When the long-playing (33rpm) record first appeared in the Soviet Union in 1951 it confirmed that the Union was as advanced as most leading West European record companies. Certainly the state-owned recording company, the All-Union Studio of Gramophone Recording, was using magnetic tape very shortly after the end of the Second World War, no doubt having acquired the process from Germany. Discs were manu­fac­tured and distributed by the state via the All-Union Firm of Gramophone Records (Melodiya). With regard to numbering, from the introduction of the LP until mid-1975, each side of an LP had its own unique number, just as shellac discs had before them. These numbers were usually consecutive, but when there were recouplings each side retained its original number. The prefix ‘D’ indicated dolgo-igrayuschy (‘long-playing’). At the start of the Soviet Union LP era ten-inch records were more prevalent than other sizes, with the consequence that this format was regarded as standard. To differentiate between this and other LP sizes, the numbers of a twelve-inch record were preceded by a zero, those of an eight-inch record by two zeros and those of a seven-inch record by three zeros.

Sergei Rachmaninov featured prominently in Melodiya’s early classical catalogue, as much as Prokofiev, more than Shostakovich though less so than an abundance of Tchai­kovsky – an obvious reflection of the popularity of the composers in question. Rachmaninov’s profile might be considered surprising given that when he left Russia after the November 1917 Revolution, never to return, he became persona non grata. But unlike the unfortunate Nikolai Medtner, who departed the emerging Soviet Union in 1921 and whose music was still banned in the 1950s, Rachmaninov enjoyed a relatively swift rehabilitation. The recording of Rachmaninov’s two largest and most popular concertos (Nos 2 & 3) was entrusted to Lev Nikolaevich Oborin (11.11.1907–5.1.1974). He made the headlines in 1927 when he captured the first prize at the inaugural International Chopin Competition in Warsaw, ahead of two Polish entrants, Stanislaw Szpinalski and Roza Etkin-Moszkowska, as well as fellow Soviet entrant, Grigory Ginzburg. Oborin sub­sequently found himself in an exalted position; acknowledged as the first of the new breed of ‘Soviet pianists’ he was among the first artists permitted to tour outside the Soviet Union after the war.

Born in Moscow, Oborin attended the city’s Gnesin Music School from 1914, his first teacher being Yelena Gnesina, a pupil of Fer­ruccio Busoni and known for her ‘progressive’ methods, most significantly the emphasis upon musicianship rather than repetitive exercises, and her insistence that pupils should regularly perform concerts and recitals. Joining the Moscow Conservatoire in 1921, Oborin entered Konstantin Igumnov’s piano class and also studied composition with Georgi Conus, Alexander Gretchaninov and Nikolai Myaskov­sky. He also flirted with conducting and gained insights from the likes of Bruno Walter and Hermann Abendroth. Two years after his Leningrad debut in 1924, Oborin completed his piano studies with distinction. His principal examination piece was Rach­maninov’s third concerto, a commonplace choice today but somewhat unusual at that time.

Oborin also played an important role in the day-to-day musical life of Moscow. After his competition success he became Igumnov’s assistant and taught chamber music, a genre to which he dedicated much of his life. In 1935 he played his first recital with violinist David Oistrakh, with whom he continued to col­labo­rate for more than thirty years, and from 1941 to 1963 these two also formed an acclaimed trio with the cellist Sviatoslav Knushevitsky. In 1948 Oborin succeeded Igumnov at the Moscow Conservatoire. One of his earliest protégés was Vladimir Ashkenazy; other pupils included Mikhail Voskrensky, Dmitri Sakharov, Alexander Bakhchiev, Tamara Gusyeva, Irena Smolena, Boris Berman and Andrei Egorov. A stroke in the late 1960s terminated his concert career but he continued to teach until shortly before his death.

As is apparent from his interpretations of the second and third concertos, Oborin posses­sed an all-encompassing, commanding yet unsensational technique, one which was placed exclusively at the service of the music. The most frequently repeated observations about his noble playing – ‘simplicity’ and ‘natural­ness’ – can be applied to all his many record­ings, be they of Beethoven, Chopin and Ravel or Andrei Balanchivadze, Aram Khachaturian (both of whom dedicated piano concertos to him), Nikolai Myaskovsky, Sergei Prokofiev and, of course, Rachmaninov. Oborin’s 1947 recording of the second concerto was the first Soviet LP recording of Rachmaninov’s music, carrying the catalogue numbers D 07/8. (Incidentally, D 01/2 was Alexander Gauk’s recording of Tchaikovsky’s first orchestral suite with the ‘Radio Orchestra’.) Oborin’s 1949 recording of the third concerto was released across three ten-inch sides – D 1197/99 – the fourth side being allocated to the Beethoven Quartet’s recording of the ‘Romance and Scherzo’ from Rachmaninov’s unfinished string quartet.

Melodiya’s first recordings of the fourth concerto and the ‘Paganini Rhapsody’ were assigned to another prominent Soviet pianist, Yakov Israilevich Zak (20.11.1913–20/28.6.1976). Born in that veritable cradle of Russian/Soviet musicians, Odessa, Zak first studied at the city’s conservatoire with Maria Starkhova before moving to Moscow (1933–5) to work with Heinrich Neuhaus. Zak made his mature debut in 1935, the same year he began a parallel teaching career at the Moscow Con­servatoire which more or less kept him at his alma mater for the rest of his life. (He was appointed full professor in 1947 and granted a chair in 1965.) His pupils include Nikolai Petrov, Yevgeni Mogilevsky, Lyubov Timofe­yeva, Alexander Toradze, Youri Egorov and Eliso Virsaladze who eventually became Zak’s postgraduate assistant. Zak’s death was sudden and unexpected; well-founded rumours attributed his demise to a heart-attack brought on after a prolonged spell of interrogation by the KGB (‘heart-attack’ was a common KGB euphemism for having tortured someone to death). The mists surrounding his end go some way to explain why sources vary as to the precise date of his death in June 1976.

As a performer Zak rose to prominence after winning first prize in addition to the Mazurka Prize at the Third International Chopin Competition in Warsaw in 1937. Quickly recognized as one of the greatest Chopin players of his era, Zak also duly played his part in furthering contemporary Soviet music, notably premiering Dmitri Kabalevsky’s third piano sonata in Moscow in 1947 as well as works by Yevgeni Golubev and Yuri Levitin. He went on to record the Kabalevsky sonata, which was not officially released in the Soviet Union for decades, in addition to Anatoli Alexandrov’s second piano sonata. He made many concerto recordings for Melodiya: Brahms (No 2), Ravel and Richard Strauss (Burleske), the premiere Soviet recording of Prokofiev’s second piano concerto, two versions of Sergei Vasilenko’s concerto (one with the composer conducting) and the Rach­maninov recordings presented here. Zak’s 1954 recording of the fourth concerto, predating the famous Michaelangeli HMV recording by a few years, was the first to be made after the composer’s own premiere version of 1941. In Zak’s hands the score emerges not as an acerbic, enigmatic pendant to Rachmaninov’s other concerto output but more a natural, if concise, successor to the third concerto. Zak’s 1952 recording of the ‘Paganini Rhapsody’ uniquely fuses classical elegance with mercurial brilliance. (Both releases are considerably enhanced by Kyrill Kondrashin’s unsurpassed support.)

Two years younger than Zak, Sviatoslav Teofilovich Richter (20.3.1915–1.8.1997) was a relative latecomer to the concert platform. Born at Zhitomir in Ukraine, his father was a pianist, organist and composer of German descent. The family moved to Odessa where his father taught at the conservatoire and where Sviatoslav absorbed an all-round education. After a few lessons with his father Richter was, pianistically speaking, left largely to his own devices. He developed an exceptional skill at playing from orchestral scores at sight – to the extent that he was appointed accompanist to the Odessa Philharmonic Society in 1931 and, just two years later, répétiteur to the Odessa Opera and Ballet Theatre. His debut as a pianist did not take place until 1934 – an all-Chopin programme which caused something of a sensation. In 1937 he moved to the Moscow Conservatoire in order to study with Heinrich Neuhaus. The two appeared to be kindred souls; Neuhaus insisted that it was he who learnt from Richter and defined his approach towards his precious charge as that of ‘benevolent neutrality’. After Richter’s father’s execution at Stalin’s hand and his mother’s subsequent flight to Germany, Neuhaus became Richter’s surrogate father. When Richter gave his first Moscow recital in 1942 audiences were dazzled by his combination of spontaneity and mighty temperament. Graduating in 1944, he entered the Third All-Union Contest of Perfor­mers of 1945 and shared first place with the brilliant Viktor Merzhanov. Not a virtuoso in the conventional manner, Richter’s technical and intellectual command was as unique as the breadth and scope of his repertoire. His endeavours to re-create a work in a new image identified him as a markedly individual per­sonality. If, in later years, this individuality could spill into idiosyncrasy, he can be heard at his peak in his Melodiya recordings of the 1950s and early 1960s – witness this recording of the first concerto. Richter, ‘permanently excused teaching duties’ usually obligatory for all performing artists during the Soviet years, has no official roll-call of pupils, though there are many pianists who benefited beyond measure by working with him on the concert platform.

The release of Richter’s recording of the first concerto and Zak’s recording of the fourth concerto – the numbering of the two ten-inch LPs is sequential (D 2542/3 & D 2544/5) – completed Melodiya’s first survey of Rach­maninov’s works for piano and orchestra. It still stands as a landmark in the composer’s discography, a testament to what Soviet musicians and the Soviet recording industry achieved against near-insuperable odds. These recordings, it should be remembered, were not only made during the privations of everyday life after the Soviet Union’s terrible war, but against the background of political horrors created by Stalin as he moved ceaselessly against real and imagined enemies. Even after Stalin’s death in 1953 life improved little while so many deadly scores were settled. Despite, or perhaps because of all this, a remark­able legacy was born, one which is presented here in its entirety for the first time.

Bryan Crimp © 2007

Lorsque le disque longue durée (33 tours) fit son apparition en Union Soviétique en 1951, ce fut la confirmation que le pays était aussi avancé que la plupart des princi­pales maisons de disques occidentales. La société d’enregistrement étatique, le Studio d’Enregistrement Gramophone de l’Union, utilisa des bandes magnétiques immédiate­ment après la Seconde Guerre mondiale ayant sans doute repris ce savoir-faire d’Allemagne. Les disques étaient fabriqués et distribués par Melodiya, la Firme de Disques Gramophones de l’Union. En ce qui concerne la numérotation des disques, dès l’introduction du 33 tours et jusqu’au milieu de l’année 1975, chaque face se voyait attribuer une référence propre à l’instar de ce qui se pratiquait pour le 78 tours. En général, ces numéros se suivaient mais lorsqu’étaient opérés des regroupements sur un même disque, chaque face conservait sa numérotation d’origine. Le préfixe D signifiait dolgo-igrayuschy («longue durée»). Au début de l’ère des 33 tours soviétiques, les disques 25 cm étaient les plus nombreux ce qui eut pour conséquence d’en faire le format standard. Pour le différencier des autres formats de 33 tours, les numéros d’un disque de 30 cm commençaient par un zéro, ceux de 20 cm par deux zéros et ceux de 17 cm par trois zéros.

Sergueï Rachmaninov figura dès le début en bonne place dans le catalogue Melodiya, tout autant que Prokofiev, davantage que Chostakovitch mais moins que Tchaïkovsky lequel était représenté par un nombre pléthorique de titres. Ceci reflétait évidemment la popularité respective de chacun de ces compositeurs. Le statut de Rachmaninov peut surprendre si l’on considère qu’en quittant définitivement la Russie après la Révolution de novembre 1917, il devint persona non grata. Mais contrairement à l’infortuné Nikolaï Medtner qui fuit la Russie soviétique en 1921 et dont la musique était encore interdite dans les années 1950, Rachmaninov connut une réhabi­li­tation relativement rapide. L’enregistrement des deux concertos les plus importants et les plus populaires de Rachmaninov (les no2 et no3) furent confiés à Lev Nikolaevich Oborine (11 novembre 1907 à 5 janvier 1974). Il fit la «une» en 1927 en remportant le 1er Prix de la première édition du Concours International Chopin à Varsovie devant deux candidats polonais, Stanislaw Szpinalski et Roza Etkin-Moszkowska, et son compatriote soviétique Grigory Ginzburg. Oborine bénéficia alors d’un statut particulier: reconnu comme le premier d’une nouvelle race de «pianistes soviétiques», il compta parmi les premiers artistes que l’on autorisa à partir en tournées hors d’URSS après la guerre.

Né à Moscou, Oborine entra à l’École de Musique Gnesin dès 1914 où il reçut l’enseigne­ment de Yelena Gnesina, une élève de Ferruccio Busoni connue pour ses méthodes «progressistes» qui mettaient notamment l’accent sur la musicalité plutôt que sur les exercices répétitifs. Elle insistait également pour que ses élèves se produisent régulière­ment en concerts et récitals. Intégrant le Conservatoire de Moscou en 1921, Oborine rejoignit la classe de piano de Konstantin Igumnov et étudia la composition auprès de Georgi Conus, Alexander Gretchaninov et Nikolaï Myaskovsky. Il goûta également à la direction d’orchestre recevant les conseils avisés de Bruno Walter et Hermann Abendroth. Deux ans après ses débuts à Leningrad en 1924, Oborine termina ses études pianistiques avec tous les honneurs. L’œuvre principale qu’il présenta à l’examen fut le Troisième Concerto de Rachmaninov, un choix habituel aujourd’hui mais bien moins évident à l’époque.

Oborine joua un rôle important dans la vie musicale moscovite. Après son succès au concours Chopin, il devint l’assistant d’Igum­nov et enseigna la musique de chambre, un genre auquel il consacra une grande partie de sa vie. En 1935, il donna son premier récital avec le violoniste David Oistrakh, avec lequel il collabora pendant plus de trente ans et, de 1941 à 1963, le duo fut rejoint par le violon­celliste Sviatoslav Knushevitsky pour former un trio célèbre. En 1948, Oborine succéda à Igumnov au conservatoire de Moscou. L’un de ses premiers protégés fut Vladimir Ashkenazy. Parmi ses autres élèves, il convient de mention­ner Mikhail Voskrensky, Dmitri Sakharov, Alexander Bakhchiev, Tamara Gusyeva, Irena Smolena, Boris Berman et Andreï Egorov. Une attaque cérébrale au début des années 1960 mit fin à sa carrière concertante mais il con­tinua à enseigner quasiment jusqu’à sa mort.

Comme en témoignent ses interprétations du Deuxième et Troisième Concertos, Oborine possédait une technique complète, parfaite­ment maîtrisée, mais qui évitait le sensationnel et se plaçait exclusivement au service de la musique. Les adjectifs les plus fréquemment associés à son jeu – «simplicité» et «naturel» – définissent bien tous ses enregistrements qu’il s’agisse de Beethoven, Chopin et Ravel ou Andreï Balanchivadze, Aram Khachaturian (qui lui dédièrent chacun des concertos pour piano), Nikolaï Myaskovsky, Serge Prokofiev et, bien sûr, Rachmaninov. L’enregistrement que réalisa Oborine en 1947 du Deuxième Concerto fut le premier 33 tours soviétique consacré à la musique de Rachmaninov et portait le numéro de catalogue D 07/8. (On notera que le D 01/2 était l’enregistrement par Alexander Gauk de la Première Suite pour Orchestre de Tchaï­kovsky avec «l’Orchestre de la Radio».) L’enregistre­ment par Oborine du Troisième Concerto en 1949 fut publié sur trois disques 25 cm – D 1197/99 – la quatrième face étant con­sacrée à l’enregistrement par le Quatuor Beethoven de la Romance et du Scherzo extraits du Quatuor à cordes inachevé de Rachmaninov.

Les premiers enregistrements pour Melodiya du Quatrième Concerto et de la Rhapsodie sur un thème de Paganini furent confiés à un autre éminent pianiste soviétique, Yakov Israilevich Zak (20 novembre 1913 à 20/28 juin 1976). Né à Odessa, berceau de nombreux musiciens soviétiques, Zak étudia d’abord au conservatoire de la ville auprès de Maria Starkhova avant de s’établir à Moscou pour y travailler avec Heinrich Neuhaus (1933–35). Zak fit ses débuts d’artiste adulte en 1935 et commença la même année une carrière de pédagogue au Conservatoire de Moscou où il resta quasiment sans interruption jusqu’à la fin de sa vie. (Il fut nommé professeur en 1947 et se vit accorder une chaire en 1965.) Parmi ses élèves, on compte Nikolaï Petrov, Yevgeni Mogilevsky, Lyubov Timofeyeva, Alexander Toradze, Youri Egorov, et Elisso Virsaladze laquelle devint ensuite son assistante en troisième cycle. La mort de Zak fut soudaine et inattendue. Des rumeurs émanant de sources fiables attribuent son décès à un infarctus consécutif à un long interrogatoire par le KGB. («Crise cardiaque» était un euphémisme du KGB pour signifier qu’un individu avait été torturé à mort.) Le flou autour de son décès explique pourquoi les sources ne donnent pas de date précise de sa mort en juin 1976.

En tant qu’interprète, Zak se fit connaître en remportant le Premier Prix ainsi que le Prix d’interprétation des Mazurkas au Troisième Concours International Chopin de Varsovie en 1937. Rapidement reconnu comme l’un des grands interprètes de Chopin de son époque, Zak œuvra aussi pour faire connaître la musique soviétique contemporaine en créant notamment la Troisième Sonate pour Piano de Kabalevsky à Moscou en 1947, ainsi que des œuvres de Yevgeni Golubev et Yuri Levitin. Il enregistra également la Sonate de Kabalevsky, qui ne fut pas publiée officiellement en Union Soviétique pendant des dizaines d’années, ainsi que la Deuxième Sonate pour piano d’Anatoli Alexandrov. Il enregistra de nom­breux concertos pour Melodiya: Brahms (no2), Ravel et Richard Strauss (Burleske), le premier enregistrement soviétique du Second Concerto de Prokofiev, deux versions du concerto de Sergueï Vasilenko (dont l’un avec le compositeur à la baguette) et les œuvres de Rachmaninov présentées sur ce disque. L’enregistrement du Quatrième Concerto effectué par Zak en 1954, précédant de quelques années le célèbre disque que fit Michelangeli pour HMV, constituait le premier enregistrement de cette œuvre après la gravure réalisée par le compositeur en 1941. Entre les mains de Zak, la partition n’émerge pas comme un pendant acerbe et énigmatique au sein de l’œuvre concertante de Rach­maninov mais plutôt comme un successeur naturel et concis au Troisième Concerto. L’enregis­trement que fit Zak en 1952 de la Rhapsodie sur un thème de Paganini représente une fusion unique entre élégance et brillante vivacité. (Les deux interprétations sont rehaussées par l’inégalable soutien de Kyrill Kondrashin.)

De deux ans le cadet de Zak, Sviatoslav Teofilovich Richter (20 mars 1915 à 1er août 1997) ne se produisit en public que relative­ment tard. Né à Zhitomir en Ukraine, son père était un pianiste, organiste et compositeur d’origine allemande. La famille déménagea à Odessa où le père enseigna au Conservatoire et où Sviatoslav reçut une éducation complète. Après quelques leçons avec son père, Richter fut laissé à lui-même sur le plan pianistique. Il développa une capacité exceptionnelle pour le déchiffrage des parti­tions orchestrales au point qu’il fut nommé accompagnateur de la Société philharmonique d’Odessa dès 1931 et, seulement deux ans plus tard, répétiteur de l’Opéra et Théâtre de Ballet d’Odessa. Ses débuts pianistiques n’eurent pas lieu avant 1934 avec un récital entièrement dédié à Chopin qui fit sensation. En 1937, il partit pour le Conservatoire de Moscou pour étudier auprès de Heinrich Neuhaus. Les deux hommes se considérèrent rapidement comme des âmes sœurs: Neuhaus insista sur le fait que c’est lui qui apprit auprès de Richter et assimila son intervention à une «neutralité bienveillante». Après l’exécution de son père par le régime stalinien et la fuite de sa mère pour l’Allemagne, Neuhaus devint un père de substitution pour Richter. Lorsque Richter donna son premier récital à Moscou en 1942, le public fut abasourdi par son mélange de spontanéité et de tempérament de feu. Après l’obtention de son diplôme en 1944, il se présenta au Troisième Concours des Inter­prètes de l’Union de 1945 et partagea la première place avec le brillant Viktor Merz­hanov. Virtuose non conventionnel, Richter possédait une technique et une maîtrise intellectuelle qui n’avait d’égal que l’étendue et l’immensité de son répertoire. Ses efforts pour re-créer une image nouvelle de l’œuvre l’identi­fièrent comme une personnalité à l’individu­alité marquée. Si, à la fin de sa vie, cette individualité se transformait parfois en idio­syncrasies, les disques réalisés pour Melodiya dans les années 1950 et 1960 le montrent au sommet de son art, comme en témoigne l’enregistrement du Premier Concerto. Richter bénéficia d’une «dispense permanente de ses devoirs d’enseignement», une obligation normale­ment incontournable pour tout inter­prète sous l’ère soviétique, et n’eut pas d’élèves à proprement parler même si de nombreux pianistes bénéficièrent grandement de leur collaboration sur les scènes de concert.

La publication de l’enregistrement du Premier Concerto par Richter et du Quatrième par Zak – la numérotation des deux disques 25 cm se suit (D 2542/3 et D 2544/5) – compléta cette première intégrale des œuvres pour piano et orchestre de Rachmaninov par Melodiya. Aujourd’hui encore, elle reste une référence au sein de la discographie du compositeur, portant témoignage de ce que les musiciens et l’industrie du disque soviétique parvinrent à faire dans des conditions quasi-insurmontables. Il faut se rappeler que ces enregistrements furent réalisés alors que sévissaient les privations quotidiennes dont souffraient l’Union Soviétique après la guerre, mais également dans le cadre le l’horreur politique suscité par un Staline persécutant des ennemis réels et imaginaires. Même après la mort de Staline en 1953, la vie ne s’améliora que peu du fait des représailles fatales qui suivirent. Malgré ce contexte – ou peut-être en raison de cela – un legs remarquable fut constitué. Il est présenté ici pour la première fois dans son intégralité.

Bryan Crimp © 2007
Français: Hypérion

Als 1951 in der Sowjetunion die erste Langspielplatte erschien, war das der Beweis dafür, dass dieses Land bei der Herstellung solcher Tonträger auf dem Stand der meisten westeuropäischen Plattenfirmen war. Natürlich benützte die staatliche Platten­firma, das Sowjetische Schallplattenstudio Melodija, kurz nach Ende des Zweiten Welt­kriegs magnetische Bänder, eine Technik, die die Sowjets offenkundig von den Deutschen übernommen hatten. Die Platten wurden dann von der staatlichen sowjetischen Plattenfirma Melodija hergestellt und vertrieben. Was die Nummerierung betrifft, so hatte von der Ein­führung der LP bis Mitte 1975 jede Platten­seite ihre eigene unverwechselbare Nummer, so wie das auch vorher bei den Schellackplatten der Fall gewesen war. Diese Nummern waren normalerweise fortlaufend. Aber wenn es Neuzusammenstellungen gab, behielt jede ihre ursprüngliche Nummer bei. Der Präfix D stand für dolgo-igrajuschy („Langspielplatte“). Zu Beginn der sowjetischen LP-Ära waren 10-Inch-Größen häufiger als die übrigen, mit der Folge, dass dieses Format damals als Standard­größe betrachtet wurde. Um zwischen dieser und anderen Formaten unterscheiden zu können, begannen die 12-Inch-Platten mit einer Null, die 8-Inch-Platten mit zwei und die 7-Inch-Platten mit drei Nullen.

Sergej Rachmaninow ist recht häufig im frühen Klassik-Katalog von Melodija vertreten, ähnlich wie Prokofiew, jedenfalls mehr als Schostakowitsch, wenn auch seltener als Tschai­kowsky mit seiner Unzahl von Auf­nahmen, was den Popularitätsgrad der betref­fenden Komponisten deutlich widerspiegelt. Man kann von der Bedeutung Rachmaninows überrascht sein, wenn man bedenkt, dass er, nachdem er Russland nach der November-Revolution 1917 auf immer verlassen hatte, zur persona non grata erklärt worden war. Aber im Gegensatz zum bedauernswerten Nikolai Medtner, der 1921 die aufstrebende Sowjet­union verließ und dessen Musik in den 1950ern immer noch unerwünscht war, wurde Rach­maninow relativ schnell rehabilitiert. Die Aufnahme der zwei größten und populärsten Konzerte von Rachmaninow (Nr.2 und 3) war Lev Nikolajewitsch Oborin (11.11.1907–5.1.1974) anvertraut worden. Er stand schon 1927 in den Schlagzeilen, als er im allerersten Chopin-Wettbewerb in Warschau den ersten Preis gewann, noch vor den zwei polnischen Teilnehmern Stanislaw Szpinalski und Rosza Etkin-Moszkowska und auch seinem Sowjet­kollegen Grigorj Ginzburg. Oborin nahm danach eine herausgehobene Stellung ein und war anerkanntermaßen der erste einer neuen Generation von „Sowjetpianisten“. Deshalb war er unter den ersten Künstlern, die nach dem Krieg Tourneen außerhalb der Sowjet­union unternehmen durften.

Geboren in Moskau, besuchte Oborin seit 1914 das dortige Gnessin-Institut. Seine erste Lehrerin war Jelena Gnessina, eine Busoni-Schülerin und bekannt für ihre „progressive“ Lehrmethode, bei der der Schwerpunkt deutlich mehr auf dem Musizieren als auf technischem Drill lag und die darauf bestand, dass Schüler regelmäßig Konzerte und Klavier­abende spielten. 1921 wechselte Oborin an das Moskauer Konservatorium, besuchte dort Igum­novs Klavierklasse und studierte Kompo­si­tion bei Georgi Conus, Alexander Gretcha­ninow und Nikolai Mjaskowsky. Er liebäugelte auch mit dem Dirigieren, wozu er durch Persönlichkeiten wie Bruno Walter und Hermann Abendroth angeregt wurde. Zwei Jahre nach seinem Debut 1924 in Leningrad schloss Oborin sein Klavierstudium mit Auszeichnung ab. Sein Prüfungsstück war Rachmaninows drittes Klavierkonzert, heute eine ganz normale Wahl, damals aber eher ungewöhnlich.

Auch im täglichen Musikleben Moskaus spielte Oborin eine wichtige Rolle. Nach seinem Wettbewerbserfolg wurde er Assistent von Igumnov und unterrichtete Kammermusik, ein Genre, dem er sich einen großen Teils seines Lebens widmete. 1935 spielte er sein erstes Konzert mit dem Geiger David Oistrach, mit dem er dann noch mehr als 30 Jahre zusammen­arbeitete. Von 1941 bis 1963 bildeten diese zwei mit dem Cellisten Swjatoslaw Knussewitzky ein berühmtes Trio. 1948 folgte am Moskauer Konservatorium Oborin auf Igumnow. Einer seiner ersten Schützlinge war Vladimir Ashkenazy; unter den übrigen Schülern befanden sich Michail Woskrensky, Dimitri Sacharow, Alexander Baktschiew, Tamara Gusiewa, Irena Smolena, Boris Berman und Andrej Egorov. Ein Schlaganfall in den späten 60ern beendete seine Konzertkarriere; aber er unterrichtete bis kurz vor seinem Tod.

Wie seine Interpretationen des zweiten und dritten Konzertes von Rachmaninow zeigen, besaß Oborin eine umfassende und überragende, aber gleichwohl unspektakuläre Technik, die allein im Dienst der Musik stand. Die am häufigsten beobachteten Merkmale seines vornehmen Spiels, Einfachheit und Natürlichkeit, kann man auf alle seine vielen Aufnahmen anwenden, sei es Beethoven, Chopin und Ravel oder Andrej Balanchivadze, Aram Chatschaturian (die beiden widmeten ihm Klavierkonzerte), Nikolai Mjaskowsky, Sergej Prokofiew und natürlich Rachmaninow. Oborins Aufnahme des zweiten Klavier­konzertes von 1947 war die erste sowjetische LP-Aufnahme der Musik Rachmaninows mit den Katalognummern D 07/8. (D 01/2 war übrigens Alexander Gauks Aufnahme der ersten Orchestersuite von Tschaikowsky mit dem Radio-Orchester.) Oborins Aufnahme des dritten Konzerts von 1949 wurde auf drei 10-Inch-Seiten veröffentlicht (D 1197/99); auf der vierten Seite befindet sich eine Aufnahme der Romanze und des Scherzos aus Rach­maninows unvollendetem Streichquartett durch das Beethoven-Quartett.

Die ersten Aufnahmen des vierten Klavierkonzerts und der Paganini-Rhapsodie tragen den Namen eines anderen prominenten sowjetischen Pianisten, Jakov Israilewitsch Zak (20.11.1913–20./28.6.1976). Geboren in Odessa, dieser wahren Wiege von russisch-sowjetischen Musikern, studierte Zak zuerst am städtischen Konservatorium bei Maria Starkhova und siedelte dann nach Moskau über (1933–1935), wo er mit Heinrich Neuhaus arbeitete. Zak machte 1935 sein Debut als fertiger Pianist und begann im selben Jahr eine gleichzeitige Karriere als Lehrer am Moskauer Konservatorium, die ihn mehr oder weniger stark für den Rest des Lebens an seine Alma Mater band. 1947 wurde er zum ordentlichen Professor ernannt und bekam 1965 einen Lehrstuhl. Unter seinen Schülern waren Nikolai Petrow, Jewgenj Mogilewsky, Ljubov Timofejewa, Alexander Toradze, Juri Egorov und Eliso Wirssaladze, die schließlich Zaks Meisterklassen-Assistentin wurde. Zak starb plötzlich und unerwartet. Wohlbegründete Gerüchte schrieben sein Ableben einem Herzanfall zu, der ihn nach einer überlangen Vernehmung durch den KGB ereilt hatte. („Herzanfall“ war die übliche beschönigende Umschreibung des KGB, wenn jemand zu Tode gefoltert worden war.) Die mysteriösen Umstände seines Todes erklären auch irgend­wie, warum die Quellen bei der Angabe seines genauen Todesdatums im Juni 1976 ver­schiedene Angaben machen.

Als Interpret gewann Zak Berühmtheit durch den Gewinn des ersten Preises zusammen mit dem Mazurka-Preis beim 3. Inter­nation­alen Chopin-Wettbewerb 1937 in Warschau. Er fand schnell Anerkennung als einer der bedeutendsten Chopinspieler seiner Zeit, spielte aber auch eine wichtige Rolle bei der Förderung der zeitgenössischen sowjetischen Musik, wobei besonders die Uraufführungen der dritten Sonate von Dimitri Kabalewsky 1947 in Moskau und von Werken von Jewgenj Golubew und Juri Levitin zu erwähnen sind. Auch von der Kabalewsky-Sonate machte er eine Aufnahme, die aber ebenso wie eine von der zweiten Sonate von Anatoli Alexandrow in der SU mehrere Jahrzehnte offiziell nicht veröffentlicht wurde. Für Melodija nahm er viele Konzerte auf: Das zweite Konzert von Brahms, Ravel, R. Strauss (Burleske), die Erstaufnahme des zweiten Klavierkonzerts von Prokofiew, zwei Version von Sergej Vasilenkos Klavierkonzert (eine davon mit dem Komponisten am Pult) und die vorliegenden Rachmaninow-Konzerte. Zaks Aufnahme des vierten Klavierkonzerts von 1954, die einige Jahre vor der berühmten His-Masters-Voice-Aufnahme mit Michelangeli entstand, war die erste nach der Premiere durch den Komponisten selbst im Jahre 1941. Unter den Händen von Zak entwickelt sich diese Partitur nicht so sehr zu einem herben und dunklen Gegenstück zu Rachmaninows übrigen Konzerten, sondern zu einem natür­lichen, wenn auch gestrafften Nachfolger des dritten Konzertes. Zaks Aufnahme der Paganini-Rhapsodie vereint in einmaliger Weise klassische Eleganz mit lebhafter Brillanz. Beide Aufnahmen gewinnen beträcht­lich durch Kyrill Kondraschins unübertreffliche Begleitung.

Swjatoslav Teofilowitsch Richter (20.3.1915–1.8.1997) betrat relativ spät die Konzert­bühne. Er wurde in Zhitomir in der Ukraine geboren als Sohn eines Pianisten, Organisten und Komponisten deutscher Abstammung. Die Familie zog nach Odessa, wo sein Vater am Konservatorium unterrichtete und wo Swjato­slav eine umfassende Ausbildung genoss. Nach ein paar wenigen Unterrichtsstunden bei seinem Vater war Richter, was das Klavierspiel betrifft, weitgehend auf sich allein gestellt. Er entwickelte ein außerordentliches Geschick, Orchesterpartituren vom Blatt zu spielen, so dass er 1931 sogar zum Begleiter der Phil­har­monischen Gesellschaft ernannt wurde und nur zwei Jahre später zum „Repetiteur“ an der Oper und dem dortigen Ballett. Sein Debut als Pianist gab er erst 1934, ein reines Chopin-Programm, das eine Sensation auslöste. 1937 wechselte er an das Moskauer Konserva­torium, um bei Heinrich Neuhaus zu studieren. Die beiden schien eine Seelenverwandtschaft zu verbinden. Neuhaus behauptete, dass er es gewesen sei, der von Richter gelernt habe, und bezeichnete das Verhältnis zu seinem ungewöhn­lichen Schützling als „wohlwollend neutral“. Nachdem Richters Vater von Stalins Schergen ermordet worden war und seine Mutter kurz darauf nach Deutschland geflohen war, wurde Neuhaus Richters Ersatzvater. Als Richter 1942 in Moskau seinen ersten Klavier­abend gab, war das Publikum von der Mischung aus Spontaneität und umwerfendem Temperament völlig hingerissen. Nach seinem Examen 1944 nahm er 1945 am 3. Sowjetischen Wettbewerb für Interpreten teil und teilte den ersten Platz mit dem brillanten Viktor Merzhanow. Richter war kein Virtuose im eigentlichen Sinn; seine technischen und intel­lektuellen Möglichkeiten waren so einmalig wie die Breite und das Ausmaß seines Repertoires. Seine Bemühungen, ein Werk in neuem Licht erscheinen zu lassen, zeigten ihn als Persön­lichkeit von ausgeprägter Individualität, die sich in seinen späteren Jahren bis zur Schrul­lig­keit steigern konnte. Auf den Melodija-Aufnahmen der 50er und früher 60er Jahre kann man ihn aber auf dem Gipfel seines Könnens hören, und dafür ist diese Aufnahme des ersten Klavierkonzerts ein Beweis. Richter „drückte sich ständig vor seinen Lehr­verpflicht­ungen“, die während der Sowjetzeit für alle konzertierenden Künstler obligatorisch waren. Deshalb hatte er keinen offiziellen Schülerkreis, obwohl es viele Pianisten gab, die in ungewöhnlichem Maße von der Zusammen­arbeit mit ihm auf dem Podium profitierten.

Die Veröffentlichung von Richters Auf­nahme des ersten Klavierkonzerts und die von Zak des vierten – die Nummerierung der 10-Inch-LPs ist aufeinander folgend (D 2542/3 & D 2544/5) – vervollständigte die erste Serie von Rachmaninows Werken für Klavier und Orchester. In der Diskographie des Kompo­nisten ist das immer noch ein Meilenstein und ein Zeugnis dafür, was sowjetische Musiker und die dortige Schallplattenindustrie trotz nahe­zu unüberwindlicher Widrigkeiten er­reicht haben. Es sollte nicht vergessen werden, dass diese Aufnahmen nicht nur unter den Entbehrungen des täglichen Lebens der Nachkriegszeit in der SU entstanden, sondern auch auf dem Hintergrund der Schreckens­herrschaft Stalins, die ununterbrochen gegen wirkliche und eingebildete Feinde wütete. Sogar nach Stalins Tod 1953 verbesserte sich das Leben zunächst nur wenig, während so viele tödliche Rechnungen beglichen wurden. Trotz (oder gerade wegen?) alledem entstand ein bemerkenswertes Vermächtnis, eines, das hier in seiner Gesamtheit zum ersten Mal erscheint.

Bryan Crimp © 2007
Deutsch: Ludwig Madlener