dieu. La musique est étayée par une série de figures claviéristiques rapides et sans cesse répétées, à l’orgue, quand le chœur évolue entre des phrases lyriques plus lentes et des figures rapidement imitatives lancées de voix en voix. La section finale («O mel et dulce nectar»), dans un climat ralenti, méditatif, mène aux splendides dernières mesures, «lentes et sereines», indique Dove.

In beauty may I walk a été composé comme cadeau de départ pour Anthony Whitworth Jones, grand défenseur de Dove, qui lui a commandé plusieurs œuvres pour le Festival de Glyndebourne, notamment l’opéra Flight, à son départ de Glyndebourne en août 1998. C’est la mise en musique, simple et brève, d’un texte navajo anonyme traduit par le poète américain Jerome K. Rothenberg, qui fit un remarquable travail sur ce qui était presque intraduisible. Les Navajos sont une immense tribu d’Indiens d’Amérique du Nord et leur réserve (essentiellement en Arizona) est la plus vaste des États-Unis. Ils n’ont jamais cessé de parler leur langue, l’athabascan, qui n’est pas usitée en dehors de leur réserve. Jusqu’à récemment, c’était une langue non écrite. Sans alphabet ni symboles, elle reflète strictement leur mode de vie. Elle est complexe à comprendre pour les étrangers mais ses images peuvent être simples et fraîches, comme le montre la traduction de Rothenberg. La réponse de Dove, tout aussi simple, utilise une phrase façon plain-chant, que les basses chantent, au début, comme une figure incessamment répétée, qui semble refléter et le primitivisme et une manière de ferveur religieuse. Une seconde section marquée «plus alerte», à chanter «à la façon d’un oiseau», voit les voix supérieures picoter aux mots «beautifully joyful». Les ténors et les basses se joignent aux autres et les phrases en valeurs allongées ramènent le goût du plain-chant, complètement réintroduit dans la section finale, qui se construit jusqu’à un imposant apogée et une conclusion sereine.

À propos de Seek him that maketh the seven stars (1995), Dove a écrit que «le thème de la lumière, celle des étoiles en particulier, est une source d’inspiration infinie pour les compositeurs». Cet anthem répond à une commande de la Royal Academy of Arts pour son service annuel en St James’s Church, Piccadilly (Londres) et Dove a pensé que ces images auraient un sens particulier pour des plasticiens. La partie d’orgue produit l’image musicale du ciel nocturne, avec ses étoiles scintillantes—une image qui, selon Dove, «pousse le chœur à se demander qui les a faites. Le refrain “Seek him” commence dans l’aspiration dévotionnelle mais se libère finalement en une danse joyeuse, avant de se reposer dans la sérénité».

Into thy hands fut commandée par la cathédrale de Salisbury pour le sept cent cinquantième anniversaire de la canonisation de St Edmond d’Abingdon (1175–1240), chanoine trésorier de Salisbury puis archevêque de Cantorbéry. On demanda à Dove un anthem mettant en musique des textes de St Edmond (au vrai, de deux prières), destiné à être chanté en l’abbaye française de Pontigny, où le saint est inhumé. Voici ce qu’a écrit Dove à propos de cette œuvre: «Sachant que l’édifice était très résonant, j’ai imaginé que l’écho ferait partie de la pièce et j’ai fait de la première prière une mise en musique spacieuse, qui permet au son de chaque phrase de se réverbérer. La seconde prière parle de pèlerinage et d’éternité, ce que la musique traduit en un calme cantique processionnel qui n’atteint aucune conclusion mais se livre, en vérité, simplement.»

Paul Spicer © 2010
Français: Hypérion

Jonathan Dove (*1959) ist ein ungemein vielseitiger Komponist und vielleicht am besten bekannt durch seinen bemerkenswerten Katalog von Opern, zum Beispiel die höchst erfolgreiche komische Oper Flight über eine Gruppe von Reisenden, die vierundzwanzig Stunden lang auf einem Flughafen gestrandet sind, und durch speziell für das Fernsehen und regionale Opernhäuser komponierte Werke und Musik für historische Instrumente. In einem Interview für Time Out im November 2009 sagte er: „Ich erinnere mich, dass ich in meinen frühen Teenagerjahren The Hobbit las und den Text auf dem Klavier in Musik übersetzte … Damals baute ich auch Modelltheater, die immer komplizierter wurden, und die letzte Bühne enthielt meinen kompletten Märklin-Baukasten, hatte UV-Beleuchtung und eine hydraulische Drehbühne.“ Kein Wunder, dass dieser Hang zum dramatischen Ausdruck sich auch überall in seiner Kirchenmusik niederschlägt. Dove hat sehr viel Chormusik komponiert, und die für diese Einspielung ausgewählten Werke sind beispielhaft für die Bandbreite und Vielseitigkeit seiner Vorstellungskraft bei der Verarbeitung verschiedener Texte.

Nirgends wird dies deutlicher als im ersten Stück auf dieser CD, Bless the Lord, O my soul, einer Vertonung des 104. Psalms, die von der Eton Old Choristers’ Association in Auftrag gegeben wurde, um den Beitrag des Schulchors zur Geschichte der 1440 von Heinrich VI. gegründeten Chorschule bis zu ihrer Auflösung im Jahr 1968 zu feiern. Dieser Lobgesang wird bestimmt von den einleitenden Orgelverzierungen und dem freudvoll ausbrechenden kanonischen ersten Einsatz des Chors ohne Worte auf der Silbe „Ah“. Anschließend wendet die Musik sich rück- und vorwärts zwischen piano gespielten Stakkatoakkorden zur Begleitung der ersten Textzeile des Chors, weiterem Filigranwerk aus der Einleitung auf der Orgel und großen, forte gespielten Akkorden zum wortlosen Kanon des Chors. Im zweiten Abschnitt („who coverest thyself with light“ / Licht ist dein Kleid) imitiert der Chor die erste Phrasierung des Soprans mit einer weiteren kanonischen Progression, unter der die Orgel die Filigranfigur der Einleitung zu einem moto perpetuo entwickelt. Die Einleitung kehrt mit der ersten Textzeile „Bless the Lord, O my soul“ gleichsam in Gestalt einer Gebetsformel zurück. Der letzte Abschnitt bringt die Hymne mit gesteigerter Lautstärke, Intensität und Erregung zu einem überwältigenden Abschluss.

Die Missa brevis, das jüngste Werk auf dieser CD, wurde von der Vereinigung der Domorganisten (Cathedral Organists’ Association) für ihre Konferenz in der Kathedrale von Wells im Mai 2009 in Auftrag gegeben und erstmals vom Chor der Kathedrale unter Leitung von Matthew Owens aufgeführt. Dove musste eine Reihe von Auflagen erfüllen: Die Musik sollte anspruchsvoll sein, aber innerhalb der Fähigkeiten eines guten Kirchenchors bleiben; sie sollte interessant, aber nicht unzugänglich sein; sie sollte ausgewogen proportioniert sein; und der lateinisch gesungene Text sollte von der Orgel begleitet werden. Bei der Uraufführung wurde sofort erkennbar, dass Dove das Werk perfekt abgewogen hatte. (Zu den Auflagen zählte auch, dass dies seine erste Publikation einer liturgischen Messe sein sollte.) Fünfundzwanzig an der Konferenz teilnehmende Domorganisten bekräftigten durch ihre Unterschrift die Absicht, das neue Werk aufzuführen, und viele weitere gesellten sich später dazu.

Im Kyrie weicht Dove deutlich von seinem üblichen Stil ab. Die Entwicklung ist linearer, stärker polyphonisch und steigert sich gegen Ende zu einem Höhepunkt. Der Beitrag der Orgel ist auf ein Minimum beschränkt und verbindet die kurzen Textteile durch ausgehaltene Akkorde. Die wirkungsvollen Cluster-Akkorde und ihre Anordnung erinnern an den Orgelkompositionsstil von Kenneth Leighton. Das Gloria ist eine Art moto perpetuo, in dem die Orgel mit den einleitenden Takten eine rhythmisch tanzende Figur einführt. Der Chor singt kurze Phrasierungen mit unterschiedlicher Dynamik, die sich von der rhythmischen Erregung erst mit den Worten „Agnus Dei, Filius Patris. Qui tollis peccata mundi, miserere nobis“ lösen und die Spannung lockern, wenngleich die Orgel darunter die fortlaufende Bewegung aufrecht erhält. Mit den Worten „Tu solus altissimus, Jesu Christe“ wird ein spektakulärer Höhepunkt erreicht, wo Dove die Musik aus der A-Dur-Tonalität nach Des-Dur springen und den Satz zu einem brillanten Ende tanzen lässt. Das Sanctus und Benedictus setzt den Tanz in „spritzigem“ Fünfachteltakt fort. Hier werden die Orgelakkorde ähnlich wie in Brittens Missa brevis vor dem Einsatz des Chors aufgebaut, doch im Unterschied zu Britten, der unmittelbar zu glockenähnlichem Klang übergeht, beginnt Dove mit einem Akkordausbruch auf dem Wort „Sanctus“ und behält sich den Glockenklang für die Worte „Dominus Deus Sabaoth“ vor. Das abschließende Hosanna bringt die einleitenden Akkorde des Satzes zurück. Das Agnus Dei ist auf einem Orgelpunkt mit ausgehaltenem tiefem E und A aufgebaut, der sich während des ganzen Satzes nur zweimal bewegt und auf diese Weise die Spannung geschickt mit geringstem Aufwand und größtmöglicher Wirkung steigert. Nach einer sechs Takte langen Orgeleinleitung (eine kurze Figur in der rechten Hand bereitet den Einsatz des Chors vor) singt der Chor kurze Akkordphrasierungen. Das Orgelmaterial der Einleitung wird in Vorbereitung auf den nächsten Choreinsatz und auf die erste Orgelpunktbewegung auf vier Takte und dann noch einmal auf zwei Takte verkürzt, und der zum Höhepunkt strebende Orgelpunkt verschiebt sich nach C und G, während der Chor kräftig das abschließende „Agnus Dei“ singt, um dann mit einer gebetsformelähnlichen Wiederholung der Worte „dona nobis pacem“ zu verklingen, ein sehr schöner und wirkungsvoller Satz.

Eine der von zeitgenössischen „Minimalisten“ verwendeten Entwicklungsmethoden besteht in der beharrlichen Wiederholung eines Motivs, das dann von einem „Bindeglied“ wie zum Beispiel einer Melodie zusammengehalten und in verschiedene Tonhöhen und Tonalbereiche geführt wird. Für den Kontrast in diesen Stücken sorgt normalerweise die Einführung eines weiteren wiederholten Motivs mit anderer Stimmung und Dynamik. Dies ist das Muster für I am the day, die Vertonung eines Auszugs aus der Offenbarung des Johannes, Kap. 22, für unbegleiteten Chor mit der Verheißung von Jesu Erscheinen. Sie war eine Auftragskomposition für das Spitalfields Festival und wurde erstmals im Dezember 1999 vom Chor des Trinity College, Cambridge aufgeführt. Die Kernelemente sind die Ruhe der einleitenden Takte mit der Vortragsbezeichnung „geheimnisvoll“ und der folgende Scherzo-ähnliche, als „tanzend und verspielt“ bezeichnete Abschnitt, der das melodische Element des ersten Teils in den Bässen übernimmt, während die Oberstimmen kurze Phrasen aus der Adventshymne O come, O come Emmanuel singen. Dies ist höchst wirkungsvoll, da es fast wie eine ferne, bruchstückhafte Erinnerung an die Hymne fungiert, wie an ein Kinderlied, das sich der vollständigen Erinnerung versagt. Diese beiden kontrastierenden Elemente kehren zurück, bevor sich die Sopran- und Altstimmen wie aufsteigender Weihrauch zu einem besinnlichen Ende emporschwingen.

Wellcome, all wonders in one sight! wurde für den South Wilts A Cappella, den Chor der South Wilts Grammar School, zur Aufführung in der Kathedrale von Salisbury komponiert. Es handelt sich um die unbegleitete Vertonung eines Auszugs aus einem längeren Gedicht mit dem Titel „An Hymne of the Nativity, sung as by the shepherds“ (Eine Hymne an Jesu Geburt, wie von den Hirten gesungen) des metaphysischen Dichters Richard Crashaw aus dem 17. Jahrhundert. Das Gedicht hat einen Hirtenchor, der die beiden Protagonisten Tityrus und Thyrsis (ebenfalls Hirten) auffordert zu erzählen, was sie bei Jesu Geburt sahen. Dove verarbeitet einen sehr kurzen Auszug aus dem Chor und einen Versteil, in dem Tityrus und Thyrsis miteinander sprechen („We saw thee in thy balmy nest“ / Wir sahen Dich in Deinem gesalbten Nest). Dove hat sich über die paradoxe Bildhaftigkeit von Crashaw geäußert, die ihn stark angesprochen hat: „Ewigkeit in einer Zeitspanne gefangen. Sommer im Winter, Tag in der Nacht“, was mit beachtenswerter Sparsamkeit die Kraft dieses wundersamen Ereignisses vermittelt.

Doves Vertonung nutzt die ständige Wiederholung der Worte „wellcome wonder“ als Begleitmotiv wie eine schaukelnde Wiege und vielleicht auch zur Symbolisierung der gedämpften Ehrfurcht der Hirten. Dazwischen singen erst die hohen Stimmen, dann die ersten Bässe und noch später die Tenöre den vollständigen Text in wunderbar lyrischer Vertonung, die laut Vortragsbezeichnung „mit Ehrfurcht“ zu singen ist. Gegen Ende des ersten Abschnitts, der in der Mitte und nahe dem Ende wiederkehrt, wartet Dove zu den Worten „God in man“ mit einem wunderbaren Theatercoup auf, einem magischen Effekt, der zeitweilig den Fluss unterbricht und alle Stimmen in hoher Lage und in einer von allem unmittelbar Vorhergehenden entfernten Tonart singen lässt.

The Star-Song ist ein weiteres Werk für Weihnachten, das ebenso wie Wellcome, all wonders ein kleines Drama mit verteilten Rollen ist, in diesem Fall ein Dialog zwischen dem Stern im Osten und dem Chor, der möglicherweise die Hirten versinnbildlicht. Das Gedicht stammt von Robert Herrick (1591–1674), der den Chor mit blumiger Sprache fragen lässt, wo Christus zu finden sei. Es wird vermutet, er liege auf Lilienhängen oder „in einer Blumenarche“, „in des Morgens errötender Wange“ und so weiter. Der Stern antwortet mit einem resoluten „Nein“ und erklärt ihnen, er liege lediglich an seiner Mutter Brust. Der Chor antwortet in Aufregung: „Er ist geseh’n, Er ist geseh’n!“, und sie bieten ihm Trinksprüche, wählen ihm zum König und seine Mutter zur Königin. Dies ist ein wunderbar optimistisches Gedicht, und Doves Bearbeitung ist einfach und wirkungsvoll. Die Orgel erzeugt einen funkelnd-hellen Sterneneffekt, der das gesamte Stück als weiteres moto perpetuo durchzieht. Die Tenöre und Bässe sind der Chor, die Oberstimmen verkörpern den Stern, und im Augenblick des Erkennens singt der ganze Chor zusammen. Der durchgehende Siebenachteltakt hält die Erregung wach, und das Ende erhebt sich buchstäblich hoch in die Luft.

The Three Kings wurde vom Chor des King’s College in Cambridge für das alljährliche „Festival of Nine Lessons and Carols“ des Jahres 2000 in Auftrag gegeben. Als Text wählte Dove ein faszinierendes Gedicht von Dorothy L. Sayers mit dem Titel „The Three Kings“, das in mittelalterlichem Stil gehalten ist: „O balow, balow la lay, / Gifts for a baby King, O“ refrain. Sayers stellt die drei Könige in den drei menschlichen Lebensaltern dar: in der Jugend, auf der Höhe des Lebens und im Greisenalter. Mit einem vielleicht unerwarteten Dreh und in Abkehr von gewohnter Bildlichkeit stellt Sayers den jungen König als melancholisch und Myrrhe bringend vor; der König auf der Höhe des Lebens ist ein feierlicher Priester mit Weihrauchgaben traurig und süß; und der greisenhafte König bringt Hände voll Gold, die aber kein Geld, sondern Tand, Glitzerwerk und Spielzeug für einen Neugeborenen sind. Dove spiegelt einfach diese unterschiedlichen Charaktere wider. Der erste wird von zwei Sopranstimmen gesungen, die vom Chor mit den Worten des Refrains begleitet werden. Für den zweiten König wird das Tempo ein wenig gesteigert, doch die Oberstimmen singen weiter den beschreibenden Text zur Refrainbegleitung des Chors. Der dritte König wird auf mysteriöse Weise eingeführt, doch die Musik verwandelt sich in ein energiereiches Scherzo zur Beschreibung des goldenen Tands und der Freude des Kindes. Das Stück schließt in ruhig-nachdenklicher Stimmung.

Run, shepherds, run! hat ein ganz anderes Konzept und unterstreicht Doves Begeisterung für das Theater und sein Gefühl für Drama. Dies war ein weiteres Auftragswerk für das Spitalfields Festival zur Feier des Lebens von Christopher Robert Vaughan, Einwohner der Londoner Gemeinde Spitalfields und Schirmherr des Festivals, der in seinen späten Dreißiger Jahren starb und einen Teil seines Besitzes zur Finanzierung des Teilnahme- und Lernprogramms des Festivals hinterließ. (Jonathan Dove erhielt außerdem einen Auftrag für eine Gemeindekantate mit dem Titel On Spital Fields zum Gedenken an Vaughan.) Das Gedicht „The Angel’s Song“ von William Drummond of Hawthornden (1585–1649) aus einer Sammlung namens Flowers of Sion ist kraftvoll und eignet sich hervorragend für Doves Zwecke. Die Musik wurde mit dem Ziel der Mitwirkung des Publikums komponiert, das seinen „Refrain“ vor der Aufführung lernen muss. Die Musik ist tatsächlich recht komplex, denn die Rolle des Publikums wird im Lauf der Entwicklung erst in zwei und dann in vier Teile gegliedert, von denen jeder mit einem Teil des Chors zu singen ist. Dove schreibt im Vorwort: „Die vierteilige Struktur stellt das Publikum vor keine leichte Aufgabe, die in fröhlichem Chaos enden mag, aber das gehört zum Spaß an der Sache.“ Für diese Einspielung ist der Chor der Wells Cathedral kein solches Risiko eingegangen und hat den gut ausgebildeten Chor der Wells-Schulkapelle mit gutem Ergebnis als „Publikum“ verpflichtet!

Das Hauptthema, das sich durch das gesamte Stück zieht, wird ebenfalls vom Publikum übernommen. Dove behandelt es auf unterschiedliche Weise und lässt die Phrasierungen fantasievoll (und hilfreich) zuerst kraftvoll vom Chor vorsingen, bevor sie vom Publikum imitiert werden. Die Vorlage für einen Großteil dieses Stücks ist Brittens A Boy was Born, in dem eine ständig wiederholte energievolle Figur nacheinander von den Singstimmen übernommen wird, die von einer darüber liegenden (in Brittens Fall vom Knabenchor gesungenen) Melodie aus längeren Noten miteinander verbunden werden. Das Ergebnis ist sehr aufregend und reich an Energie.

Ralph Allwood ist allgemein bekannt für seine einflussreichen sommerlichen Chorlehrgänge am Eton College. Er beauftragte Dove, eine Hymne für den Lehrgang des Jahres 1997 zu komponieren, und Dove reagierte mit Ecce beatam lucem, einer Vertonung von Worten, die laut einer Vorbemerkung von Dove möglicherweise von Alessandro Striggio (1540–1592) stammen. Striggio vertonte diese Worte mit einer vierzigstimmigen Motette, die häufig zusammen mit dem bekannteren Werk von Tallis gekoppelt wird. Dies ist ein ekstatisches Gedicht zum Ruhm des Lichts und der Sonne als seiner Quelle, des Monds und der Sterne, die alle von Gott geschaffen wurden. Die Musik stützt sich auf eine Serie schneller und ständig wiederholter Orgelfiguren, während der Chor sich zwischen langsameren lyrischen Phrasen und schnell imitierenden, von Stimme zu Stimme geworfenen Figuren bewegt. Der letzte Teil („O mel et dulce nectar“) in langsamerer, besinnlicher Stimmung leitet zu den schönen Schlusstakten über, die „langsam und feierlich“ zu singen sind.

In beauty may I walk wurde als Abschiedsgeschenk für Anthony Whitworth Jones komponiert, der Dove stark unterstützte und ihm zahlreiche Aufträge für das Glyndebourne Festival einschließlich der Oper Flight anlässlich seines Abschieds von Glyndebourne erteilte. Dies ist eine kurze, einfache Vertonung eines anonymen Textes, der von dem amerikanischen Dichter Jerome K. Rothenberg bemerkenswert gut aus der fast unübersetzbaren Sprache der Navajo-Indianer übertragen wurde. Die Navajo sind ein großer Stamm nordamerikanischer Ureinwohner, deren überwiegend in Arizona liegendes Reservat das größte in den USA ist. Die Navajos haben ihre Athabasken-Sprache, die bis in die jüngste Vergangenheit ungeschrieben war und ausschließlich im Navajo-Reservat gesprochen wird, nie aufgegeben. Sie hat keine Buchstaben oder Symbole und einziges Thema ist der Lebensstil. Obwohl sie für Außenstehende sehr komplex ist, kann die Bildlichkeit, wie Rothenbergs Übersetzung beweist, einfach und frisch sein. Doves Verarbeitung ist gleichermaßen schlicht und verwendet eine gebetsformelähnliche Phrasierung, die von den Bässen anfänglich als endlos wiederholte Figur gesungen wird und gleichermaßen Ursprünglichkeit und religiösen Eifer auszudrücken scheint. Im zweiten Teil mit der Vortragsbezeichnung „aufmerksamer“, der „vogelähnlich“ zu singen ist, picken die Oberstimmen an den Worten „schön fröhlich“. Die Tenöre und Bässe fallen ein, und Phrasierungen mit längeren Noten bringen das Gefühl der Gebetsformel zurück, die im Schlussteil wieder eingeführt wird. Dies baut zu einem großen Höhepunkt und ruhigen Ende auf.

Über Seek him that maketh the seven stars (1995) schrieb Dove, dass „das Thema Licht, und vor allem Sternenlicht, eine nie versiegende Quelle der Inspiration für Komponisten ist“. Die Hymne wurde von der Royal Academy of Arts für ihren jährlichen Gottesdienst in der St. James’s Church im Londoner Stadtteil Piccadilly in Auftrag gegeben, und Dove meinte, dass diese Bilder auch besondere Bedeutung für bildende Künstler haben könnten. Der Orgelteil erzeugt ein Bild vom Nachthimmel mit seinen funkelnden Sternen, von denen Dove sagt, dass sie „den Chor fragen lassen, wer sie gemacht hat. Der Refrain ,Seek him‘ beginnt mit ehrfürchtigem Sehnen, wird schließlich in einen fröhlichen Tanz entlassen und endet in feierlicher Ruhe.“

Into thy hands wurde von der Kathedrale von Salisbury zur Feier des 750. Jahrestags der Heiligsprechung von St. Edmund von Abingdon (1175–1240) in Auftrag gegeben, der kanonischer Schatzmeister von Salisbury war, bevor er zum Erzbischof von Canterbury ernannt wurde. Dove wurde um eine Hymne zu Worten von St. Edmund gebeten, komponierte jedoch zwei Gebete, die in der Abtei von Pontigny in Frankreich zu singen waren, wo St. Edmund begraben ist. Dove schrieb über das Werk: „Da mir das Gebäude als sehr resonant bekannt war, stellte ich mir das Echo als Teil der Komposition vor und vertonte das erste Gebet weiträumig, um dem Klang jeder Phrasierung Zeit für den Nachhall zu geben. Das zweite Gebet befasst sich mit Pilgertum und Ewigkeit, und die Musik reflektiert dies mit einer ruhigen Prozession, die kein Ende findet, sondern sich einfach vertrauensvoll ergibt.“

Paul Spicer © 2010
Deutsch: Henning Weber