American choral music travelled far in the twentieth century. At its inception, the ‘Second New England School’ of Edward MacDowell, Amy Beach and others was wedded to the aesthetics of German Romanticism, and it wasn’t until Charles Ives arrived to claim America for the Modernists (not that anyone took much notice to begin with) that a more distinctive sound began to emerge. His adventurous nature, mocking the conservatism of his colleagues, spawned the mid-century flowering of American music in Copland, Barber and Bernstein. Founded upon the teaching of Nadia Boulanger and others, and fermented within the newly established conservatories of music, these years saw the emergence of American choral music as a vibrant force; and whilst their European counterparts received commissions principally from Cathedral foundations, with their attendant liturgical requirements, the Americans enjoyed a broader reach of listeners and performers, serving the secular choral bodies of collegiate campuses and metropolitan music societies.

Nowadays, choral libraries up and down the USA are stuffed full of twentieth-century American music, and music publishers will freely acknowledge that this vast body of work keeps their businesses flourishing. The outputs of Randall Thompson, Norman Dello Joio, Howard Hanson, Vincent Persichetti and others have established an ‘American sound’ which, though difficult to define precisely, is predominantly tonal and broadly accessible; yet with the exception of Thompson’s ‘Alleluia’ and a handful of other works, it was not until the century closed that this music crossed the Atlantic and entered the repertoire of British choirs to any great degree. One of Stephen Layton’s other choral groups—Polyphony—produced two definitive recordings of the music of Morten Lauridsen in 2005 and 2007 (CDA67449 and CDA67580), and in between these came a recording of works by the current darling of the American choral scene, Eric Whitacre (CDA67543). This new recording casts light on another eight composers who have illuminated the last half-century, and who now take their place on the international stage.

The regional flavours of the American choral scene are every bit as distinct as Europe’s, and whilst great efforts are made to build unity through popular annual choral conventions, these disparities are entrenched by historical patterns of migration and settlement. Traditionally a destination for Scandinavian immigrants, the northern state of Minnesota is home to generations of choir-loving Lutherans and it contains some of the best university choirs in the country, none more notable than that of Concordia College directed by René Clausen, one of a number of prominent composer-conductors in American academia. Tonight eternity alone sets a modified verse of the poem ‘Dusk at Sea’ by Thomas S Jones in the composer’s trademark neo-romantic language, and captures a feeling of contented solitude in a vast empty space.

Just a few dozen miles away at the University of North Dakota, Edwin Fissinger occupied a similar role until his retirement in 1985, at the helm of another great north Midwestern choir. Lux aeterna was composed in 1982, and is dedicated to the memory of one of Fissinger’s composition students and his wife, who were killed in a car accident. The composer combines familiar Gregorian motifs with cluster-chord harmonies, and introduces the work by assembling chords from the bottom upwards in a manner strongly reminiscent of Gustav Holst’s Nunc dimittis. The female and male soloists, perhaps in representation of the ascended souls of the departed, fly free of the clustered choral textures.

Although he died more than twenty years ago, Fissinger’s compositional language places him among the newer generation of American composers represented here. The same cannot be said for Healey Willan, whose music flourished in the earlier part of the century and who, by virtue of his British extraction and Canadian, rather than American residency, retained strong ties to the Edwardian style of Stanford, Parry and Finzi in the country of his birth. Like his British counterparts, Willan admired and parodied the music of the Tudors (he founded a choir in Toronto bearing the name) and in the style of the Renaissance masters he proclaimed plainchant to be the backbone of his work. An immense force in the growth of twentieth-century Canadian church music, his place in the establishment was secured thanks to a commission from the Queen to compose a work for her coronation in 1953. The first three pieces represented here are from his sequence of eleven Liturgical Motets, set to texts drawn from eighth-century ‘Office of Our Lady’ responsories, and the Song of Songs. This is followed by a lavish setting of Longfellow’s ‘The Dead’ (How they so softly rest), whose sense of unbridled longing brings to mind Parry’s Songs of Farewell—composed, like this work, during the final months of the Great War. Willan’s own choir at St Paul’s, Bloor Street, in Toronto, for whom this work was written, must have enjoyed the services of an excellent low bass section.

Aside from Willan, the four composers most prominently represented on this recording (Paulus, Hawley, Ferko and Stucky) were born within sixteen months of each other, between August 1949 and November 1950, and have together done much to shape the American musical landscape for the new millennium. As the first American to be commissioned to write for the Festival of Nine Lessons and Carols at King’s College, Cambridge, and as the composer of the only American opera production to be staged at the Edinburgh Festival, Stephen Paulus has already gained a strong foothold among foreign audiences. Back home he co-founded the American Composers’ Forum in 1973, and subsequently built a reputation as a leader among American choral composers thanks to a fruitful collaboration with Robert Shaw and his eponymous choir. There are now an astonishing number of titles in his choral output, only three of which can find room on this recording. Composed between 1997 and 2006, these works are separate compositions, but they are united in their strophic approach to the text, their homophonic compositional style and their accessible harmonic language. The sweeping melody and relatively static harmony of The day is done (2006) reflect the peacefully romantic mood of the text (once again by Longfellow), whilst Pilgrims’ Hymn, a sacred poem full of innocence and devotion, is drawn from Paulus’s one-act opera The Three Hermits, composed some years earlier with a libretto by Michael Dennis Browne. The same collaboration of composer and author created the oratorio To be Certain of the Dawn in 2005 to commemorate the sixtieth anniversary of the liberation of death camps in Europe; Hymn to the Eternal Flame, featuring a soaring soprano solo, is drawn from this work.

The New York composer William Hawley, after an early career dominated by instrumental music, is now recognized as an important voice in the choral world. In rejecting the avant-garde methods of his teachers, he has created a language which revels in suspended harmony, in his own words ‘reintegrating the emotional and spiritual elements of pre-twentieth-century Western classical music with the technical and conceptual acquisitions of Modernism’. The Two Motets of 1981 were composed for the Gregg Smith Singers, and are conceived of very similar material. Unusually for choral music, the Latin texts are poetic rather than biblical, and contain no sacred elements at all. Mosella is a fragment of a longer work by the fourth-century poet Ausonius—a celebrated evocation of the scenery experienced along the course of the river Moselle—and in this stanza we are treated to the soothing sight of water reflecting the light of dusk. For the second poem, Te vigilans oculis by Petronius, the scene shifts to an anguished poet lying sleepless in bed, longing for his lover. The contrasts in thematic material from the first motet are magnified by their very similarity, as Hawley shifts to a darker mode in reflection of the text. Both motets end with prolonged and unresolved suspensions to sharply differing effect: unending beauty in the first instance, and ceaseless torment in the second.

Frank Ferko is an important musicologist as well as a composer, and is one of the leading American experts on the music of Olivier Messiaen; but his music on this recording reflects another of his passions—the work of Hildegard von Bingen. The Hildegard Triptych is a challenging set of works set for double choir, and represents just one part of a significant body of choral and organ works inspired by the great medieval mystic. O virtus sapientiae recalls the music of Hildegard as well as the text, opening with an exchange of organum duplum phrases which rapidly expands to encompass the whole choir, decorated with florid melisma. The extraordinary pan-tonal opening of Caritas abundat brings the meditative works of Messiaen immediately to mind, invoking a tantalizing vision of a thousand years of mysticism squeezed into three minutes of music; and O vis aeternitatis, announcing itself with a prolonged bare fifth, opens the set in a medieval idiom, this time with the homophony of the conductus style.

Steven Stucky is a much-fêted composer whose orchestral music has been performed by many of the leading orchestras of the world, and whose Second Concerto for Orchestra earned him a Pulitzer Prize. A prominent lecturer and teacher, he is considered one of America’s leading commentators on its contemporary music scene, and was recently appointed Chairman of the Board of the American Music Center. Like Frank Ferko, he has devoted part of his working life to the study of a great twentieth-century European composer, publishing his acclaimed biography of Witold Lutoslawski in 1981; and with his Three New Motets ‘in memoriam Thomas Tallis’, composed in 2005 for the Seattle Pro Musica as part of Tallis’s 500th birthday celebrations, Stucky pays tribute to another luminary from the world of ancient music, albeit half a millennium younger than Hildegard. Of the three texts chosen by Stucky, only O sacrum convivium was definitely set by the old Elizabethan master, and the connections to the musical language of Tallis are looser than those which bind Ferko’s music to Hildegard. Alongside the rhythmic urgency of O sacrum convivium, O admirabile commercium and O vos omnes, both predominantly homophonic, are quiet and respectful, much like Tallis’s own shorter four-part motets. For all their adventurous harmonic language they engender a modest yet powerful feeling of homage to their dedicatee.

The youngest composer amongst this group is the Norwegian-born composer-pianist Ola Gjeilo, who completed his studies at the Juilliard School in 2006 and has been based in Manhattan ever since. Gjeilo has enjoyed startling success in both choral and commercial music, deploying musicians in innovative combinations and incorporating improvisatory techniques. His music is represented twice on this recording, in works using texts drawn from the Mass. The majestic Sanctus, whose rich texture divides into as many as twelve parts at times, was composed for the Uranienborg Vokalensemble soon after his graduation, whilst Phoenix, a setting of the final movement of the Mass (‘Agnus Dei’) and the concluding work on this recording, was composed in 2008 for the Phoenix Chorale, with whom Gjeilo has enjoyed a fruitful association. The piece employs chant-like melodic phrases in a gradually thickening texture, building up to the final prayer for peace which is expressed in both extremes of the dynamic range—first ffff, and, at the conclusion, ppp.

Gabriel Crouch © 2011

La musique chorale américaine pénétra tard dans le XXe siècle. À sa création, la «Second New England School» d’Edward MacDowell, Amy Beach et quelques autres épousa l’esthétique du romantisme allemand et il fallut attendre Charles Ives, et sa revendication du modernisme pour l’Amérique (d’abord dans l’indifférence quasi générale), pour qu’émergeât un son plus spécifique. Son audace, raillant le conservatisme de ses collègues, favorisa l’épanouissement, dans les années 1950, d’une musique américaine chez Copland, Barber et Bernstein. Fondées sur l’enseignement de compositeurs comme Nadia Boulanger, et mûries au sein des récents conservatoires, ces années virent la musique chorale américaine devenir une force vibrante; et tandis que leurs homologues européens recevaient surtout des commandes de fondations liées à des cathédrales, avec leur lot d’exigences liturgiques, les Américains servaient les ensembles choraux profanes des campus de collèges et les sociétés de musique métropolitaines, source d’un plus large accès au public et aux interprètes.

Aujourd’hui, dans tous les États-Unis, les bibliothèques de musique chorale débordent d’œuvres américaines du XXe siècle, et nombre d’éditeurs reconnaissent volontiers que ce vaste corpus entretient leur prospérité. Les productions des Randall Thompson, Norman Dello Joio, Howard Hanson et autres Vincent Persichetti ont instauré un «son américain» difficilement définissable, encore qu’il soit à prédominance tonale et largement accessible; pourtant, hormis l’«Alleluia» de Thompson et quelques autres pièces, ce fut seulement à la fin du XXe siècle que cette musique traversa l’Atlantique pour entrer au répertoire de grands chœurs britanniques. En 2005 et 2007, l’un des autres ensembles vocaux de Stephen Layton—Polyphony—produisit deux enregistrements décisifs de la musique de Morten Lauridsen (CDA67449 et CDA67580), entrecoupés d’un disque d’œuvres de l’actuelle coqueluche de la scène chorale américaine, Eric Whitacre (CDA67543). Le présent enregistrement s’intéresse à huit autres compositeurs qui illuminèrent le dernier demi-siècle et qui ont désormais leur place sur la scène internationale.

Malgré tous les efforts déployés chaque année, lors de populaires conventions chorales, pour bâtir une scène chorale américaine unie, les régionalismes sont en tout point aussi marqués qu’en Europe, avec des disparités ancrées dans des modèles historiques de migration et de colonisation. Destination traditionnelle des émigrés scandinaves, l’état septentrional du Minnesota abrite ainsi des générations de luthériens amateurs de chœurs et l’on y trouve certains des meilleurs chœurs universitaires du pays, le plus remarquable étant celui de Concordia College, dirigé par René Clausen, l’un des grands compositeurs-chefs de chœur du monde universitaire américain. Dans la langue néo-romantique typique de ce compositeur, Tonight eternity alone met en musique des vers modifiés du poème «Dusk at Sea» de Thomas S. Jones et reproduit un sentiment de solitude satisfaite, dans un vaste espace vide.

À une quinzaine de kilomètres de là, à l’Université du Dakota du nord, Edwin Fissinger occupa, jusqu’à sa retraite en 1985, une fonction similaire à la tête d’un autre grand chœur septentrional du Midwest. Rédigé en 1982, Lux aeterna est dédié à la mémoire d’un des élèves de composition de Fissinger et de son épouse, tués dans un accident de voiture. Le compositeur, qui combine motifs grégoriens familiers et harmonies aux accords en clusters, commence par assembler des accords de bas en haut, d’une manière rappelant fort le Nunc dimittis de Gustav Holst. Les solistes masculin et féminin, possibles incarnations des âmes des défunts montées au ciel, s’envolent, affranchis des textures chorales en clusters.

Mort depuis plus de vingt ans, Fissinger s’inscrit pourtant, par son langage compositionnel, dans la nouvelle génération de musiciens américains représentée ici. On ne saurait en dire autant de Healey Willan, dont la musique s’épanouit plus tôt dans le siècle et qui conserva de forts liens avec le style édouardien développé dans sa terre natale par Stanford, Parry et Finzi—bien que domicilié en Amérique, il avait des origines britannico-canadiennes. Comme ses homologues britanniques, Willan admira et parodia la musique des Tudors (il fonda un chœur à leur nom, à Toronto) et, dans l’esprit des maîtres renaissants, il déclara que le plain-chant était l’épine dorsale de son œuvre. Moteur du développement de la musique liturgique canadienne du XXe siècle, il dut sa place dans l’establishment musical à une commande de la Reine, pour son couronnement de 1953. Les trois premières pièces présentées ici proviennent de la séquence des onze motets liturgiques, sur des textes des répons de l’«Office of Our Lady» (VIIIe siècle) et du Cantique des Cantiques. Vient ensuite une somptueuse mise en musique de «The Dead» (How they so softly rest) de Longfellow, dont l’aspiration débridée rappelle les Songs of Farewell de Parry—composés, eux aussi, dans les derniers mois de la Grande Guerre. Le chœur de Willan (à St Paul’s, sur Bloor Street, à Toronto), pour qui cette œuvre fut écrite, devait disposer d’une excellente section de basses graves.

À l’exception de Willan, les quatre compositeurs les plus représentés ici (Paulus, Hawley, Ferko et Stucky, tous nés entre août 1949 et novembre 1950) contribuèrent beaucoup à façonner le paysage musical américain du nouveau millénaire. Premier Américain à s’être vu commander une pièce pour le Festival of Nine Lessons and Carols du King’s College de Cambridge, et auteur de l’unique opéra américain jamais monté au festival d’Édimbourg, Stephen Paulus s’est déjà bien imposé à l’étranger. De retour chez lui, il cofonda l’American Composers’ Forum (1973) puis devint l’un des chefs de file de la composition chorale américaine grâce à sa fructueuse collaboration avec Robert Shaw et son chœur éponyme. Sa production chorale compte aujourd’hui un nombre de titres étonnant, dont trois seulement figurent ici. Écrites entre 1997 et 2006, ces œuvres séparées sont cependant unies par leur approche strophique du texte, leur style homophonique et leur langue harmonique accessible. La mélodie ample et l’harmonie relativement statique de The day is done (2006) reflètent le paisible romantisme du texte (là encore, de Longfellow), cependant que Pilgrims’ Hymn, poème sacré tout d’innocence et de dévotion, provient de The Three Hermits, l’opéra en un acte que Paulus rédigea quelques années plus tôt, sur un livret de Michael Dennis Browne. Hymn to the Eternal Flame, où un soprano solo monte en flèche, est tiré de To be Certain of the Dawn, l’oratorio écrit en 2005 par les mêmes Paulus et Browne pour commémorer le soixantième anniversaire de la libération des camps de la mort en Europe.

Après un début de carrière dominé par la musique instrumentale, le compositeur new-yorkais William Hawley est désormais reconnu comme une figure majeure du monde choral. Rejetant les méthodes avant-gardistes de ses professeurs, il a créé un langage qui se délecte d’harmonies suspendues, «réintégrant, dit-il lui-même, les éléments émotionnels et spirituels de la musique classique occidentale d’avant le XXe siècle dans les acquis techniques et conceptuels du modernisme». Ses Two Motets, composés en 1981 pour les Gregg Smith Singers, présentent un matériau fort similaire. Chose rare pour de la musique chorale, ils utilisent des textes latins non pas bibliques mais poétiques, sans aucun élément sacré. Mosella est une strophe tirée d’un long poème d’Ausone (IVe siècle)—une célèbre évocation du paysage des bords de la Moselle—, qui nous offre l’apaisant murmure de l’eau où se mire la lueur du crépuscule. Le second poème, Te vigilans oculis de Pétrone, nous fait partager les angoisses d’un poète qui ne parvient pas à trouver le sommeil—il soupire après sa bien-aimée. Les contrastes de matériau thématique entre les deux motets sont magnifiés par leur similitude même, Hawley rendant l’ambiance du second texte par un climat assombri. Les deux œuvres s’achèvent sur des suspensions prolongées et non résolues, pour un effet vivement différent: beauté sans fin dans l’une, tourment incessant dans l’autre.

Important musicologue et compositeur, Frank Ferko est l’un des grands experts américains de la musique d’Olivier Messiaen, même si les pièces réunies ici reflètent une autre de ses passions: la musique de Hildegarde von Bingen. Le Hildegard Triptych est un exaltant corpus de compositions à double chœur, qui ne représente qu’une partie de l’imposant enesmble de pages chorales et organistiques que lui inspira la grande mystique médiévale. O virtus sapientiae rappelle la musique et le texte de Hildegarde: un premier échange de phrases, en organum duplum, se développe rapidement jusqu’à englober le chœur entier, orné de mélismes fleuris. L’extraordinaire ouverture pantonale de Caritas abundat évoque d’emblée les œuvres méditatives de Messiaen—une vision suppliciante où mille ans de mysticisme sont condensés en trois minutes de musique. Quant à O vis aeternitatis, qui s’annonce par une longue quinte dépouillée, il introduit le corpus avec un idiome médiéval composé, cette fois, d'une homophonie du style du conductus.

Steven Stucky est un compositeur fort prisé dont la musique orchestrale a été jouée par de nombreux orchestres internationaux et dont le Second Concerto for Orchestra a reçu un prix Pulitzer. Éminent conférencier et professeur, ce grand commentateur de la scène musicale contemporaine américaine a été récemment nommé président du conseil de l’American Music Center. Comme Frank Ferko, il a voué une partie de son travail à l’étude d’un grand compositeur européen du XXe siècle, Witold Lutoslawski, dont il publia une biographie, acclamée, en 1981. Avec ses Three New Motets «in memoriam Thomas Tallis», composés en 2005 pour le Seattle Pro Musica, dans le cadre des célébrations du cinq centième anniversaire de Tallis, il rend hommage à une autre lumière de la musique ancienne—que cinq siècles séparent cependant de Hildegarde. Des trois textes qu’il choisit, seul O sacrum convivium fut sans doute aucun mis en musique par le vieux maître élisabéthain, et les liens avec la langue musicale de ce dernier sont plus relâchés ici que dans le cas de Ferko avec Hildegarde. Passé l’urgence rythmique du O sacrum convivium, O admirabile commercium et O vos omnes, tous deux à prédominance homophonique, sont paisibles et respectueux, à l’image des courts motets à quatre parties de Tallis. Harmoniquement audacieux, ils n’en éveillent pas moins un sentiment d’hommage, modeste mais puissant, à leur dédicataire.

Le plus jeune compositeur de ce disque, le compositeur-pianiste norvégien Ola Gjeilo, termina ses études à la Juilliard School en 2006 avant de s’installer à Manhattan. Déployer des musiciens dans des combinaisons novatrices tout en intégrant des techniques d’improvisation lui valut un succès éblouissant dans la musique chorale et commerciale. Il est représenté ici par deux œuvres fondées sur des textes empruntés à la messe. Gjeilo était diplômé depuis peu lorsqu’il composa pour l’Uranienborg Vokalensemble son majestueux Sanctus, dont la riche texture se scinde parfois en douze parties. Quant à Phoenix, qui clôt notre disque, il met en musique le dernier mouvement de la messe («Agnus Dei») et fut rédigé en 2008 pour la Phoenix Chorale, avec laquelle Gjeilo entretint une fructueuse collaboration. Cette pièce utilise des phrases mélodiques façon plain-chant, dans une texture toujours plus dense, jusqu’à aboutir à l’ultime prière pour la paix, exprimée dans les deux extrêmes de l’ambitus dynamique—d’abord ffff puis, pour terminer, ppp.

Gabriel Crouch © 2011
Français: Hypérion

In der amerikanischen Chormusik hat sich im 20. Jahrhundert viel getan. Anfangs war die „Zweite Schule Neuenglands“ von Edward MacDowell, Amy Beach und anderen stark an der Ästhetik der deutschen Romantik orientiert. Mit Charles Ives jedoch, der Amerika für die Moderne beanspruchte (nicht, dass dies gleich wahrgenommen worden wäre), entwickelte sich allmählich ein charakteristischer eigener Klang. Sein schillerndes Wesen, das den Konservatismus seiner Kollegen verspottete, regte das Aufblühen der amerikanischen Musik von Copland, Barber und Bernstein in der Mitte des Jahrhunderts an. In diesen Jahren, denen die Lehre von Nadia Boulanger und anderen zugrunde lag und die in den neugegründeten Musikkonservatorien sozusagen als Ferment wirkten, trat die amerikanische Chormusik als dynamische Präsenz hervor. Während ihre Kollegen in Europa in erster Linie Aufträge von kirchlichen Verbänden mit entsprechenden liturgischen Anforderungen erhielten, bedienten die Amerikaner ein deutlich weiter gefächertes Publikum und unterschiedliche Ensembles, wie etwa die weltlich ausgerichteten studentischen Chöre und großstädtischen Musikvereine.

Heutzutage sind die Chor-Bibliotheken in den USA voller amerikanischer Werke des 20. Jahrhunderts und die Musikverlage geben offen zu, dass dieses riesige Korpus von Werken ihren geschäftlichen Erfolg garantiert. Die Werke von Randall Thompson, Norman Dello Joio, Howard Hanson, Vincent Persichetti und anderen haben einen „amerikanischen Klang“ hervorgebracht, der, obwohl man ihn kaum präzise definieren kann, vornehmlich tonal und weitgehend zugänglich ist. Es dauerte jedoch—mit der Ausnahme von Thompsons „Alleluia“ und einer Handvoll anderer Werke—bis zum Ende des Jahrhunderts, bis diese Musik über den Atlantik und bis zu einem gewissen Grad in das Repertoire britischer Chöre gelangte. Ein anderes Vokalensemble von Stephen Layton—Polyphony—nahm 2005 und 2007 zwei wegweisende CDs mit Werken von Morten Lauridsen auf (CDA67449 und CDA67580) und dazwischen entstand eine Aufnahme mit Werken des gegenwärtigen Stars der amerikanischen Chorszene, Eric Whitacre (CDA67543). Die vorliegende Neuaufnahme wirft Licht auf acht weitere Komponisten, die die letzten 50 Jahre erhellt haben und nun ihren Platz auf der internationalen Bühne einnehmen.

Die amerikanische Chormusik zeichnet sich ebenso durch regionale Charakteristika aus wie die europäische, und während unter großem Aufwand versucht wird, durch populäre alljährliche Chor-Kongresse eine Einheitlichkeit zu schaffen, sind die Unterschiede doch durch die historischen Migrations- und Siedlungsentwicklungen fest verwurzelt. Der nördliche Bundesstaat Minnesota zog hauptsächlich die skandinavischen Immigranten an, so dass Generationen von sangesfreudigen Lutheranern und einige der besten Universitätschöre dort angesiedelt sind, von denen der Chor des Concordia College der wohl berühmteste ist. Er wird von René Clausen geleitet, der zu den prominenten Komponisten-Dirigenten der akademischen Welt Amerikas zählt. Tonight eternity alone ist eine Vertonung einer modifizierten Strophe des Gedichts „Dusk at Sea“ von Thomas S. Jones in der charakteristischen neoromantischen Tonsprache des Komponisten, die ein Gefühl zufriedener Einsamkeit in einem riesigen Leerraum darstellt.

Nur einige Dutzend Meilen entfernt, an der University of North Dakota, hatte Edwin Fissinger bis zu seiner Pensionierung 1985 eine ähnliche Position an der Spitze eines weiteren großen nördlichen Midwest-Chors inne. Lux aeterna entstand 1982 und ist dem Andenken an einen Kompositionsstudenten und dessen Ehefrau gewidmet, die in einem Autounfall ums Leben kamen. Der Komponist kombiniert bekannte gregorianische Motive mit Cluster-Akkord-Harmonien und beginnt das Werk, indem er von unten ausgehend aufwärts gerichtet Akkorde zusammenstellt, was sehr an Gustav Holsts Nunc dimittis erinnert. Der Solist und die Solistin, die möglicherweise die aufgefahrenen Seelen der Verstorbenen repräsentieren, sind nicht an die Chor-Cluster gebunden, sondern schweben darüber.

Obwohl er vor über 20 Jahren verstorben ist, zählt Fissinger aufgrund seines kompositorischen Ausdrucks zu der jüngeren Generation der hier repräsentierten amerikanischen Komponisten. Dasselbe kann allerdings über Healey Willan nicht gesagt werden—seine Musik hatte in der ersten Hälfte des Jahrhunderts ihre Blütezeit. Willan stammte aus Großbritannien und lebte dann in Kanada anstatt Amerika und blieb dem englischen Stil der edwardianischen Zeit—Stanford, Parry und Finzi—eng verbunden. Wie seine Kollegen in Großbritannien verehrte und parodierte Willan die Musik der Tudor-Zeit (in Toronto gründete er einen Chor mit dem Namen) und er erklärte den Cantus planus im Stil der Renaissance-Meister zum Rückgrat seines Werks. Er war eine der führenden Figuren in der Entwicklung der kanadischen Kirchenmusik des 20. Jahrhunderts und seine Position innerhalb des musikalischen Establishments wurde dank eines Auftrags von der englischen Königin gesichert, die ein Werk für ihre Krönung im Jahr 1953 bestellte. Die ersten drei hier vorliegenden Stücke stammen aus seinem Zyklus von elf liturgischen Motetten, in denen Texte aus dem Responsorium „Office of Our Lady“ aus dem 8. Jahrhundert und dem Hohelied Salomos vertont sind. Darauf folgt eine üppige Vertonung von Longfellows „The Dead“ (How they so softly rest), dessen unbändige Sehnsucht an Parrys Songs of Farewell erinnert, die, wie dieses Stück, in den letzten Monaten des Ersten Weltkriegs entstanden. Willans eigener Chor in St Paul’s, Bloor Street in Toronto, für den dieses Werk komponiert worden war, muss über mehrere hervorragende tiefe Basssänger verfügt haben.

Die neben Willan auf dieser CD am häufigsten vertretenen vier Komponisten (Paulus, Hawley, Ferko und Stucky) waren alle praktisch genau gleich alt (sie wurden alle zwischen August 1949 und November 1950 geboren) und haben zusammen die amerikanische Musiklandschaft des neuen Millenniums nachhaltig geprägt. Als erster Amerikaner, der einen Kompositionsauftrag für das Festival of Nine Lessons and Carols des King’s College, Cambridge (ein berühmter Gottesdienst, der an Heiligabend gefeiert und weltweit im Radio übertragen wird, Anm. d. Ü.) erhalten hat und als Komponist der einzigen amerikanischen Opernsinszenierung, die beim Edinburgh Festival aufgeführt wurde, hat Stephen Paulus beim ausländischen Publikum bereits fest Fuß gefasst. In seiner Heimat war er 1973 Mitbegründer des American Composers’ Forum und hat sich seitdem dank einer erfolgreichen Zusammenarbeit mit Robert Shaw und dessen gleichnamigen Chor einen Namen als führender amerikanischer Chorkomponist gemacht. Es befindet sich inzwischen eine erstaunliche Anzahl von Chorwerken in seinem Oeuvre, von denen jedoch nur drei Platz auf der vorliegenden Aufnahme finden. Diese Werke entstanden zwischen 1997 und 2006 und sind unterschiedliche Auftragswerke, die sich aber alle durch eine strophische Struktur, einen homophonen Kompositionsstil und eine zugängliche harmonische Sprache auszeichnen. Die schweifende Melodie und relativ statische Harmonie von The day is done (2006) reflektiert die friedliche, romantische Stimmung des Texts (wiederum von Longfellow), während Pilgrims’ Hymn, ein geistliches Gedicht voller Unschuld und Hingabe, aus Paulus’ einaktiger Oper The Three Hermits stammt, die einige Jahre zuvor zu einem Libretto von Michael Dennis Browne entstand. Derselben künstlerischen Partnerschaft entsprang auch das Oratorium To be Certain of the Dawn aus dem Jahr 2005 zum Andenken an das 60. Jubiläum der Befreiung der Todeslager in Europa: Hymn to the Eternal Flame, in dem ein emporschwebendes Sopransolo erklingt, stammt aus diesem Werk.

Der New Yorker Komponist William Hawley, dessen Karriere zunächst von Instrumentalmusik geprägt war, ist heute als wichtige Stimme in der Chorwelt anerkannt. Er lehnte die avantgardistischen Methoden seiner Lehrer ab und entwickelte stattdessen eine Tonsprache, die in einer Harmonie schwelgt, die, in seinen eigenen Worten, „die emotionalen und spirituellen Elemente der westlichen klassischen Musik vor dem 20. Jahrhundert und die technischen und konzeptuellen Errungenschaften der Moderne reintegriert“. Die Two Motets von 1981 entstanden für die Gregg Smith Singers und sind aus sehr ähnlichem Material aufgebaut. Ungewöhnlich für Chormusik ist, dass die lateinischen Texte nicht biblischer, sondern poetischer Herkunft sind und keine geistlichen Elemente enthalten. Mosella ist ein Fragment eines längeren Werks des Dichters Ausonius aus dem 4. Jahrhundert—eine gefeierte Darstellung der Landschaft entlang der Mosel—und in dieser Strophe darf der Hörer sich an dem wohltuenden Anblick des sich im Wasser spiegelnden abendlichen Zwielichts erfreuen. Im zweiten Gedicht, Te vigilans oculis von Petronius, wechselt der Schauplatz—hier liegt ein von Schmerz geplagter Dichter schlaflos im Bett und sehnt sich nach seiner Geliebten. Die Unterschiede des thematischen Materials zu dem der ersten Motette werden durch ihre Ähnlichkeit noch vergrößert, wenn Hawley in einen dunkleren Modus der Textreflexion wechselt. Beide Motetten enden mit ausgedehnten und unaufgelösten Vorhalten, jedoch mit jeweils sehr unterschiedlichem Effekt: unendliche Schönheit im ersten Fall und unaufhörliche Qual im zweiten.

Frank Ferko ist sowohl ein bedeutender Musikwissenschaftler als auch Komponist und ist einer der führenden amerikanischen Messiaen-Experten. Seine eigene Musik auf der vorliegenden Aufnahme verrät jedoch eine weitere Leidenschaft—das Oeuvre von Hildegard von Bingen. Das Hildegard Triptych ist ein anspruchsvoller Werkzyklus für Doppelchor und repräsentiert nur einen Teil eines beträchtlichen Korpus an Chor- und Orgelwerken, die von der großen mittelalterlichen Mystikerin inspiriert sind. O virtus sapientiae bezieht sich sowohl auf die Musik als auch Hildegards Text und beginnt mit mehreren Organum-duplum-Phrasen, die sich schnell ausdehnen, so dass der gesamte Chor mit blumigen Melismen erklingt. Der außergewöhnliche pan-tonale Beginn von Caritas abundat ruft sofort die meditativen Werke Messiaens ins Gedächtnis und erzeugt eine verlockende Vision von tausend Jahren Mystik, die auf drei Minuten Musik komprimiert sind. O vis aeternitatis kündigt sich mit einer länger erklingenden leeren Quinte an und kehrt zu der mittelalterlichen Tonsprache zurück, diesmal jedoch mit der Homophonie des Conductus-Stils.

Steven Stucky ist ein vielgefeierter Komponist, dessen Orchesterwerke von vielen führenden Orchestern weltweit aufgeführt werden und der für sein Zweites Konzert für Orchester den Pulitzer Preis gewann. Als prominenter Dozent und Lehrer gilt er als eine der führenden Stimmen im Bereich der zeitgenössischen Musik Amerikas und wurde vor Kurzem zum Vorstandsvorsitzenden des American Music Center gewählt. Ebenso wie Frank Ferko hat er einen Teil seiner Karriere dem Studium eines großen europäischen Komponisten des 20. Jahrhunderts gewidmet und 1981 seine gerühmte Biographie von Witold Lutosl/awski herausgegeben. Mit seinen Three New Motets „in memoriam Thomas Tallis“, die er 2005 für Seattle Pro Musica anlässlich der Feierlichkeiten zum 500. Jubiläum von Tallis’ Geburtstag komponierte, zollt Stucky einer weiteren Koryphäe der Welt der alten Musik Tribut, auch wenn Tallis ein halbes Jahrtausend jünger ist als Hildegard. Von den drei Texten, die Stucky auswählte, weiß man nur von einem, O sacrum convivium, mit Sicherheit, dass er von dem alten elisabethanischen Meister vertont wurde, und die Parallelen zu der musikalischen Sprache von Tallis sind schwächer als diejenigen zwischen Hildegards und Ferkos Musik. In Gegensatz zu dem rhythmischen Drängen von O sacrum convivium, haben die vorwiegend homophon gehaltenen Motetten, O admirabile commercium und O vos omnes, einen ruhigen und ehrerbietigen Charakter, ähnlich den kürzeren vierstimmigen Motetten von Tallis selbst. Trotz ihrer gewagten harmonischen Tonsprache erzeugen sie eine bescheidene und gleichzeitig kraftvolle Atmosphäre der Huldigung gegenüber dem Widmungsträger.

Der jüngste Komponist dieser Gruppe ist der aus Norwegen stammende Komponist und Pianist Ola Gjeilo, der 2006 sein Studium an der Juilliard School abschloss und seitdem in Manhattan lebt. Gjeilo hat sowohl mit Chor- als auch kommerzieller Musik aufsehenerregende Erfolge gefeiert und dabei Musiker in innovativen Kombinationen eingesetzt und improvisatorische Techniken eingearbeitet. Hier liegen zwei seiner Werke vor, in denen jeweils Texte aus der Messe vertont sind: das majestätische Sanctus, dessen reichhaltige Textur sich zuweilen in bis zu zwölf Stimmen teilt, entstand kurz nach seinem Studienabschluss für das Uranienborg Vokalensemble, während Phoenix, eine Vertonung des letzten Messsatzes („Agnus Dei“) und das letzte Stück der vorliegenden CD, 2008 für den Phoenix Chorale entstand, mit dem Gjeilo mehrfach erfolgreich zusammengearbeitet hat. In dem Werk werden Cantus-planus-artige Melodiephrasen innerhalb einer sich allmählich verdichtenden Textur eingesetzt. Die Musik arbeitet auf das abschließende Friedensgebet hin und erklingt dabei in beiden dynamischen Extremen—zuerst im ffff und am Ende im ppp.

Gabriel Crouch © 2011
Deutsch: Viola Scheffel