Francis Poulenc was the Benjamin and enfant terrible of Les Six, the erstwhile group of Parisian composers who were supposed to be in reaction against the more personally expressive or picturesque music of their seniors. So his early work often reflected the café-concert, music-hall and circus. On the other hand, he soon showed that he was not devoid of heart, even if he remained short of musical breath and, like his elderly friend Erik Satie, tended to write music in short, repeated fragments. Like his other musical mentor, Stravinsky – who found him his first publisher – Poulenc composed at the piano, and his pianistic fluency is evident in the keyboard parts of his chamber music. Similarly, his own shortness of musical breath made him a naturally considerate composer of wind music. Yet he struggled and succeeded with several large-scale works which, in the year of his centenary, have reached as wide an audience as the piano pieces, songs and wind music.

Here Poulenc’s chamber music provides thirteen items: sixteen tracks on CD1 and eighteen on CD2, all ‘easy listening’, and beguiling in contrasts if heard seriatim. But the sequence is not presented chronologically. These works, written between 1918 and 1962, from Poulenc’s twentieth to his penultimate year, are by a composer with a wealthy background who always earned his keep by music. The dedications of these thirteen works are typical of a musician much loved by a wide circle of friends.

Three sonatas for wind instruments alone are the earliest works here, each with three short movements: two brisk ones enclosing an Andante. The first was composed in 1918 for two clarinets; the second in 1922 for clarinet and bassoon; and the third, also in 1922, for horn, trumpet and trombone.

In 1924 Poulenc was at work on his Trio for oboe, bassoon and piano. It was dedicated to Manuel de Falla, the Spanish composer who knew Paris well and also shared Poulenc’s London publisher. Completed at Cannes in 1926, it was, like all the music that occupied his thoughts for any length of time, a subject on which he kept his friends informed. He referred to the Trio in writing to André Schaeffner, André Cœuroy, Charles Koechlin and Igor Stravinsky, acknowledging the latter’s advice. The Trio, Poulenc’s first real success in the field of chamber music, retaining its youthful verve, was first played at the concert he gave with his friend Georges Auric in Paris on 2 May 1926.

Whilst the composition of more extended movements like those of the Trio was often spread over a number of years, smaller pieces posed Poulenc fewer problems. One such was the Villanelle for piccolo and piano, printed in Pipeaux 1934 – a brainchild of the indefatigable Australian Louise Dyer whose Oiseau-Lyre Paris publications contained seven similar trifles for pipes by Parisian composers of the time.

Begun in 1932, the Sextet for piano and wind instruments was not completed until 1939. Its basic form is that of the Trio. A motto theme, first heard for wind alone, recurs in all three movements. In the central Divertissement, a lyrical slow movement and its modified repetition enclose a rather perky middle section. The finale roams chromatically in many and distant keys, but ends in ten bars of an adulterated C major.

Poulenc wrote his two string sonatas in wartime. The first, a Sonata for violin and piano, was begun in 1942, completed in 1943 and published in 1944, dedicated to the memory of the Spanish poet Federico Garcia Lorca (1899-1936) – a victim of the Spanish Civil War. It was first played in Paris on 21 June 1943 by the young Ginette Neveu and Poulenc. Between a ‘fiery’ Allegro and a ‘tragic’ Presto of Stravinskian parentage comes an Intermezzo evoking guitar music.

The Sonata for cello and piano was sketched in 1940 but not completed until 1948. It was first played in the Salle Gaveau in Paris on 18 May 1949 by the composer and the joint dedicatee, Pierre Fournier, who also played a significant role in the writing of the cello part. This is most evident in the central Cavatine and dance-like Ballabile, but in all four movements the piano usually announces and the cello decorates the essential line.

Composed in 1962, Poulenc’s Clarinet Sonata is the second of the series of three woodwind sonatas which he wrote in the last years of his life. Although missing from the first edition of the published score, its inscription is to the memory of his friend Arthur Honegger. The opening ‘Allegro tristamente’ is full of Poulenc’s familiar musical fingerprints, of which the clarinet’s initial gruppetto and the piano’s rhythmic punctuations are typical, as is the quiet and steady pulse of the reiterated octave C in the bass, above which the clarinet’s melodic line soon emerges. The second phrase has a contrasted dotted inflection. Their juxtapositions and alternations propel the movement gently forward. There is a brief backward glance at the opening page before a section marked ‘Très calme’ in which the clarinet’s rocking ostinato heralds the return of previously heard material and a hushed ending.

The clarinet begins the central Romanza with a four-note motif and short accompanied recitative before first suggesting and then settling down to its main melody, marked ‘Très doux et mélancholique’, in the placid G minor to which several changes of tonal perspective eventually return. Nostalgic sentiments play no part in the animation of the final Allegro which begins and ends in a riotous C major.

The Flute Sonata, the earliest of Poulenc’s four late works for wind, was composed in Cannes between December 1956 and March 1957. It is dedicated to the memory of Mrs Emma Sprague Coolidge, a well-known American patron of contemporary music in the second and third decades of this century. The first performance was given on 18 June 1957 at the Strasbourg Festival by Jean-Pierre Rampal and the composer.

‘Malincolico’ spells out the wistfulness with which Poulenc could inform even an allegro. This one unfolds in E minor and tripartite form. The opening section and its modified reprise are based on the initial theme: its four-note gruppetto, recurring no fewer than fifteen times in the first part, provides a unifying element in the melodic flow. A dotted rhythm characterises the contrasting second section marked ‘Un peu plus vite’. Beginning in F major, this shifts to other keys before a typical dominant thirteenth prepares for a reprise of the first part, though it begins in A minor. There is a brief backward glance at the other material before the initial gruppetto, flickering between major and minor, comes to rest in E major.

The gently ambling pace of the central Cantilena is set by two introductory bars before a characteristically nostalgic melody is unfolded in B flat minor. Except for a few single-bar ritornelli, the flute holds the melodic thread for most of the movement, the piano rarely emerging from its accompanimental role. After several excursions into other tonalities, the initial melody returns in its original key, coming momentarily to rest in the major before ending in the minor.

The finale is in A major, but its short thematic motifs shift kaleidoscopically to many other tonalities. Its brusque progress is interrupted once by a short-lived phrase marked ‘Mélancolique’ – a backward glance, after which the ‘Presto giocoso’ is resumed unflaggingly to its final major chord.

The Sarabande, Poulenc’s only piece for solo guitar, was composed (in March 1960 in New York) for Ida Presti and first published, with fingering by the dedicatee, the following year by Ricordi in a guitar anthology also containing pieces by Auric, Sauguet and other contemporaries.

Composed in 1962, Poulenc’s Oboe Sonata, the last of his three woodwind sonatas, is inscribed to the memory of Serge Prokofiev. Its opening Élégie, marked ‘Paisiblement’, begins with the oboe’s high D, the first note of an introductory four-note phrase. What follows is equally familiar Poulenc: a steady bass line below pulsing harmony with which the piano supports the oboe’s plaint in G, a line informed throughout by the gruppetto that begins it. Then the piano initiates a more second lyrical theme in E flat major, soon adopted by the oboe. A third theme featuring a double-dotted rhythmic motif provides the climax of the movement before the peaceful recapitulation of previous material and a quiet ending.

The central Scherzo, based on B flat, presents an animated 6/8 movement in which pointed rhythms are balanced with smoother motifs, and an arpeggio is altered rhythmically to rock up and down. A slower and more lyrical middle section rises to a climax in the piano part, gradually receding to a dominant close before the toccata-like Scherzo resumes without respite up to a brusque ending.

The final Déploration, marked ‘Très calme’, muses on A flat minor on a chorale-like theme announced by the piano. A ‘verse’ in C minor follows before the oboe sings out the plaint proper above the piano’s quaver pulse, marked ‘monotone’. There are several shifts in tonality before the final page clinches the essentially sad mood of the movement.

The Élegie for horn and piano was composed in 1957 in memory of the famous English horn-player, Dennis Brain. It represents the briefest of a dyed-in-the-wool tonal composer’s flirtation with the 12-tone system. Poulenc had met Schoenberg in the days of Les Six and followed his music with avid interest – as he did that of all his contemporaries – without ever being tempted to emulate him. He was fascinated by Schoenberg’s work and could admire it, but it remained totally foreign to his own musical formation and personality. The years following the Second World War saw a recrudescence of 12-tone activity, and ‘serialism’ became the fashionable musical byword. Poulenc remained an observer. The nearest he allowed his own music to approach it was in this Élegie which begins with the clear enunciation of a 12-note theme by the solo horn. A short and strongly accented ‘Agitato molto’ divides it from the piano’s different arrangement of the disjunct 12-note monody and a transposed return of the agitation. This is all preludial. The Elegy proper maintains a gentle accompanimental pulse of quavers in 3/4 time. Above it, the solo horn’s wide-ranging melisma falls into clearly defined phrases without ever suggesting the initial tone-row. After a momentary reminder of the agitation, the Elegy rises with occasional and unexpected harmonic asperity to a climax from which it gradually recedes. The horn’s final utterance is another unrelated 12-tone sequence ending on the leading-note of the C major harmony on which it is cushioned. Poulenc’s Élégie, qualifying him no more a member of the 12-tone school than Rameau, in whose music, too, a 12-note series may be found, remains essentially tonal.

Felix Aprahamian © 1999

Poulenc fut le benjamin et l’enfant terrible des Six, ce groupe de compositeurs parisiens naguère censés réagir contre la musique plus personnellement expressive, ou pittoresque, de leurs affiés. Aussi ses premières œuvres reflétèrent-elles souvent le café-concert, le music-hall et le cirque. Mais, il montra bientôt qu’il n’était pas dénué de cœur, même s’il demeura à court de souffle musical et tendit, à l’instar de son ami (et aîné) Erik Satie, à écrire des pièces en brefs fragments répétés. Comme son autre mentor musical, Stravinski qui lui trouva son premier éditeur – Poulenc composait au piano, et son aisance pianistique est manifeste dans les parties de clavier de sa musique de chambre. De même, son court souffle musical fit de lui un compositeur, naturellement prévenant, de musique pour instruments à vent. Mais il lutta et parvint à écrire plusieurs œuvres à grande échelle qui ont atteint, l’année de son centenaire, un auditoire aussi vaste que celui de ses pièces pianistiques, de ses mélodies et de sa musique pour vents.

La musique de chambre de Poulenc compte treize œuvres (réparties ici sur deux disques compacts, de seize et dix-huit pistes), toutes «d’écoute aisée», aux contrastes séduisants, si elles sont entendues à la file. Mais l’ordre choisi n’est pas chronologique. Ces œuvres, écrites entre 1918 et 1962 (des vingt ans de Poulenc à sa pénultième année), sont celles d’un compositeur au passé riche, qui vécut toujours de la musique. Les dédicaces de ces treize pièces sont typiques d’un musicien fort aimé d’un large cercle d’amis.

Les plus anciennes compositions de la présente intégrale sont trois sonates pour instruments à vent, chacune dotée de trois brefs mouvements – deux vifs flanquant un Andante. Composées en 1918, pour la première, et en 1922, pour les deux autres, elles sont respectivement pour deux clarinettes, pour clarinette et basson et pour cor, trompette et trombone.

En 1924, Poulenc travailla à son Trio pour hautbois, basson et piano, qu’il dédia à Manuel de Falla – compositeur espagnol qui connaissait bien Paris et avait le même éditeur londonien que Poulenc. Achevé à Cannes en 1926, ce Trio fut, comme toutes les pièces occupant ses pensées durant un certain temps, un incessant sujet de discussion avec ses amis. Il y fit ainsi référence dans des lettres à André Schaeffner, André Cœuroy, Charles Koechlin et Igor Stravinski, remerciant ce dernier pour ses conseils. Le Trio constitua le premier vrai succès de Poulenc en musique de chambre, tout de verve juvénile, il fut créé lors du concert que le compositeur et son ami George Auric donnèrent à Paris, le 2 mai 1926.

Si la composition de mouvements prolongés comme ceux du Trio s’étendit souvent sur plusieurs années, l’écriture de pièces plus modestes s’avéra moins problématique. Ainsi en alla-t-il pour la Villanelle pour piccolo et piano, imprimée in Pipeaux 1934 une idée de l’infatigable Australienne Louise Dyer, dont les publications de l’Oîseau-Lyre recelaient plusieurs bagatelles pour pipeaux, dues à des compositeurs parisiens de l’époque.

Entrepris en 1932, le Sextuor pour piano et instruments à vents ne fut achevé qu’en 1939. Sa forme de base est celle du Trio. Un motif conducteur, entendu d’abord aux vents seuls, revient dans chacun des trois mouvements. Le Divertissement central voit un lyrique mouvement lent, et sa répétition modifiée, entourer une section médiane assez gaie. Le finale erre chromatiquement en maintes tonalités lointaines, mais s’achève en dix mesures d’un ut majeur frelaté.

Pendant la guerre, Poulenc écrivit deux sonates pour cordes. La première, une Sonate pour violon et piano fut commencée en 1942. Achevée en 1943 et publiée en 1944, elle fut dédiée à la mémoire du poète espagnol Federico Garcia Lorca (1899-1936) victime de la guerre civile espagnole – et créée à Paris, le 21 juin 1943, par la jeune Ginette Neveu et Poulenc. Entre un Allegro «fougueux» et un Presto «tragique», stravinskien, se glisse un Intermezzo évoquant la musique pour guitare.

Esquissée en 1940, la Sonate pour violoncelle et piano fut achevée seulement en 1948 et créée à la Salle Gaveau (Paris), le 18 mai 1949, par le compositeur et le dédicataire, Pierre Fournier, qui joua également un rôle important dans l’écriture de la partie de violoncelle. Ce qui transparaît surtout dans la Cavatine centrale et le Ballabile dansant, mais, dans l’ensemble des quatre mouvements, le piano fait généralement l’annonce, tandis que le violoncelle orne la ligne principale.

Composée en 1962, la Sonate pour clarinette est la deuxième des trois sonates pour instruments à vent en bois écrite par Poulenc dans les dernières années de sa vie. Quoique manquante dans la première édition de la partition, la dédicace est dévolue à la mémoire d’Arthur Honegger, ami de Poulenc. L’Allegro tristamente» d’ouverture regorge des caractéristiques musicales chères au compositeur, tels le gruppetto initial du clarinette et les ponctuations rythmiques du piano, mais aussi le rythme paisible et régulier de l’octave d’ut réitérée, à la basse, par-dessus laquelle la ligne mélodique de la clarinette émerge bientôt. La deuxième phrase comporte une inflexion pointée contrastée. Leurs juxtapositions et alternances propulsent doucement le mouvement. S’ensuit un bref regard en arrière sur la page d’ouverture, puis une section marquée «Très calme», où l’ostinato cullando de la clarinette annonce le retour du matériau entendu auparavant et une conclusion précipitée. La clarinette débute la Romanza centrale par un motif de quatre notes et un bref récitatif accompagné, avant d’insinuer, puis d’instaurer, sa mélodie principale, marquée «Très doux et mélancolique», dans le placide sol mineur, auquel plusieurs changements de perspective tonale reviennent finalement. Les sentiments nostalgiques ne sont pour rien dans l’animation de l’Allegro final, qui commence et termine en un déchaffié ut majeur.

La Sonate pour flûte, la plus ancienne des quatre dernières œuvres pour vent de Poulenc, fut composée à Cannes entre décembre 1956 et mars 1957. Elle est dédiée à la mémoire de l’Américaine Emma Sprague Coolidge, célèbre mécène de la musique contemporaine, dans les années 1920 et 1930. Jean-Pierre Rampal et Poulenc assurèrent la première de cette pièce le 18 juin 1957, lors du Festival de Strasbourg. «Malincolico» explicite toute la mélancolie que Poulenc pouvait mettre, même dans un Allegro. Ce dernier s’éploie en mi mineur, dans une forme tripartite. Sa section d’ouverture, et sa reprise modifiée, reposent sur le thème initial: son gruppetto de quatre notes, qui revient pas moins de quinze fois dans la première partie, fournit un élément unificateur au flot mélodique. Un rythme pointé caractérise la seconde section, en contraste, marquée «Un peu plus vite». Commencée en fa majeur, elle passe à d’autres tonalités, avant qu’une treizième de dominante typique prépare une reprise de la première partie, mais avec, cette fois, un début en la mineur. S’ensuit un bref regard en arrière sur l’autre matériau, puis le gruppetto initial, oscillant entre majeur et mineur, vient reposer en mi majeur.

La Cantilena centrale, qui va doucement l’amble, est lancée par deux mesures introductives, avant qu’une mélodie, caractéristiquement nostalgique, ne s’éploie en si bémol mineur. Hors quelques ritornelli d’une mesure, le fil mélodique est tenu par la flûte pendant la majeure partie du mouvement, le piano quittant rarement son rôle d’accompagnement. Passé plusieurs excursions dans d’autres tonalités, la mélodie initiale revient dans sa tonalité originelle, marquant une pause momentanée en majeur, avant de s’achever en mineur. Le finale est en la majeur, mais ses brefs motifs thématiques passent kaléidoscopiquement àmaintes autres tonalités. Sa brusque progression est interrompue, une fois, par une phrase éphémère, marquée «Mélancolique» – un regard en arrière, au terme duquel le «Presto giocoso» est repris sans dételerjusqu’à l’ultime accord majeur.

Composée en 1962, la Sonate pour hautbois, la dernière des trois sonates pour instruments à vent en bois, est dédiée à la mémoire de Serge Prokofiev. Son Élégie d’ouverture, marquée «Paisiblement», commence par le ré aigu du hautbois, première note d’une phrase introductive qui en compte quatre. La suite est tout aussi typique de Poulenc: une ligne de basse régulière, par-dessous une harmonie rythmée, avec laquelle le piano soutient la plainte du hautbois en sol – une ligne imprégnée de bout en bout par le grupetto qui la débute. Puis, le piano instaure un deuxième thème plus lyrique, en mi bémol majeur, bientôt adopté par le hautbois. Un troisième thème, mettant en scène un motif rythmique doublement pointé, fournit l’apogée du mouvement, avant la paisible reprise du matériau antérieur et une calme conclusion.

Le Scherzo central, fondé sur si bémol, présente un animé mouvement à 6/8, où les rythmes pointés sont équilibrés par des motifs plus réguliers, tandis qu’un arpège est altéré rythmiquement pour osciller de bas en haut. Une section médiane, plus lente et plus lyrique, atteint à un apogée dans la partie de piano, reculant graduellement jusqu’à une fin sise dans la dominante; puis, le Scherzo de type toccata reprend, sans répit, jusqu’à une brusque conclusion.

La Déploration finale, marquée «Très calme», rêvasse à la bémol mineur, sur un thème de type choral, annoncé par le piano. Une «strophe» en ut mineur suit, puis le hautbois chante la plainte proprement dite, par-dessus le rythme pianistique en croches, marqué «monotone». Plusieurs changements de tonalités précèdent la page finale, qui conclut l’atmosphère fondamentalement triste du mouvement.

L’Élégie pour cor et piano fut composée en 1957, en mémoire du fameux corniste anglais Dennis Brain. Elle constitue le plus bref des flirts tonals bon teint du compositeur avec le système dodécaphonique. Poulenc, qui avait rencontré Schônberg à l’époque des Six, suivit sa musique avec un intérêt avide – comme il le fit pour le travail de tous ses contemporains – sans jamais être tenté de l’imiter. L’œuvre de Schônberg fascina Poulenc, le laissa admiratif, mais demeura totalement étranger à ses propres personnalité et formation musicales. Les années qui suivirent la Seconde Guerre mondiale virent une recrudescence de l’activité dodécaphonique, et le «sérialisme» devint synonyme de musique à la mode. Poulenc demeura un observateur, et son Élégie – qui commence par la claire énonciation d’un thème de douze notes, au cor solo – fut sa pièce la plus proche de ce courant. Un «Agitato molto», bref et fortement accentué, marque la séparation d’avec l’arrangement pianistique, différent, de la monodie de douze notes disjointes – suivi d’un retour transposé de l’agitation. Tout ceci n’est que prélude. L’Élégie maintient un doux rythme accompagnant, en croches, à 3/4. Par-dessus, l’ample mélisme du cor solo se répartit en phrases clairement définies, sans même suggérer la série tonale initiale. Passé un momentané répit de l’agitation, l’Élégie s’élève, avec une aspérité harmonique aussi occasionnelle qu’inattendue, pour atteindre à un apogée, dont elle s’éloigne ensuite progressivement. L’énonciation finale du cor est une nouvelle séquence dodécaphonique disjointe, qui s’achève sur la sensible de l’harmonie en ut majeur lui servant d’assise. L’Élégie, qui ne fait pas plus entrer Poulenc que Rameau – chez qui une série de douze notes est également trouvable – dans l’école dodécaphonique, demeure fondamentalement tonale.

Felix Aprahamian © 1999
Français: Hypérion

Francis Poulenc war der Benjamin und das enfant terrible der einstigen Pariser Komponistengruppe Les Six, von der es hieß, sie sei die Reaktion gegen die eher persönlich expressive bzw. pittoreske Musik ihrer Vorläufer. In Poulencs Frühwerk waren oft Einflüsse des Café-concert, der Revue und des Zirkus zu erkennen. Andererseits verriet er bald, daß er nicht herzlos war, auch wenn er musikalisch kurzatmig blieb und wie sein älterer Freund Erik Satie dazu neigte, Musik zu schreiben, die aus kurzen, wiederholten Fragmenten bestand. Wie sein anderer musikalischer Mentor Strawinski – der den ersten Verleger für ihn fand – komponierte Poulenc am Klavier, und seine pianistische Geläufigkeit ist den Klavierparts seiner Kammermusik anzumerken. Entsprechend machte ihn seine musikalische Atemnot von Natur aus zu einem Komponisten, dessen Stil der Blasmusik entgegenkam. Doch er mühte sich auch erfolgreich mit mehreren groß angelegten Werken ab, die hundert Jahre nach seiner Geburt ein ebenso breites Publikum erreicht haben wie seine Klavierstücke, Lieder und Musik für Bläser.

Im vorliegenden Fall liefert Poulencs Kammermusik dreizehn Programmpunkte: sechzehn Tracks auf der ersten CD, achtzehn auf der zweiten; alle gehen leicht ins Ohr und bestechen, wenn sie in Serie gehört werden, durch ihre Kontraste. Allerdings werden sie nicht in chronologischer Folge gespielt. Diese Werke, entstanden im Zeitraum von 1918 bis 1962, zwischen Poulencs zwanzigstem und seinem vorletztem Lebensjahr, stammen von einem Komponisten aus wohlhabendem Haus, der immer seinen Unterhalt mit Musik verdient hat. Die Widmungen der dreizehn Werke sind typisch für einen Musiker, der von einem breiten Freundeskreis zutiefst verehrt wurde.

Drei Sonaten für Blasinstrumente allein sind die ältesten vorliegenden Werke. Jede hat drei kurze Sätze: zwei lebhafte und dazwischen ein Andante. Die erste Sonate wurde 1918 für zwei Klarinetten komponiert, die zweite 1922 für Klarinette und Fagott und die dritte ebenfalls 1922 für Horn, Trompete und Posaune.

Im Jahr 1924 arbeitete Poulenc an seinem Trio für Oboe, Fagott und Klavier. Er widmete es Manuel de Falla, dem spanischen Komponisten, der Paris gut kannte und außerdem denselben Londoner Verleger wie Poulenc hatte. Das 1926 in Cannes fertiggestellte Werk war wie alle Musik, die Poulenc über einen längeren Zeitraum beschäftigte, ein Thema, über das er seine Freunde auf dem Laufenden hielt. Er hat das Trio in Briefen an André Schaeffner, André Cœury, Charles Koechlin und Igor Strawinski erwähnt und sich bei letzterem für dessen Rat bedankt. Das Trio, Poulencs erster echter Erfolg auf dem Gebiet der Kammermusik und ein Werk, das seinen jugendlichen Schwung bewahrt hat, wurde anläßlich des Konzerts uraufgeführt, das er mit seinem Freund Georges Auric am 2. Mai 1926 in Paris gegeben hat.

Während die Komposition von umfangreicheren Sätzen wie denen des Trios oft mehrere Jahre in Anspruch nahm, bereiteten kürzere Stücke Poulenc weniger Probleme. Ein solches Stück war die Villanelle für Pikkoloflöte und Klavier, die in Pipeaux 1934 abgedruckt wurde – dem Geistesprodukt der unermüdlichen Australierin Louise Dyer, deren Publikationen bei Oiseau-Lyre Paris sieben ähnliche Bagatellen für Flöte von Pariser Komponisten der damaligen Zeit enthielten.

Das 1932 begonnene Sextett für Klavier und Blasinstrumente lag erst 1939 fertig vor. Seine Grundform ist die gleiche wie die des Trios. Ein Leitthema, das zunächst nur von den Bläsern dargeboten wird, wiederholt sich in allen drei Sätzen. Im zentralen Divertissement rahmen ein lyrischer langsamer Satz und seine abgewandelte Wiederholung einen recht kecken Mittelteil ein. Das Finale schweift chromatisch in viele, unter anderem auch entlegene Tonarten ab, endet jedoch mit zehn Takten in ungetrübtem C-Dur.

Poulenc hat seine beiden Streichersonaten während des Krieges geschrieben. Die erste, eine Sonate für Violine und Klavier, wurde 1942 begonnen, 1943 fertiggestellt und 1944 veröffentlicht. Sie ist dem Andenken des spanischen Dichters Federico García Lorca (1899-1936) gewidmet – einem Opfer des spanischen Bürgerkriegs. Die Uraufführung am 21. Juni 1943 gaben die junge Ginette Neveu und Poulenc in Paris. Zwischen einem “feurigen” Allegro und einem “tragischen” Presto, bei dem Strawinski Pate gestanden hat, erklingt ein Intermezzo, das an Gitarrenmusik erinnert.

Die Sonate für Cello und Klavier wurde 1940 skizziert, aber erst 1948 fertiggestellt. Ihre Uraufführung am 18. Mai 1949 im Salle Gaveau in Paris besorgten der Komponist und Pierre Fournier, einer der Adressaten der Widmung, der außerdem bei der Ausführung des Celloparts eine wesentliche Rolle gespielt hatte. Das macht sich am deutlichsten in der zentralen Cavatine und im tänzerischen Ballabile bemerkbar, doch hat in allen vier Sätzen das Klavier in der Regel Vorrang, während das Cello die Hauptstimme verziert.

Poulencs 1962 entstandene Klarinettensonate ist die zweite einer Reihe von drei Bläsersonaten, die er in den letzten Jahren seines Lebens geschrieben hat. Die Zueignung, die in der Erstausgabe der veröffentlichten Partitur noch fehlt, gilt dem Andenken seines Freundes Arthur Honegger. Das einleitende “Allegro tristamente” ist mit Poulencs vertrauten musikalischen Fingerabdrücken übersät; besonders typisch sind das anfängliche Gruppetto der Klarinette und die rhythmische Akzentuierung des Klaviers sowie der ruhige, gleichmäßige Pulsschlag des wiederholten oktavischen C im Baß, über dem bald die Klarinettenmelodie zum Vorschein kommt. Die Punktierung der zweiten Phrase steht dazu im Kontrast. Das Neben- und Nacheinander der beiden Phrasen treibt den Satz sacht voran. Ein kurzer Blick zurück zur Eröffnung geht einem Abschnitt mit der Angabe “Très calme” voraus, in dem das wiegende Ostinato der Klarinette die Rückkehr zuvor gehörten Materials und ein gedämpftes Ende ankündigt.

Die Klarinette eröffnet die zentrale Romanza mit einem vier Noten langen Motiv und kurzen begleiteten Rezitativ, ehe sie die Hauptmelodie zunächst andeutet und es sich dann darin bequem macht. Die Melodie mit der Bezeichnung “Très doux et mélancholique” steht in geruhsamem g-Moll, auf das mehrere Wechsel der tonalen Perspektive jedesmal zurückkommen. Nostalgische Gefühle spielen keine Rolle im belebten abschließenden Allegro, das in turbulentem C-Dur beginnt und endet.

Die Flötensonate, das älteste der vier Spätwerke Poulencs für Blasinstrumente, wurde zwischen Dezember 1956 und März 1957 in Cannes komponiert. Es ist dem Andenken von Mrs. Emma Sprague Coolidge gewidmet, einer bekannten amerikanischen Mäzenin der Gegenwartsmusik im zweiten und dritten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. Die Uraufführung besorgten Jean-Pierre Rampal und der Komponist bei den Strasbourger Musikfestspielen am 18. Juni 1957.

“Malincolico” verweist auf die Wehmut, die Poulenc sogar einem Allegro einflößen konnte. Das vorliegende entfaltet sich in e-Moll und in dreiteiliger Form. Die Eröffnung und deren modifizierte Reprise stützen sich auf das Anfangsthema: Sein Gruppetto über vier Töne, das im ersten Teil nicht weniger als fünfzehnmal wiederkehrt, begünstigt als vereinheitlichendes Element den melodischen Fluß. Ein punktierter Rhythmus kennzeichnet den kontrastierenden zweiten Abschnitt mit der Bezeichnung “Un peu plus vite”. Er beginnt in F-Dur und wechselt zu anderen Tonarten über, ehe eine typische dominante Tredezime die Reprise des ersten Abschnitts vorbereitet, die allerdings in a-Moll einsetzt. Ein kurzer Rückblick auf das übrige Material vor dem Gruppetto schwankt zwischen Dur und Moll und kommt in E-Dur zur Ruhe.

Die gemächliche Gangart der zentralen Cantilena wird durch zwei Anfangstakte vorbereitet, ehe sich eine typisch nostalgische Melodie in b-Moll entspinnt. Von ein paar eintaktigen Ritornellen abgesehen behält die Flöte fast den ganzen Satz hindurch die Melodie fest in der Hand und das Klavier läßt nur selten seine Rolle als Begleitinstrument hinter sich. Nach mehreren Abstechern in andere Tonalitäten kehrt die Eröffnungsmelodie in der ursprünglichen Tonart zurück und verweilt vor ihrem Abschluß in Moll einen Augenblick lang in Dur.

Das Finale steht in A-Dur, doch seine kurzen thematischen Motive rutschen nach Art eines Kaleidoskops in viele andere Tonalitäten ab. Sein abrupter Verlauf wird einmal durch eine kurzlebige Phrase mit der Bezeichnung “Mélancolique” unterbrochen – wieder ein Blick zurück; im Anschluß dran wird das “Presto giocoso” wiederaufgenommen und bis zum abschließenden Durakkord durchgehalten.

Poulencs 1962 komponierte Oboensonate, die letzte seiner drei Holzbläsersonaten, ist dem Andenken Serge Prokofjews gewidmet. Die “Paisiblement” überschriebene einleitende Élégie beginnt mit dem hohen D der Oboe, dem ersten einer vier Töne langen einführenden Phrase. Was folgt, ist genauso typisch Poulenc: eine stetige Baßlinie unter pulsierenden Klängen, mit denen das Klavier das G-Dur-Klagelied der Oboe unterstützt, eine Linie, die durchweg von dem Gruppetto geprägt ist, mit dem sie beginnt. Anschließend initiiert das Klavier ein zweites eher lyrisches Thema in Es-Dur, das bald von der Obe übernommen wird. Ein drittes Thema mit einem doppelt punktierten rhythmischen Motiv bildet den Höhepunkt des Satzes, ehe die friedliche Reprise gehabten Materials und ein ruhiger Abschluß folgen.

Das auf B-Dur gegründete zentrale Scherzo legt eine lebhafte 6/8-Bewegung vor, in der punktierte Rhythmen durch glattere Motive ausgeglichen werden und ein Arpeggio rhythmisch verändert wird, so daß es auf und ab schaukelt. Ein langsamerer, eher lyrischer Mittelteil steigert sich im Klavierpart zu einem Höhepunkt und verebbt dann allmählich zum Dominantschluß, ehe das Scherzo im Toccata-Stil ohne Ruhepause bis zum jähen Ende weitergeht.

Die mit der Anweisung “Très calme” versehene abschließende Déploration sinnt in as-Moll über ein choralartiges Thema nach, das vom Klavier verkündet wurde. Es folgt eine “Strophe” in c-Moll, und dann singt die Oboe das ursprüngliche Klagelied über dem Achtelpuls des Klaviers mit der Bezeichnung “monotone”. Es kommt zu mehreren Verschiebungen der Tonalität, bevor die letzte Partiturseite die grundsätzlich traurige Stimmung des Satzes perfekt macht.

Die Élégie für Horn und Klavier wurde 1957 zum Andenken an den bekannten englischen Hornisten Dennis Brain komponiert. Sie stellt die kurze Liebäugelei eines eingefleischten tonalen Komponisten mit der Zwölftontechnik dar. Poulenc hatte zur Zeit der Gruppe Les Six Schönberg kennengelernt und mit lebhaftem Interesse – das er all seinen Zeitgenossen entgegenbrachte – die Entwicklung seiner Musik verfolgt, ohne je in Versuchung zu geraten, ihm nachzueifern. Er war von Schönbergs Schaffen fasziniert und konnte es bewundern, doch blieb es seiner eigenen musikalischen Ausformung und Persönlichkeit völlig fremd. In den Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg erfolgte ein Wiederaufleben der Zwölftontechnik, und “Serialismus” kam als musikalisches Schlagwort in Mode. Poulenc verfolgte das alles nur als Beobachter. Seiner eigenen Musik erlaubte er keine größere Annäherung als jene der Élegie, die mit der eindeutigen Formulierung eines Zwölftonthemas durch das Solohorn beginnt. Ein kurzes, stark akzentuiertes “Agitato molto” trennt es von der anderen eigenständigen Zwölftonmonodie des Klaviers und vom transponierten Wiedereinsetzen der erregten Grundstimmung. Aber das alles ist nur Vorspiel. Die eigentliche Elegie hält einen sanften Begleitpuls aus Achteln im 3/4-Takt durch. Darüber zerfällt das weitschweifige Melisma des Solohorns in klar abgegrenzte Phrasen, ohne je auf die anfängliche Tonreihe zurückzukommen. Nach einer flüchtigen Erinnerung an die Erregung schwingt sich die Elegie mit gelegentlicher und unerwarteter harmonischer Schroffheit zu einem Höhepunkt auf, von dem sie allmählich wieder zurückweicht. Die letzte Äußerung des Horns ist eine weitere unabhängige Zwölftonreihe, die auf dem Leitton des C-Dur-Akkords ausklingt, auf den sie gebettet ist. Poulencs Élegie, die ihn ebensowenig zum Zwölftöner qualifiziert wie Rameau, in dessen Musik auch die eine oder andere Zwölftonreihe zu finden ist, bleibt im wesentlichen tonal.

Felix Aprahamian © 1999
Deutsch: Anne Steeb/Bernd Müller