Giuseppe Martucci (born in Capua in 1856, died in Naples in 1909) lived a short but intense life. He was a pianist of international fame, much admired by Liszt and Rubinstein, as well as a great conductor, a composer, and the Dean of the Liceo Musicale di Bologna where he also taught composition.

Oddly enough, Martucci’s name is mostly associated with a dramatic episode that occurred in Bologna in 1932. To commemorate the twentieth (actually the twenty-third) anniversary of his friend’s death, Toscanini elected to conduct an all-Martucci programme divided between two evenings. Rehearsals went well and dignitaries from Rome were expected to attend this event. But word spread that the maestro would not perform the Fascist Anthem at the opening ceremony, a fact that provoked the ire of the officials and members of the party. A terrible riot ensued during which Toscanini was hurt—an event that hastened his exile from Italy.

Two of the composers that Martucci most promoted as a conductor were his giant contemporaries Brahms and Wagner (it was he who introduced Tristan und Isolde in Italy). No wonder then that his music should be influenced by theirs; Brahms for strictness of form mostly, and Wagner for colourful orchestration and the particular use of chromaticism and appoggiaturas. Nonetheless, such influences on Martucci’s music certainly do not impair its originality, its personality, or its definite Italian flavour. What does make Martucci’s output an oddity is the fact that this Italian composer wrote no operas (a well-established Italian tradition) but completed two superb large-scale symphonies and several Lieder—both very un-Italian means of expression. He also wrote a piano concerto, several short pieces for orchestra, many transcriptions and a great amount of chamber and instrumental music, mostly for the piano.

The delicate Notturno is the first of Four Short Pieces for Orchestra Op 70. It has been the most performed of Martucci’s scores. Originally written for the piano in 1888, the orchestral transcription readily eclipsed the first version, giving it richer colours and contrasts. It is a poetic and communicative piece, more so than any other of Martucci’s work.

La Canzone dei Ricordi (‘The Song of Remembrance’) bears no opus number, but we know that Martucci was working on it from 1886. It is interesting to note that Mahler had then just completed his Songs of a Wayfarer, while his other song cycles were to come much later. It must also be said that to compose a cycle for voice and orchestra was an act of audacity in nineteenth-century Italy, where the main output for the voice was concerned almost solely with the stage and where vocal chamber music was neglected.

Although divided into seven parts, La Canzone dei Ricordi presents an admirable homogeneity and unity of inspiration. It expresses nostalgic dreams, regrets of days and things long gone. The first section can be considered as an introduction: the dreamer recalls … It is as delicate in its inspiration as in its orchestration. The second section evokes the colourful song of a stream: rippling muted strings suggest the continuous murmur of water, and playful woodwinds the soft breeze. The third, twice interrupted by the same refrain, is a serenade. Pizzicato strings and lively arabesques on the clarinet allude to a strumming guitar. The fourth is a sort of barcarolle portraying a little boat as it drifts away upon the sea, while Halcyons soar in the sky and Sirens sing mysterious songs. The fifth relates how, for a brief moment, the murmur of the breeze carries back lost illusions and deceptive hope for love. The sixth part is the longest and starts in a restless and sombre mood: the woods were witness to betrayed love. There is a sudden moment of brightness when a calmer section follows, taking over the melody stated by the orchestra at the very beginning of the piece. This is a song of regret and, at the same time, of thankfulness. The seventh part concludes the cycle in the same way it began, as the dreamer visualizes once more those lost days of love.

The relationship between Martucci and Respighi was one of teacher and pupil. Born in Bologna in 1879, Respighi frequented its Liceo Musicale and attended Martucci’s composition class from which he eventually graduated. In the meantime he also spent a brief but fruitful period studying with Rimsky-Korsakov. If the latter had a great influence on Respighi’s handling of the orchestral palette, under Martucci he was able to develop his gift for easy-flowing melody, which is the stamp of genuine Italian style. His output was considerable: chamber, vocal and symphonic music, several symphonic poems, transcriptions, concertos and, of course, operas.

In setting to music a poem by Shelley one would expect from the composer an outburst of exalted romanticism. Not so. Respighi was keenly aware of the predicament that the musical world faced at the turn of the century. The Verdian melodrama was giving way to the Verismo and Wagner’s influence was still considerable, while new musical trends were coming in from France and from Russia. Respighi observed, pondered, and gradually emerged as a composer in his own right.

Respighi composed Il Tramonto (‘The Sunset’) in 1918, two years after his first great achievement, The Fountains of Rome. It was a success from the start. It is written for mezzo-soprano and string quartet (with the addition of a double-bass part) or string orchestra, and it was in the latter form that it was premiered in Rome at the Accademia di Santa Cecilia, with Bernardino Molinari conducting and Chiarina Fino Savio, to whom the work is dedicated, singing the solo part.

The whole work is pure musical poetry, intense in its expressiveness, crystalline yet colourful in its instrumentation, and delicate in its harmonies. But whether the mood is tender, contemplative, joyful or sad, the composer’s imagination never strays from the links of the basic conception. The main idea is masterfully unfolded and moulds the music to the very end.

The link between the two vocal works presented here is their obvious craftsmanship and immediate power of captivation. Both are written by masters of the genre; they both offer easy-flowing, yet never banal, melodies, and they both tell of forsaken love—one through betrayal, the other through death.

Alfredo Bonavera © 1988

Giuseppe Martucci (Capoue, 1856–Naples, 1909) eut une vie brève mais intense. Pianiste de renommée internationale, admiré de Liszt et de Rubinstein, ce grand chef d’orchestre fut aussi compositeur et doyen du Liceo Musicale di Bologna, où il enseigna la composition.

Curieusement, son nom demeure surtout attaché à un épisode dramatique survenu à Bologne en 1932. Désireux de commémorer le vingtième (en fait, le vingt-troisième) anniversaire de la mort de son ami, Toscanini choisit de lui consacrer un programme, sur deux soirées. Les répétitions se passèrent bien et des dignitaires de Rome devaient venir assister à l’événement. Mais le bruit se répandit que le maestro ne jouerait pas l’hymne fasciste à la cérémonie d’ouverture, déclenchant le courroux des officiels et des membres du parti. Une terrible émeute s’ensuivit, durant laquelle Toscanini fut blessé—ce qui précipita son exil d’Italie.

Comme chef d’orchestre, Martucci promut nombre de compositeurs, à commencer par ses deux géants contemporains Brahms et Wagner (ce fut lui qui fit découvrir Tristan und Isolde aux Italiens), dont la musique influença naturellement la sienne—Brahms surtout pour la rigueur formelle, Wagner pour l’orchestration colorée et l’usage singulier du chromatisme et des appogiatures. Autant d’influences qui n’amoindrissent cependant en rien son originalité, sa personnalité et son italianité. Martucci se démarque par le fait que, compositeur italien, il n’écrivit aucun opéra (une tradition italienne pourtant bien ancrée) mais acheva deux splendides symphonies d’envergure et plusieurs lieder—deux médias tout sauf italiens. Il rédigea en outre un concerto pour piano, plusieurs courtes pièces pour orchestre et maintes transcriptions, sans oublier force musiques de chambre et pages instrumentales, surtout pianistiques.

Le délicat Notturno, la première des Quatre pièces brèves pour orchestre op. 70, fut sa partition la plus jouée. Elle fut d’abord conçue pour piano (1888), mais la transcription orchestrale, plus colorée et contrastée, éclipsa sans peine cette première version. Voilà un morceau bien plus poétique et communicatif que tout ce que Martucci écrivit jamais.

La Canzone dei Ricordi («Le chant du souvenir») est sans numéro d’opus, mais nous savons que Martucci y travailla à partir de 1886—Mahler venait alors d’achever ses Chants d’un compagnon errant (ses autres cycles de lieder viendront bien plus tard). Rappelons d’ailleurs que composer un cycle pour voix et orchestre était un geste audacieux dans l’Italie du XIXe siècle, où l’on écrivait presque toujours des airs scéniques et où la musique de chambre vocale était délaissée.

Ses sept parties n’empêchent pas La Canzone dei Ricordi de présenter une homogénéité et une unité d’inspiration admirables. Elle dit les rêves nostalgiques, les regrets des jours et des choses de longtemps révolus. La première section, aussi subtile d’inspiration que d’orchestration, sert d’introduction: le rêveur se souvient … La deuxième évoque le chant vif d’un ruisseau: d’ondoyantes cordes con sordini et d’enjoués bois suggèrent les unes l’inlassable murmure de l’eau, les autres la douce brise. La troisième, interrompue deux fois par le même refrain, est une sérénade, des cordes en pizzicato et d’allègres arabesques à la clarinette insinuant un raclement guitaresque. La quatrième, une sorte de barcarolle, dessine un petit bateau dérivant sur la mer, tandis que les alcyons s’élèvent dans le ciel et que les sirènes chantent de mystérieux chants. La cinquième raconte comment, l’espace d’un instant, le murmure de la brise ramène les illusions perdues et un fallacieux espoir d’amour. La sixième, la plus longue, s’amorce dans un climat sombre et agité: les bois furent témoins de l’amour trahi. Un brusque moment de clarté apparaît ensuite, lorsqu’une section apaisée reprend la mélodie énoncée par l’orchestre en tout début de morceau. C’est ensemble un chant de regret et de gratitude. La septième partie termine le cycle comme il avait commencé: le rêveur visualise une fois encore les jours d’amour perdus.

Martucci et Respighi eurent une relation de maître à élève. Né à Bologne en 1879, Respighi fréquenta le Liceo Musicale et la classe de composition de Martucci, dont il sortira diplômé. Entre-temps, il connut une brève mais intense période d’études avec Rimsky-Korsakov. Si ce dernier influença beaucoup son traitement de la palette orchestrale, Martucci lui permit de développer son don pour la mélodie coulante, sceau de l’authentique style italien. Sa production fut considérable: musique de chambre, pièces vocales et symphoniques, plusieurs poèmes symphoniques, transcriptions, concertos et, naturellement, opéras.

On s’attendrait à ce qu’un poème de Shelley appelle une effusion musicale toute de romantisme exalté. Pas tant que ça. Respighi était profondément conscient des difficultés rencontrées par le monde musical au tournant du siècle. Le mélodrame verdien cédait la place au Verismo et l’influence wagnérienne était encore énorme. De nouveaux courants arrivaient de France et de Russie. Respighi observa, réfléchit et, peu à peu, s’affirma comme un compositeur à part entière.

Respighi composa Il Tramonto («Le coucher de soleil») en 1918, deux ans après sa première grande œuvre, Les fontaines de Rome. Ce fut un succès immédiat. La pièce est écrite pour mezzo-soprano et quatuor à cordes (avec ajout d’une partie de contrebasse) ou orchestre à cordes—ce fut sous cette forme-là qu’elle fut créée à Rome, à l’Accademia di Santa Cecilia, avec Bernardino Molinari à la baguette et Chiarina Fino Savio (dédicataire de l’œuvre) pour la partie soliste.

Ce n’est là que poésie musicale, avec une intense expressivité, une instrumentation cristalline mais pittoresque et des harmonies délicates. Pourtant, que le climat soit à la tendresse, à la contemplation, à la joie ou à la tristesse, l’imagination du compositeur ne s’éloigne jamais des chaînons de la composition basique. L’idée principale, magistralement déployée, façonne la musique jusqu’à la toute fin.

Les deux œuvres vocales présentées ici sont liées par leur évidente maîtrise et par leur immédiat pouvoir de fascination. Écrites par des maîtres du genre, elles recèlent des mélodies coulantes, quoique jamais banales, et disent l’amour abandonné—l’une par la trahison, l’autre par la mort.

Alfredo Bonavera © 1988
Français: Hypérion

Giuseppe Martucci (geboren 1856 in Capua, gestorben 1909 in Neapel) lebte ein kurzes, aber intensives Leben. Er war ein Pianist von internationalem Rang, stark bewundert von Liszt und Rubinstein, sowie ein großartiger Dirigent, Komponist und Rektor des Liceo Musicale di Bologna, wo er auch Kompositionsunterricht gab.

Merkwürdigerweise assoziiert man Martuccis Name meistens mit einem 1932 in Bologna stattgefundenen dramatischen Ereignis. Zur Würdigung des zwanzigsten (eigentlich dreiundzwanzigsten) Todestages von Martucci entschied sich Toscanini, ein auf zwei Abende verteiltes Programm zu dirigieren, das ausschließlich Martuccis Werken gewidmet war. Die Proben liefen gut, und man erwartete zu diesem Ereignis den Besuch von Prominenten aus Rom. Aber es verbreitete sich die Nachricht, der Maestro würde bei der Eröffnungszeremonie nicht die Giovinezza [Triumphhymne der Nationalen Faschistischen Partei] spielen, eine Tatsache, die den Zorn der Beamten und Parteimitglieder erregte. Ein schrecklicher Aufruhr entstand, der Toscanini verletzte—und seine Auswanderung aus Italien beschleunigte.

Zu den Komponisten, die Martucci als Dirigent am meisten förderte, gehörten die zwei zeitgenössischen Giganten Brahms und Wagner (Martucci war es auch, der Tristan und Isolde in Italien einführte). Kein Wunder also, dass seine Musik von deren beeinflusst wurde; von Brahms hauptsächlich hinsichtlich der Formenstrenge und von Wagner aufgrund der farbenreichen Orchestrierung und des besonderen Einsatzes der Chromatik und ornamentalen Vorschläge. Allerdings minderten solche Einflüsse unbedingt nicht die Originalität von Martuccis Musik, ihre Eigenheit oder ihre eindeutig italienische Färbung. Martuccis Werkliste sträubt sich gegen gewisse Erwartungen, schrieb dieser italienische Komponist doch anstatt Opern (eine weit verbreitete italienische Tradition) zwei hervorragende groß angelegte Sinfonien und diverse Lieder—letztgenannte Gattungen waren den Italienern sehr fremde Ausdrucksformen. Er komponierte auch ein Klavierkonzert, verschiedene kurze Stücke für Orchester, viele Transkriptionen und eine große Anzahl an Kammermusikwerken und Stücken für einzelne Instrumente, die letztgenannten Kompositionen hauptsächlich für Klavier.

Das delikate Notturno ist das erste von Vier kurzen Stücken für Orchester op. 70, die am häufigsten aufgeführte Partitur Martuccis. Ursprünglich 1888 für Klavier geschrieben übertraf die an Farben und Kontrasten reichere Bearbeitung für Orchester die erste Fassung mühelos. Das Notturno ist ein poetisches und kommunikatives Stück, und das stärker als irgendein anderes Werk Martuccis.

La Canzone dei Ricordi („Das Lied zum Andenken“) wurde mit keiner Opusnummer versehen, aber man weiß, dass Martucci daran seit 1886 arbeitete. Interessanterweise hatte Mahler gerade seine Lieder eines fahrenden Gesellen abgeschlossen, und die anderen Liederzyklen sollten erst viel später folgen. Man muss auch darauf hinweisen, dass die Komposition eines Zyklus für Gesang und Orchester im Italien des neunzehnten Jahrhunderts ein verwegenes Unterfangen war, wo doch mit nur wenigen Ausnahmen alle Gesangswerke für die Bühne entstanden und vokale Kammermusik fast völlig vernachlässigt wurde.

Zwar ist La Canzone dei Ricordi in sieben Abschnitte unterteilt, zeichnet sich aber durch eine bewundernswerte Homogenität und Einfallslogik aus. Das Lied schwelgt in nostalgischen Träumen und im Bedauern über längst vergangene Tage und Dinge. Der erste Abschnitt kann als eine Einleitung interpretiert werden: Der träumende Mensch erinnert sich … Dieser Abschnitt ist durch sowohl graziöse Einfälle als auch zarte Orchestrierung gekennzeichnet. Der zweite mahnt an das lebhafte Geräusch eines Wasserlaufs. Dahinrieselnde gedämpfte Streicher legen das fortwährende Plätschern von Wasser, und die spielerischen Holzbläser die sanfte Brise, nahe. Der dritte, zweimal vom gleichen Refrain unterbrochene Abschnitt ist eine Serenade. Pizzicato spielende Streicher und lebhafte Arabesken auf der Klarinette ahmen eine klimpernde Gitarre nach. Der vierte Abschnitt ist eine Art Barcarolle, die ein kleines, aufs Meer hinaustreibendes Boat darstellt, während Eisvögel am Himmel schweben und Sirenen mysteriöse Lieder singen. Der fünfte erzählt, wie die flüsternde Brise für einen kurzen Augenblick verlorene Illusionen und trügerische Hoffnung auf Liebe in Erinnerung ruft. Der sechste ist der längste und beginnt in einer ruhelosen und düsteren Stimmung: Der Wald war Zeuge betrogener Liebe. Mit dem darauf folgenden ruhigeren Abschnitt hellt sich das Geschehen plötzlich für einen Moment auf, wobei die ganz zu Beginn des Stückes vom Orchester vorgestellte Melodie wieder aufgenommen wird. Das ist ein Lied des Bedauerns und gleichzeitig der Dankbarkeit. Der siebente Abschnitt beendet den Zyklus, so wie er begann, d. h. mit dem träumenden Menschen, der sich noch einmal an jene verflossene Liebestage erinnert.

Martucci und Respighi kannten sich in einem Lehrer-Schülerverhältnis. Der 1879 in Bologna geborene Respighi studierte am Liceo Musicale der Stadt, wo er an Martuccis Kompositionsunterricht teilnahm und später einen Abschluss erhielt. Gleichzeitig verbrachte Respighi auch eine kurze, aber fruchtbare Zeit mit Studien bei Rimski-Korsakow. Zwar übte der Letztgenannte einen großen Einfluss auf den Umgang mit der Orchesterpalette aus, unter Martucci konnte Respighi aber sein Talent für frei fließende Melodien, Zeichen eines typisch italienischen Stils, entwickeln. Respighis Œuvre war beachtlich: Kammermusik, Vokalwerke und Sinfonien, diverse sinfonische Dichtungen, Transkriptionen, Konzerte für Soloinstrumente und Orchester sowie, selbstverständlich, Opern.

Bei der Vertonung eines Gedichts von Shelley würde man von dem Komponisten einen Ausbruch exaltierter Romantik erwarten. Falsch geraten. Respighi war sich sehr wohl der Zwangslage bewusst, der sich die musikalische Welt zur Jahrhundertwende ausgesetzt sah. Das Melodrama Verdis räumte dem Verismus das Feld, und Wagners Einfluss war noch immer beachtlich. Neue musikalische Tendenzen strömten aus Frankreich und Russland ein. Respighi beobachtete, überlegte und tauchte allmählich als ein eigenständiger Komponist auf.

Respighi komponierte 1918 Il Tramonto („Der Sonnenuntergang“), zwei Jahre nach seiner ersten großen Errungenschaft, Le fontane di Roma. Il Tramonto erntete von Anfang an großen Beifall. Das Werk wurde für Alt und Streichquartett (plus Kontrabass) oder Streichorchester komponiert. Die Uraufführung erklang in der Orchesterfassung, in Rom an der Accademia di Santa Cecilia, wobei Bernardino Molinari dirigierte und Chiarina Fino Savio, der das Werk gewidmet ist, die Solostimme sang.

Das ganze Werk ist reine musikalische Poesie, intensive Ausdruckskraft, kristallen und doch farbig in seiner Instrumentierung, harmonisch delikat. Doch ungeachtet, ob die Stimmung nun sanft, nachdenklich, freudevoll oder traurig ist, entfernt sich der kreative Impuls des Komponisten niemals weit von den Fäden des Grundkonzepts. Der Hauptgedanke wird gekonnt entfaltet und formt die Musik bis zu ihrem Abschluss.

Alfredo Bonavera © 1988
Deutsch: Elke Hockings