When we refer to ‘piano’ concertos we must remember that most people in those days did not own a fortepiano, but rather a harpsichord, and in Salzburg in 1776 there were reportedly no fortepianos at all. So it was certainly on the harpsichord that Wolfgang, and also Nannerl, gave the first performances of his Concerto in B flat major, K238. It would have been the perfect vehicle for showing off the talents of the young players while providing entertainment for the public who attended concerts at court and in salons during carnival and Lent. Containing nothing too demanding on the listener, it nevertheless is completely captivating. I admit to having once considered the early concertos not very interesting, but having now taken this piece into my repertoire I have changed my mind completely.

Scored for keyboard, strings, two oboes and two horns, the first movement is marked Allegro aperto, an adjective that the young Mozart also used in various concertos for violin, flute and oboe. Literally translating as ‘open’ or ‘frank’, we are not sure of the exact meaning of this indication, but surely it denotes radiance and gaiety. There are no undercurrents, nothing ambiguous. In the middle section we do encounter some swirling arpeggios and broken octaves in minor mode, accompanied by plaintive intervals on the oboe, but the episode doesn’t last long. A light though rapid touch on the keyboard is necessary for the proper execution of this music and is not so easy to produce on the modern piano. Although Mozart left a twelve-bar cadenza, it is rather meagre to say the least, so I have written my own.

In the slow movement (Andante un poco adagio) the two oboes are replaced by two flutes to give it a sweeter, more gentle character. The music is simple, varied slightly on its return in a different key; yet I find in it a quality that seems to be the germ for the famous Andante of his C major Piano Concerto, K467, which he wrote some nine years later. There are obvious similarities: the use of a triplet accompaniment, muted strings, and a pizzicato bass. Already we get a glimpse at what became one of his strongest characteristics: the ability to switch between minor and major in a flash, providing a marvellous effect of chiaroscuro.

The Rondeau finale is pure dance music, with elegant rhythmic gestures from both orchestra and soloist. The flutes are dispensed with and the oboes return, but the real interest here is given to the horns, who have a chance to shine. It reminds me of something Mozart apparently said to his sister in 1764 at eight years of age. They were in London and their father was gravely ill and needed silence in the house. Unable thus to play the clavier, Wolfgang sat about composing his first symphony, and as he went along he told Nannerl to remind him ‘to give the horns something worthwhile to do’. Their joyful contributions add a lot of character to this finale. So does the middle section in G minor which is the one really virtuoso page of the concerto, requiring some very nimble Baroque-style fingerwork. The repeated broken octaves in the right hand remind me of François Couperin’s harpsichord piece Le Réveil-matin (‘The alarm clock’). The short cadenza in this case is Mozart’s own, although the Eingänge (brief cadenzas where the music stops on a pause) must be improvised by the performer. Something in the nature of this rondo theme prompted me to take it slightly under tempo for its final statement by the solo piano, thus giving time to ornament it more fully, before the orchestra regains the momentum. The end is unassuming, giving the last smile to the oboe.

from notes by Angela Hewitt © 2011

Quand on écrit concertos pour «piano», il faut bien se souvenir que, en ce temps-là, la plupart des gens ne possédaient pas un pianoforte mais un clavecin et que le Salzbourg de 1776 ne comptait, dit-on, pas un seul pianoforte. Ce fut donc certainement au clavecin que Wolfgang, mais aussi Nannerl, exécuta d’abord son Concerto en si bémol majeur K238—parfait pour faire étalage des talents de ses jeunes interprètes, il pouvait aussi divertir le public qui assistait aux concerts donnés à la cour et dans les salons pendant le carnaval et le Carême. Sans rien de trop exigeant pour les auditeurs, il n’en est pas moins absolument captivant. J’avoue avoir toujours considéré ces premiers concertos comme sans grand intérêt, mais maintenant que j’ai intégré celui-ci à mon répertoire, j’ai complètement changé d’avis.

Écrit pour clavier, cordes, deux hautbois et deux cors, le premier mouvement est marqué Allegro aperto, un aperto que le jeune Mozart utilisa également dans divers concertos pour violon, flûte et hautbois. Il se traduit littéralement par «ouvert» ou «franc» et, si l’on ignore le sens exacte de cette indication, tout porte à croire qu’elle dénote l’éclat et la gaieté. Rien n’est sous-jacent, ambigu. Dans la section centrale, des remous d’arpèges et des octaves brisées en mode mineur sont escortés d’intervalles plaintifs au hautbois, mais cet épisode ne fait pas long feu. Un toucher léger mais rapide est nécessaire à sa bonne exécution, ce qui n’a rien de facile sur un piano moderne. La cadenza de douze mesures écrite par Mozart étant, à tout le moins, maigrichonne, j’ai rédigé la mienne.

Dans le mouvement lent (Andante un poco adagio), les deux hautbois cèdent la place à deux flûtes pour plus de douceur, de tendresse. La musique est simple, légèrement variée, à sa reprise, dans une tonalité différente; j’y décèle pourtant une qualité qui m’apparaît comme le germe du fameux Andante du Concerto pour piano en ut majeur K467 écrit quelque neuf ans plus tard. Il y a d’évidentes similitudes: l’usage d’un accompagnement en triolets, les cordes avec sourdine et une basse en pizzicato. On entr’aperçoit déjà ce qui allait être l’une des plus fortes griffes de Mozart: son aptitude à basculer en un éclair du mineur au majeur, pour un merveilleux effet de chiaroscuro.

Le Rondeau finale est une pure musique de danse, avec d’élégants gestes rythmiques venant de l’orchestre comme du soliste. Les flûtes sont évincées au profit des hautbois, mais tout l’intérêt vient des cors, qui ont l’occasion de briller. Cela me rappelle ce que Mozart aurait dit à sa sœur en 1764, à l’âge de huit ans. Il était avec elle à Londres et son père, gravement malade, avait besoin de silence. Ne pouvant toucher le clavier, Wolfgang s’assit à composer sa première symphonie et, chemin faisant, pria Nannerl de lui redire «de donner aux cors quelque chose qui vaille le coup». Leurs joyeuses contributions apportent beaucoup au caractère de ce finale. Il en va de même pour la section médiane en sol mineur, qui est l’unique page vraiment virtuose du concerto et requiert un travail des doigts tout en souplesse, en style baroque. Les octaves brisées répétées à la main droite me remémorent Le Réveil-matin pour clavecin de François Couperin. La courte cadenza est, cette fois, bien de Mozart, encore que les Eingänge (brèves cadences là où la musique s’arrête sur un point d’orgue) doivent être improvisés par l’interprète. Quelque chose dans la nature de ce thème de rondo m’a poussée à la prendre un peu en deçà du tempo pour son exposition finale au piano solo, ce qui m’a donné le temps de l’orner plus complètement, avant que l’orchestre ne retrouve son élan. La conclusion, modeste, laisse le dernier sourire au hautbois.

extrait des notes rédigées par Angela Hewitt © 2011
Français: Hypérion

Wenn die Rede von „Klavierkonzerten“ ist, sollte man sich der Tatsache bewusst sein, dass die meisten Menschen zu jener Zeit eher ein Cembalo als ein Hammerklavier besaßen und dass es in Salzburg im Jahr 1776 Berichten zufolge sogar überhaupt keine Hammerklaviere gegeben haben soll. So kann man also mit einiger Sicherheit davon ausgehen, dass Wolfgang—und auch Nannerl—die ersten Aufführungen seines Konzerts in B-Dur KV238 auf einem Cembalo gaben. Dieses Werk eignete sich ideal dafür, das Talent der beiden jungen Musiker unter Beweis zu stellen und gleichzeitig das Publikum, das während der Karnevals- und Fastenzeit bei Hof und in Salons Konzerte besuchte, zu unterhalten. Zwar stellt es keine besonders hohen Ansprüche an die Zuhörer, doch ist es trotzdem absolut fesselnd. Ich muss zugeben, dass ich bis vor Kurzem die frühen Konzerte nie besonders interessant fand, seitdem ich aber dieses Stück eingespielt habe, bin ich völlig anderer Ansicht.

Der erste Satz ist für Tasteninstrument, Streicher, zwei Oboen und zwei Hörner angelegt und mit Allegro aperto bezeichnet—ein Adjektiv, das der junge Mozart auch in verschiedenen Konzerten für Violine, Flöte und Oboe verwendete. Die direkte Übersetzung lautet „offen“ oder „offenherzig“, doch ist die genaue Bedeutung dieser Anweisung nicht klar. Sicherlich drückt sie aber Glanz und Fröhlichkeit aus. Hier gibt es keine Unterströmungen, keine Mehrdeutigkeit. Im Mittelteil erklingen einige umherwirbelnde Arpeggien sowie gebrochene Oktaven in Moll, die von klagenden Intervallen der Oboe begleitet werden, doch ist diese Passage nicht von langer Dauer. Für den Solisten ist hier ein leichter und gleichzeitig rascher Anschlag notwendig, um diese Musik richtig auszuführen, was an einem modernen Klavier gar nicht so einfach ist. Obwohl Mozart eine zwölftaktige Kadenz hinterlassen hat, fällt diese etwas mager aus, um es gelinde auszudrücken; ich habe daher selbst eine geschrieben.

In dem langsamen Satz (Andante un poco adagio) sind die beiden Oboen durch zwei Flöten ersetzt, was für eine sanftere Atmosphäre sorgt. Die Musik ist schlicht, bei ihrer Rückkehr in einer anderen Tonart etwas variiert, doch findet sich hier meiner Ansicht nach eine Eigenschaft, die der Keim für das berühmte Andante des C-Dur-Klavierkonzerts (KV467) zu sein scheint, das er rund neun Jahre später komponierte. Es fallen einige offensichtliche Parallelen auf: Begleitung in Triolen, gedämpfte Streicher und ein Pizzicato-Bass. Schon hier kann man einen Einblick in eines seiner späteren Charakteristika erhaschen: seine Fähigkeit, in Blitzesschnelle zwischen Dur und Moll hin- und herzuwechseln und damit einen hervorragenden Chiaroscuro-Effekt zu erzeugen.

Das Finale, ein Rondeau, ist reine Tanzmusik mit eleganten rhythmischen Gesten von sowohl dem Orchester als auch dem Solisten. Die Oboen kehren zurück (und auf die Flöten wird verzichtet), doch von eigentlichem Interesse sind hier die Hörner, die eine besonders glanzvolle Partie haben. Dabei fühle ich mich an etwas erinnert, das Mozart 1764 im Alter von acht Jahren zu seiner Schwester gesagt haben soll. Sie hielten sich in London auf und ihr Vater war ernsthaft krank und ruhebedürftig. Wolfgang konnte also nicht Klavier spielen und arbeitete stattdessen an seiner ersten Symphonie. Nannerl musste neben ihm sitzen und abschreiben und dabei sagte er: „Erinnere mich, dass ich dem Waldhorn was Rechts zu thun gebe!“ Die fröhlichen Beiträge der Hörner sorgen im Finale für Stimmung, ebenso der Mittelteil in g-Moll, die einzige wirklich virtuose Passage des Konzerts, die eine besondere barockartige Fingerfertigkeit erfordert. In der rechten Hand gibt es wiederholte gebrochene Oktaven, die mich an das Cembalostück Le Réveil-matin („Die Weckuhr“) von François Couperin erinnern. Die kurze Kadenz in diesem Fall stammt von Mozart selbst, obwohl die Eingänge (kurze Kadenzen, bei denen die Musik pausiert) von dem Ausführenden improvisiert werden müssen. Die Wesensart des Rondothemas hat mich dazu bewogen, es bei der letzten Darstellung durch das Soloklavier etwas langsamer zu nehmen, um es ausführlicher verzieren zu können, bevor das Orchester wieder in Fahrt kommt. Es folgt ein bescheidener Schluss und die Oboe lächelt zuletzt.

aus dem Begleittext von Angela Hewitt © 2011
Deutsch: Viola Scheffel