Alfred Francis Hill was born in 1869 in Melbourne into a musical family that later migrated to Wellington, New Zealand. His obvious talent led to studies in composition and performance from 1887 until 1891 in Leipzig, where he won the the prestigious Helbig Prize. He also played the violin in the Gewandhaus Orchestra when Brahms, Tchaikovsky, Grieg, Joachim, Reinecke, Ysaÿe, Busoni, Sarasate, Bruch, Clara Schumann and Richard Strauss visited as conductors or soloists. Such experiences meant that he was inevitably influenced by eminent Europeans.

After working as a teacher, performer, conductor and composer in New Zealand and Australia, Hill settled in Sydney in 1911; in 1916 he became the founding professor of composition at the conservatorium where he fostered young composers until his retirement in 1935. He was one of the most respected Antipodean musicians of his time and was honoured with the OBE and CMG. Alfred Hill continued composing until his death in 1960. He took a special interest in collecting Maori folk melodies, some of which were incorporated into his music. A well-researched account of Hill’s life is found in the biography A distant music: the life and times of Alfred Hill by John Mansfield Thomson. The critic Neville Cardus rightly described Hill as ‘the grand old man of Australian music’.

Hill’s output was truly enormous. Prior to the completion in 2007 of a thematic catalogue that includes more than two thousand titles, an accurate number of his works was unknown, since the composer had not allocated opus numbers nor kept a complete list. As well as the works on this recording, there are concertos for violin, viola, trumpet and horn, seventeen string quartets, nine symphonies for orchestra, overtures, tone poems, four symphonies for strings, sonatas, a variety of other chamber music, hundreds of songs and piano miniatures, ten operas, film music, choral music including some major works with orchestra and a Mass with organ, arrangements of folk music and a harmony textbook. More than two hundred of Hill’s works were published in the nineteenth and twentieth centuries, especially songs and short pieces for students. New editions of major works have recently been prepared, making much of Hill’s music widely available for the first time. Hill’s compositions feature a wealth of melody, attractive harmony, creativity, playability and audience appeal. While they hold a significant place in the musical heritage of Australia and New Zealand, these qualities ensure a universal appeal.

Alfred Hill’s Piano Concerto in A major is a reworking of the Piano Sonata also heard on this recording. This was a common practice for Hill. All but one of his symphonies originated as orchestrations of chamber works, and two of his five concertos are based on earlier sonatas, a fact that only recently came to light.

It is not known when the orchestration was made but the first performance of the concerto was given in 1941, with the Sydney Symphony Orchestra. An advertisement for this Sydney performance states: ‘Before the advent of the ABC and its orchestras, performances of major works by Australian composers were few and far between [and] a work that cried out for an orchestral setting had to be satisfied with a more modest form. Because of this [Alfred Hill’s] Piano Concerto … began as a keyboard sonata. The opportunity now offered, says Mr Hill, enabled him to render the work in its true setting. There are three movements. The concerto opens with a question. The second movement, Homage to Chopin, is cast in the form of a nocturne, and the finale [is] entitled Contrasts.’

The piano sonata, however, has four movements, and Hill added the orchestration of the second movement, Intermezzo (Fancies), for later performances. Comparison of the manuscripts of the sonata and concerto reveals a good deal of reworking, the modifications including changes of metre, revisions of harmony, omissions and substitutions of passages, and adjustments of expressive detail.

The date of composition of Hill’s Piano Sonata in A major is uncertain, but on 29 March 1920 the Sydney Telegraph reported its earliest known performance, by the pianist Henry Penn. Several other performances were reported in the 1920s. The handwriting, however, is not typical of Hill’s from this time, and suggests that it was composed rather earlier.

The introduction to the first movement, The Question, alternates between slow and fast motifs (questions and answers) before the Allegro first subject. The broad second subject leads to a rehearing of the opening ‘question’ motif as part of the development, the conclusion of which is marked by a pause. The recapitulation follows the expected sonata form, presenting the first and second subjects in the tonic key. The opening three-note motif and first-subject material are used again in the coda.

The Intermezzo, subtitled Fancies, is a miniature in ternary (ABA) form, its simplicity offering a charming contrast to the other movements. The Nocturne (Homage to Chopin), does not directly quote from Chopin’s music, but is written in a style reminiscent of him. After an expressive introduction, the theme, typical of Hill’s beautiful and poetic slow movements, is heard with varying ornamentation, and with its reprise frames a complementary central section.

The final movement, Contrasts, is once again in sonata form with two distinct subjects. The inventive development section is based largely on first-subject material. In the recapitulation each subject is briefly heard again, the second being incorporated into a coda in compound metre.

George Frederick Boyle was born in 1886 in Sydney to parents who were highly esteemed professional musicians. George was a prodigy who toured extensively in Australia and New Zealand giving piano recitals, as well as composing a number of solo and chamber works, before departing in 1905 to study for five years with Ferruccio Busoni in Berlin, never to return. He had a prestigious career in the USA teaching at Peabody Conservatory of Music in Baltimore (1910–22), the Curtis Institute of Music (1922–4), and the Institute of Musical Art (now the Juilliard School) in New York (1923–40). His students included Aaron Copland and Samuel Barber. He died in Philadelphia in 1948.

Apart from the piano concerto on this recording, Boyle’s compositions include a Ballade for solo piano (1921), a piano sonata (1925), and a suite for two pianos, as well as many smaller works. His style is essentially late Romantic, and his music contains frequent changes of tempo, key and mood, extensive chromaticism and virtuosic cadenzas, while rhythmic interest is enhanced by the frequent use of hemiolas.

George Boyle’s Piano Concerto in D minor was completed in 1911, and first performed on 29 September 1911 at Worcester Festival in Massachusetts, by Ernest Hutcheson (another Australian who was then Boyle’s colleague on the Peabody staff) with the Boston Symphony Orchestra conducted by Gustav Strube. Hutcheson then performed the concerto four times in February–March 1912 with the New York Philharmonic Orchestra. Musical America reported that it was a ‘masterly concerto that stands comparison with the best that has come out of Germany, France, Russia, and Scandinavia in a long time, and that is, indeed, saying much … Such a work should indeed have a significance for pianists of today, and should find a place in the repertoire of all serious virtuosi.’ It may be that Boyle’s piano concerto was the first substantial example of the form by an Australian composer. Boyle also prepared a version for two pianos, which was published in New York by Schirmer in 1912. It was dedicated to Harold Randolph, then the director of the Peabody Conservatory.

The Australian premiere of Boyle’s piano concerto took place in Sydney in November 1913, performed by Edith Kilminster and conducted by Alfred Hill. The Evening News reported: ‘The concerto met with considerable favour in America and it is undoubtedly original in construction. It sweeps along with a fine vim, engrossing in attention … Mr Boyle exhibits individuality and spontaneity and is never for a moment bland.’

In the opening orchestral introduction there is an insistent underlying syncopation over which three-note rising and falling phrases seem to float. The piano’s entry leads to a statement of the first subject. After a short reprise of the introductory music we then hear a contrasting section in lighter mood. The second subject is a distinctive rising then falling motif, presented first by the orchestra alone and then against a backdrop of the piano’s ornamental arpeggios. Woodwinds complete the exposition with the introductory theme. The development features virtuoso writing for the piano culminating in a cadenza. This heralds the recapitulation in a triumphant D major. In this recording the quiet conclusion leads seamlessly to the following movement. This is a reworking found in the published version for two pianos; in the original version this movement finished with a dramatic forte.

In the second movement expressive interweaving melodies from the woodwinds are answered by lush chromatic string passages, and the piano then echoes these exchanges. There follows a contrasting second section, with a hint of folk style, overlaid by delightful ornamental woodwind counter-melodies. In the coda both themes briefly merge.

In the finale energetic passages are interspersed with sometimes showy and elsewhere expressive solo piano passages, providing an alternation of tension and relaxation. Several themes are heard, offset by virtuosic cadenzas that extensively develop the thematic material. In several places the introductory motif from the first movement reappears and there is also a quote from the middle movement, tying the work together as a cohesive whole. A showcase for the pianist, Boyle’s concerto is full of colour and variety of mood.

Allan Stiles © 2016

Alfred Francis Hill est né en 1869 à Melbourne dans une famille de musiciens qui émigra ensuite à Wellington, en Nouvelle-Zélande. Son talent manifeste l’amena à étudier la composition et l’interprétation entre 1887 et 1891 à Leipzig, où il remporta le prestigieux Prix Helbig. Il fut aussi violoniste dans l’Orchestre du Gewandhaus lorsque Brahms, Tchaïkovski, Grieg, Joachim, Reinecke, Ysaÿe, Busoni, Sarasate, Bruch, Clara Schumann et Richard Strauss s’y rendirent comme chefs d’orchestre ou comme solistes. De telles expériences l’amenèrent bien évidemment à être influencé par d’éminents Européens.

Après avoir travaillé comme pédagogue, instrumentiste, chef d’orchestre et compositeur en Nouvelle-Zélande et en Australie, Hill s’installa à Sydney en 1911; en 1916, il fut le professeur fondateur de la classe de composition du conservatoire où il encouragea de jeunes compositeurs jusqu’à sa retraite en 1935. Il fut l’un des musiciens les plus respectés de son temps en Australie et en Nouvelle-Zélande et eut l’honneur d’être fait officier dans l’ordre de l’empire britannique (OBE) et chevalier dans l’ordre de Saint-Michel et Saint-Georges (CMG). Alfred Hill continua à composer jusqu’à sa mort en 1960. Il porta un intérêt particulier à recueillir des mélodies traditionnelles maories, dont il intégra certaines dans sa musique. On trouve un récit bien documenté de la vie de Hill dans la biographie A distant music: the life and times of Alfred Hill de John Mansfield Thomson. Le critique Neville Cardus décrit Hill à juste titre comme «le grand vieil homme de la musique australienne».

L’œuvre de Hill est vraiment considérable. Avant l’achèvement en 2007 d’un catalogue thématique qui comporte plus de deux mille titres, on ignorait le nombre exact de ses œuvres, car le compositeur ne leur avait pas donné de numéros d’opus ni conservé une liste complète. Outre les œuvres enregistrées sur cet album, il y a des concertos pour violon, pour alto, pour trompette et pour cor, dix-sept quatuors à cordes, neuf symphonies pour orchestre, des ouvertures, des poèmes symphoniques, quatre symphonies pour cordes, des sonates, diverses œuvres de musique de chambre, des centaines de mélodies et de miniatures pour piano, dix opéras, de la musique de film, de la musique chorale notamment quelques œuvres majeures avec orchestre et une messe avec orgue, des arrangements de musique traditionnelle et un manuel d’harmonie. Plus de deux cents œuvres de Hill furent publiées aux XIXe et XXe siècles, en particulier des mélodies et des pièces brèves pour les étudiants. De nouvelles éditions d’œuvres majeures ont été récemment réalisées, ce qui rend pour la première fois largement disponible une grande partie de la musique de Hill. Ses compositions présentent une mine de mélodie, d’harmonie attrayante, de créativité, de jouabilité et d’intérêt pour le public. Si elles occupent une place importante dans l’héritage musical de l’Australie et de la Nouvelle-Zélande, ces qualités leur assurent un attrait universel.

Le Concerto pour piano en la majeur d’Alfred Hill est une nouvelle version de la Sonate pour piano également enregistrée ici. C’était une pratique courante de Hill. Toutes ses symphonies sauf une virent le jour comme des orchestrations d’œuvres de musique de chambre, et deux de ses cinq concertos reposent sur des sonates antérieures, ce qui n’a été mis en lumière qu’à une date récente.

On ignore quand l’orchestration fut réalisée, mais la première exécution de ce concerto eut lieu en 1941, avec l’Orchestre symphonique de Sydney. Selon une annonce de cette création à Sydney: «Avant l’avènement de l’ABC et de ses orchestres, les exécutions d’œuvres majeures de compositeurs australiens étaient rares [et] une œuvre qui avait grand besoin d’une transposition symphonique devait se contenter d’une forme plus modeste. C’est la raison pour laquelle ce Concerto pour piano [d’Alfred Hill] … commença sous la forme d’une sonate pour clavier. L’opportunité qui se présente maintenant, dit M. Hill, lui a permis de donner à l’œuvre son véritable cadre. Elle comporte trois mouvements. Le concerto débute par une question. Le deuxième mouvement, Hommage à Chopin, est moulé dans la forme d’un nocturne et le finale s’intitule Contrastes.»

La Sonate pour piano comporte toutefois quatre mouvements et Hill ajouta l’orchestration du deuxième mouvement, Intermezzo (Fancies), pour les exécutions ultérieures. La comparaison des manuscrits de la sonate et du concerto révèle beaucoup de remaniement, les modifications incluant des changements de mètre, des révisions de l’harmonie, des omissions et des substitutions de certains passages, ainsi que des modifications de détails expressifs.

La date à laquelle Hill composa la Sonate pour piano en la majeur est incertaine, mais le 29 mars 1920, le Sydney Telegraph publia un compte-rendu de sa première exécution connue, par le pianiste Henry Penn. Plusieurs autres exécutions furent signalées dans les années 1920. Cependant, l’écriture n’est pas typique de ce qu’écrivait Hill à cette période, ce qui semble indiquer qu’il la composa un peu plus tôt.

L’introduction du premier mouvement, La Question, fait alterner des motifs lents et rapides (questions et réponses) avant le premier sujet Allegro. Le large second sujet mène à une nouvelle écoute du motif de la «question» initiale faisant partie du développement, dont la conclusion est marquée par un point d’orgue. La réexposition suit la forme sonate attendue, avec le premier et le second sujet à la tonique. Le motif initial de trois notes et le matériel du premier sujet sont réutilisés dans la coda.

L’Intermezzo, sous-titré Fancies, est une miniature de forme ternaire (ABA), dont la simplicité offre un contraste charmant avec les autres mouvements. Le Nocturne (Hommage à Chopin) ne cite par directement la musique de Chopin, mais est écrit dans un style qui le rappelle. Après une introduction expressive, on entend le thème, typique des magnifiques et poétiques mouvements lents de Hill, avec une ornementation variée et, qui encadre une section centrale complémentaire avec sa reprise.

Le finale, Contrastes, est à nouveau en forme sonate avec deux sujets distincts. Le développement inventif repose largement sur le matériel du premier sujet. Dans la réexposition, on entend à nouveau chaque sujet brièvement, le second étant incorporé à une coda de rythme ternaire.

George Frederick Boyle est né en 1886; ses parents étaient des musiciens professionnels très appréciés. George était un prodige qui fit d’importantes tournées en Australie et en Nouvelle-Zélande en donnant des récitals de piano; il composa en outre plusieurs œuvres pour piano seul et de la musique de chambre avant de partir en 1905 étudier pendant cinq ans avec Ferruccio Busoni à Berlin et ne jamais revenir. Il mena une prestigieuse carrière aux États-Unis où il enseigna au Peabody Conservatory of Music de Baltimore (1910–22), au Curtis Institute of Music (1922–24) et à l’Institute of Musical Art (aujourd’hui la Juilliard School) de New York (1923–40). Au nombre de ses élèves figurent Aaron Copland et Samuel Barber. Il mourut à Philadelphie en 1948.

À part le Concerto pour piano enregistré ici, les compositions de Boyle comportent une Ballade pour piano seul (1921), une sonate pour piano (1925) et une suite pour deux pianos, ainsi que de nombreuses œuvres plus brèves. Son style relève essentiellement de la fin du romantisme et sa musique présente de fréquents changements de tempo, de tonalité et d’atmosphère, un chromatisme étendu et des cadences virtuoses, tandis que l’intérêt rythmique est rehaussé par l’utilisation fréquente des hémioles.

Le Concerto pour piano en ré mineur de George Boyle fut achevé en 1911 et créé le 29 septembre 1911 au festival de Worcester dans le Massachusetts par Ernest Hutcheson (un autre Australien qui était alors le collègue de Boyle à Peabody) avec l’Orchestre symphonique de Boston sous la direction de Gustav Strube. Hutcheson joua ensuite ce concerto à quatre reprises en février–mars 1912 avec l’Orchestre philharmonique de New York. Selon Musical America, c’est un «concerto magistral qui soutient la comparaison avec ce qui se fait de mieux depuis longtemps en Allemagne, en France, en Russie et en Scandinavie et ce n’est pas peu dire … Une telle œuvre devrait vraiment être importante pour les pianistes de notre époque et devrait trouver une place au répertoire de tous les virtuoses sérieux.» Il se pourrait que le Concerto pour piano de Boyle soit le premier exemple important de cette forme dû à un compositeur australien. Boyle réalisa aussi une version pour deux pianos, qui fut publiée à New York, par Schirmer, en 1912. Il est dédié à Harold Randolph, alors directeur du Peabody Conservatory.

La création australienne du Concerto pour piano de Boyle eut lieu à Sydney, en novembre 1913, avec Edith Kilminster au piano sous la direction d’Alfred Hill. Selon The Evening News: «Le concerto fut accueilli avec beaucoup de bienveillance en Amérique et sa construction est indubitablement originale. Il nous entraîne avec plein d’allant et d’énergie, captivant l’attention … M. Boyle fait preuve d’individualité et de spontanéité et n’est jamais fade un seul instant.»

Dans l’introduction orchestrale initiale, on trouve des syncopes sous-jacentes insistantes sur lesquelles semblent flotter des phrases de trois notes ascendantes et descendantes. L’entrée du piano mène à l’exposition du premier sujet. Après une courte reprise de la musique de l’introduction vient une section contrastée d’atmosphère plus légère. Le second sujet est un motif caractéristique, ascendant puis descendant, présenté tout d’abord par l’orchestre seul, puis sur fond d’arpèges ornementaux du piano. Les bois terminent l’exposition avec le thème de l’introduction. Le développement présente une écriture virtuose pour le piano, culminant dans une cadence qui annonce la réexposition dans un ré majeur triomphal. Dans cet enregistrement, une conclusion calme mène sans interruption au mouvement suivant. Il s’agit d’un remaniement trouvé dans la version publiée pour deux pianos; dans la version originale, ce mouvement s’achève sur un forte dramatique.

Dans le deuxième mouvement, aux mélodies expressives entremêlées des bois répondent des passages chromatiques luxuriants des cordes, et le piano se fait ensuite l’écho de ces échanges. Vient ensuite une seconde section contrastée, avec une touche de style traditionnel, recouverte de charmants contrechants ornementaux des bois. À la coda, les deux thèmes fusionnent brièvement.

Dans le finale, des passages énergiques sont entrecoupés de passages solos parfois tape-à-l’œil, parfois expressifs du piano, créant une alternance de tension et de détente. On entend plusieurs thèmes, mis en balance par des cadences virtuoses qui développent longuement le matériel thématique. En plusieurs endroits, apparaît le motif de l’introduction du premier mouvement; on trouve aussi une citation du mouvement central, ce qui relie l’œuvre en un tout cohérent. Tremplin pour le pianiste, le concerto de Boyle regorge de couleur et d’atmosphères variées.

Allan Stiles © 2016
Français: Marie-Stella Pâris

Alfred Francis Hill wurde 1869 in Melbourne in eine musikalische Familie hineingeboren, die später nach Wellington (Neuseeland) auswanderte. Er zeigte musikalisches Talent und studierte von 1887 bis 1891 Komposition und Violine in Leipzig, wo er auch den angesehenen Helbig-Preis errang. Während seiner Zeit als Geiger im Gewandhausorchester erlebte er Brahms, Tschaikowsky, Grieg, Joachim, Reinecke, Ysaÿe, Busoni, Sarasate, Bruch, Clara Schumann und Richard Strauss als Solisten oder am Dirigierpult—eine Begegnung mit der europäischen Musik, die ihn zweifellos tief prägte.

In Neuseeland wirkte er als Lehrer, Solist, Dirigent und Komponist und ließ sich 1911 in Sydney nieder; bei der Gründung des Konservatoriums wurde er Professor für Komposition und unterrichtete junge Komponisten, bis er sich 1935 zur Ruhe setzte. Als einer der meistgeachteten australischen Musiker seiner Zeit wurde er zum Offizier des Britischen Königreichs (OBE) und Mitglied des Ordens vom Heiligen Michael und Georg (CMG) ernannt. Bis zu seinem Tod im Jahr 1960 komponierte er. Besonders widmete er sich dem Sammeln von Volksliedern der Maori und verwendete sie auch in seinen Werken. Eine gründliche Darstellung seines Leben bietet John Mansfield Thomsons Biografie A distant music: the life and times of Alfred Hill. Der Musikkritiker Neville Cardus nannte ihn den „großen alten Mann der australischen Musik“.

Hill war ein äußerst produktiver Komponist. Bevor 2007 das thematische Werkverzeichnis mit über zweitausend Einträgen fertiggestellt werden konnte, war die genaue Zahl seiner Kompositionen unbekannt—auch, weil er weder Opuszahlen vergeben noch ein eigenes Verzeichnis geführt hatte. Außer den hier eingespielten Werken schrieb er Konzerte für Violine, Bratsche, Trompete und Horn, 17 Streichquartette, neun Sinfonien, Ouvertüren, Tondichtungen, vier Streichersinfonien, Sonaten, Kammermusik, hunderte Lieder und Klavierstücke, zehn Opern, Filmmusik, Chorwerke (auch für große Besetzung mit Orchester sowie eine Messe mit Orgelbegleitung), Volksmusikbearbeitungen und eine Harmonielehre. Im 19. und 20. Jahrhundert erschienen über zweihundert seiner Werke im Druck, vor allem Lieder und Studienwerke. In jüngster Zeit wurden Neuausgaben seiner großen Werke unternommen, die so erstmals einem breiten Publikum zugänglich wurden. Seine Musik zeigt melodischen und harmonischen Reichtum und große Originalität; sie ist dankbar für den Spieler wie für den Hörer. Das macht sie, über ihre Bedeutung für die australische und neuseeländische Musikgeschichte hinaus, auch international attraktiv.

Alfred Hills Klavierkonzert A-Dur ist eine Umarbeitung der Klaviersonate, die ebenfalls auf dieser Einspielung zu hören ist. Für Hill war das nichts Ungewöhnliches. So entstanden alle seine Sinfonien bis auf eine aus Orchestrierungen von Kammermusikwerken; zwei seiner fünf Solokonzerte basieren, wie erst kürzlich entdeckt wurde, auf älteren Sonaten.

Wann die Orchestrierung angefertigt wurde, ist unbekannt; die Uraufführung mit dem Sydney Symphony Orchestra jedenfalls fand 1941 statt. In einer Ankündigung dieses Konzerts in Sydney heißt es: „Vor den Zeiten der ABC [der Australischen Rundfunkgesellschaft, A. d. Ü.] und ihrer Orchester gab es wenige und seltene Aufführungen größerer Werke australischer Komponisten, und auch Musik, die zur Orchestrierung drängte, musste sich mit kleineren Besetzungen bescheiden. So kam es, dass [Alfred Hills] Klavierkonzert zunächst als Klaviersonate Gestalt annahm. Erst die Gelegenheit, die sich nun ergab, ermöglichte es laut Mr. Hill, dem Werk sein eigentliches Format zu verleihen. Es besteht aus drei Sätzen und beginnt mit einer Frage. Der zweite Satz, Hommage an Chopin, ist als Nocturne angelegt, und das Finale trägt den Titel Kontraste.“

Allerdings ist die Klaviersonate viersätzig. Die Orchestrierung des zweiten Satzes Intermezzo (Fancies) fügte Hill für spätere Aufführungen hinzu. Vergleicht man die Partituren von Sonate und Konzert, so entdeckt man zahlreiche Umarbeitungen, darunter Änderungen bei Metrum und Harmonik, Streichungen und neukomponierte Passagen sowie Detailänderungen der Vortragsanweisungen.

Wann Hill seine Klaviersonate A-Dur schrieb, ist nicht sicher; von der ersten bekannten Aufführung am 29. März 1920 durch den Pianisten Henry Penn berichtet der Sydney Telegraph. Wir wissen von weiteren Aufführungen in den Zwanzigerjahren. Der Duktus der Handschrift ist jedoch untypisch für jene Zeit, sodass man eine frühere Entstehung annehmen kann.

In der Einleitung des ersten Satzes, The Question („Die Frage“), wechseln sich langsame und rasche Motive ab—Fragen und Antworten—, bevor das erste Thema des Allegro erklingt. Das breit angelegte zweite Thema mündet mit der Wiederholung der „Frage“ vom Anfang in die Durchführung; ihr Ende wird durch eine Pause markiert. Die Reprise präsentiert, wie in der Sonatenform üblich, beide Themen in der Grundtonart. In der Coda wird abermals das dreitönige Motiv des Anfangs sowie Material aus dem ersten Thema verwendet.

Das Intermezzo mit dem Untertitel Fancies [„Fantasien“ oder „Fantastereien“, A. d. Ü.] ist eine Miniatur in dreiteiliger Form (ABA); seine Schlichtheit steht in reizvollem Kontrast zu den übrigen Sätzen. Das Nocturne (Homage to Chopin) zitiert Chopin nicht direkt, erinnert aber stilistisch an seine Musik. Nach einer ausdrucksvollen Einleitung erklingt ein für Hills klangschöne und poetische langsame Sätze typisches Thema in wechselnder Auszierung; vor seiner Wiederholung steht ein kontrastierender Mittelteil.

Das Finale, Contrasts, steht wiederum in Sonatenform und hat zwei klar unterschiedene Themen. Die originelle Durchführung basiert hauptsächlich auf Material aus dem ersten Thema. Beide Themen kehren in der Reprise kurz wieder, worauf das zweite Thema Gegenstand der ungeradtaktigen Coda wird.

George Frederick Boyle wurde 1886 in Sydney geboren, seine Eltern waren hochangesehene Berufsmusiker. George unternahm als Wunderkind ausgedehnte Tourneen durch Australien und Neuseeland, gab Klavierabende und komponierte Klavier- und Kammermusik, bevor er 1905 zum Studium bei Ferruccio Busoni nach Berlin ging. Er sollte nie nach Australien zurückkehren. Stattdessen schlug er in den USA eine glänzende Lehrlaufbahn ein. Er unterrichtete am Peabody-Konservatorium Baltimore (1910–1922), am Curtis Institute (1922–1924) und am Institute of Musical Art New York, der heutigen Juilliard School (1923–1940). Zu seinen Studenten zählten Aaron Copland und Samuel Barber. Boyle starb 1948 in Philadelphia.

Außer dem hier eingespielten Klavierkonzert komponierte Boyle eine Ballade für Klavier (1921), eine Klaviersonate (1925) und eine Suite für zwei Klaviere, dazu zahlreiche kleinere Werke. Sein Stil ist im Wesentlichen spätromantisch. Seine Musik wechselt häufig Tempo, Tonart und Stimmung; charakteristisch für seine Rhythmik ist der häufige Gebrauch von Hemiolen.

Sein Klavierkonzert d-Moll vollendete Boyle 1911, die Uraufführung fand beim Worcester Festival in Massachusetts am 29. September 1911 statt. Solist war Ernest Hutcheson, ebenfalls Australier und wie Boyle Lehrer am Peabody-Konservatorium; ihn begleitete das Boston Symphony Orchestra unter der Leitung von Gustav Strube. Anschließend führte Hutcheson im Februar und März 1912 das Konzert viermal mit dem New York Philharmonic Orchestra auf. Die Zeitschrift Musical America berichtet, es sei „ein meisterhaftes Konzert, das dem Vergleich mit den besten aus Deutschland, Frankreich, Russland und Skandinavien standhält—was schon etwas heißen will … Heutige Pianisten sollten ein solches Werk ernstnehmen, und es sollte im Repertoire aller ernsthaften Virtuosen seinen Platz bekommen.“ Boyles Klavierkonzert ist wohl der erste gewichtige Beitrag eines Australiers zur Gattung. Boyle schrieb auch eine Fassung für zwei Klaviere, die 1912 bei Schirmer in New York erschien. Gewidmet war sie Harold Randolph, dem damaligen Direktor des Peabody Conservatory in Baltimore.

Die australische Erstaufführung von Boyles Klavierkonzert fand im November 1913 in Sydney statt, gespielt von der Pianistin Edith Kilminster und dirigiert von Alfred Hill. Die Evening News berichteten: „Das Konzert fand in Amerika freundliche Aufnahme und ist ohne Zweifel originell gebaut. Es fesselt mit seinem enormen Schwung … Mr. Boyle zeigt Persönlichkeit und Spontaneität, und er langweilt keinen Augenblick.“

In der Orchestereinleitung formiert sich ein beharrlicher Synkopenrhythmus, über dem Dreitonmotive zu schweben scheinen. Der Klaviereinsatz leitet zum ersten Thema über. Nachdem die Musik der Einleitung kurz wiedergekehrt ist, folgt ein lichterer Kontrastabschnitt. Das zweite Thema, ein charakteristisches, aus Anstieg und Fall gebildetes Motiv, erscheint zunächst im Orchester, dann über Arpeggienbegleitung im Klavier. Mit dem Thema der Einleitung runden die Holzbläser die Exposition ab. Der virtuose Klavierpart der Durchführung mündet in die Solokadenz, welche die Reprise in triumphalem D-Dur heraufführt. In dieser Einspielung geht der zarte Satzschluss nahtlos in den folgenden Satz über—eine Änderung, die auf der Fassung für zwei Klaviere beruht. In der ursprünglichen Version endet der Satz mit einem dramatischen forte.

Im zweiten Satz werden ausdrucksvolle, einander umspielende Melodien der Holzbläser von üppigen, chromatischen Streicherpassagen beantwortet; das Klavier ahmt anschließend diesen Austausch nach. Es folgt ein volkstümlich angehauchter Kontrastabschnitt, verziert durch feine Gegenmelodien der Holzbläser. In der Coda werden beide Themen kurz zusammengeführt.

Im Finale werden vorwärtsdrängende Passagen unterbrochen von teils auftrumpfend virtuosen, teils expressiv-lyrischen Einwürfen des Solisten, sodass ein Wechsel von Spannung und Ruhe entsteht. Die verschiedenen Themen sind durch virtuose Kadenzabschnitte gegeneinander abgesetzt, die das thematische Material verarbeiten. Mehrmals taucht das Einleitungsmotiv aus dem ersten Satz auf, und auch der zweite Satz wird zitiert, sodass das Finale einen übergeordneten Werkzusammenhang stiftet. So ist Boyles Klavierkonzert, reich an Farben und Stimmungen, ein wahres Virtuosenstück für den Solisten.

Allan Stiles © 2016
Deutsch: Friedrich Sprondel