Malcolm Williamson (1931–2003) was one of many Australian creative artists who relocated to Britain in the mid-twentieth century, yet few expatriates were able to match the level of success that he achieved abroad. Within a decade of settling in London he had established a reputation as one of the most gifted and prolific composers of his generation and was commonly referred to in the 1960s as the ‘most commissioned composer in Britain’. His stature as a leading figure within the British music scene was publicly acknowledged in 1975 when he was appointed to the esteemed post of Master of the Queen’s Music in succession to Sir Arthur Bliss. Although he lived most of his life in England and drew on various European and British musical influences, Williamson maintained what he identified as a ‘characteristically Australian’ style of composition, stating in the 1960s: ‘Most of my music is Australian in origin … not [inspired by] the bush or the deserts, but the brashness of the cities, the sort of brashness that makes Australians go through life pushing doors marked “pull”.’ Indeed, the ‘forcefulness’, ‘brashness’ and ‘direct warmth of approach’ that Williamson recognized as distinctively Australian qualities are some of the elements that are most characteristic of his personal musical language. While encompassing a broad stylistic range, or—as Williamson preferred to call it—a variety of different ‘densities’, it is the forthright ebullience and emotional directness of his music that sets it apart from that of most other composers who were active in Britain, Europe and Australia in the latter half of the twentieth century.

Born in Sydney, Williamson began playing the piano and composing at an early age and took lessons with the Russian émigré pianist Alexander Sverjensky from the age of twelve. Three years later he was awarded a full scholarship to study the piano, French horn and violin at the New South Wales State Conservatorium, where he met and began composition lessons with its Director, Eugene Goossens. Although Williamson later came to the realization that the training he received in Australia was of a standard equal to the finest offered in the world, his studies under Goossens inspired him to seek further study abroad, and after a trial visit to London with his family in 1950, he settled there permanently in 1953. Soon thereafter he commenced lessons with Elisabeth Lutyens, a pioneer of serial composition in England, and Erwin Stein, a former pupil of Schoenberg and friend of Benjamin Britten. Not surprisingly, Williamson’s compositions from this period show an adherence to serial methods; however, there were a number of other formative influences that encouraged him to modify his compositional approach in the search for a more inclusive idiom.

Williamson’s conversion to Roman Catholicism in 1953 led to an intensive study of the music of the Middle Ages and pre-Reformation, in particular the music of English composer John Dunstable, and he also developed what would become a lifelong affinity with the religious music and theories of fellow Catholic composer Olivier Messiaen. Other stylistic influences came from the positions of employment that Williamson undertook during the mid- to late 1950s, including working as a piano teacher, a music proofreader, a vocal coach, a nightclub pianist and as a church organist. Each of these musical experiences left its mark on his mature compositional voice and inspired him to develop an inclusive musical language that could communicate instantly with listeners of all ages and backgrounds. Consequently, he began to modify his approach to serialism, which he now viewed as an ‘exclusive’ idiom, and to write music in a language that was fundamentally tonal, and above all lyrical.

During his first decade in Britain Williamson focused primarily on composing music for the instruments he could play himself, producing a large number of solo and concertante works for piano and organ. His ability to perform his own keyboard works (including the piano parts of some of the works on the present recording) was an important component in his rise to prominence as a composer and performer during the 1950s and early 1960s, and he was successful in gaining the attention of influential individuals within London’s musical society, including Benjamin Britten and Adrian Boult, who then became powerful advocates for his music. Most of the concertante works that he composed for the piano were written during this early period, and indeed his considerable skills and prowess as a pianist, as well as a composer, can be gauged from listening to the present collection of concertos, which contain fearsomely difficult parts for the piano soloist.

By the mid-1960s Williamson had extended his compositional range to encompass operatic, symphonic, chamber, solo vocal, choral, religious and educational music, as well as scores for ballet, musical theatre, film, television and radio, and over his lifetime he produced more than 250 works in a wide range of styles and genres. The creative impetus for many of these compositions stemmed from his deep interests in literature, religion, politics and humanitarian issues, and musically they incorporate influences from figures as diverse as Messiaen, Boulez, Stravinsky, Bartók and Britten, as well as from jazz and popular music, especially that of George Gershwin, Richard Rodgers, Jerome Kern and Leonard Bernstein.

Typically, Williamson’s compositional process began with the construction of a melodic idea, a ‘tiny musical germ’ or ‘melodic fragment’, as he described it, which could then be ‘used and exploited in every possible way and transformed and used within a tonal context’. This compositional approach allowed Williamson to incorporate a considerable degree of rhythmic, harmonic and textural variety. Although he was frequently criticized in the press for attempting to integrate multifarious stylistic elements into his music, and particularly for juxtaposing the ‘serious’ and the ‘popular’ within a single work, many of his compositions achieved widespread popularity and success with performers and audiences alike.

Williamson’s creative impact was recognized during his lifetime through numerous awards, posts, fellowships and honours; he was made a Commander of the British Empire in 1976, an Officer of the Order of Australia in 1987, awarded the Bernard Heinze Award in 1989, and received honorary doctorates from a number of academic institutions, including Westminster Choir College (Princeton), the Universities of Melbourne and Sydney, and the Open University of Great Britain. He was also deeply proud to be the youngest composer and first Australian to be named Master of the Queen’s Music in the 350-year history of the post.

from notes by Carolyn Philpott © 2014

Malcolm Williamson (1931–2003) est l’un de ces nombreux artistes créateurs australiens qui se sont installés en Grande-Bretagne au milieu du XXe siècle, mais rares sont les expatriés qui sont parvenus à égaler le succès qu’il a obtenu à l’étranger. Dans la décennie suivant son installation à Londres, il se forgea une réputation de compositeur parmi les plus doués et les plus prolifiques de sa génération et, dans les années 1960, on parlait de lui comme du «compositeur le plus sollicité par les commandes en Grande-Bretagne». Sa stature de personnalité majeure sur la scène musicale britannique fut reconnue officiellement en 1975 lorsqu’il fut nommé au poste très prisé de Master of the Queen’s Music où il succéda à Sir Arthur Bliss. Même s’il passa la majeure partie de sa vie en Angleterre et subit diverses influences musicales européennes et britanniques, Williamson conserva ce qu’il appelait un style de composition «typiquement australien», affirmant dans les années 1960: «La majeure partie de ma musique est d’origine australienne … pas [inspirée par] la brousse ou les déserts, mais [par] l’impudence des villes, le genre d’impudence qui fait que les Australiens traversent la vie en poussant les portes marquées “tirez”.» En fait, la «force», «l’impudence» et la «chaleur directe d’approche» que Williamson reconnaissait comme des qualités typiquement australiennes font partie des éléments les plus caractéristiques de son langage musical personnel. Tout en englobant un large éventail stylistique ou—comme il préférait l’appeler—une variété de «densités» différentes, c’est l’exubérance directe et l’authenticité émotionnelle de sa musique qui la distinguent de celle de la plupart des autres compositeurs actifs en Grande-Bretagne, en Europe et en Australie au cours de la seconde moitié du XXe siècle.

Né à Sydney, Williamson commença très jeune à jouer du piano et à composer; il travailla dès l’âge de douze ans avec le pianiste russe émigré Alexandre Sverjenski. Trois ans plus tard, il reçut une bourse complète pour étudier le piano, le cor et le violon au Conservatoire d’État de Nouvelle-Galles du Sud, où il fit la connaissance du directeur, Eugene Goossens, avec lequel il commença à prendre des leçons de composition. Même si Williamson comprit par la suite que la formation qu’il avait reçue en Australie était d’un niveau équivalent à la meilleure instruction dispensée dans le reste du monde, ses études avec Goossens le poussèrent à se perfectionner à l’étranger et, après un premier séjour à Londres avec sa famille en 1950, il s’y installa définitivement en 1953. Peu après, il commença à travailler avec Elisabeth Lutyens, pionnière dans le domaine de la composition sérielle en Angleterre, et Erwin Stein, ancien élève de Schoenberg et ami de Benjamin Britten. Il n’est guère étonnant que les œuvres de Williamson qui datent de cette période montrent une certaine adhésion aux méthodes sérielles; toutefois, au cours de sa formation, bon nombre d’autres influences le poussèrent à modifier son approche de la composition et à rechercher un langage plus diversifié.

La conversion de Williamson au catholicisme romain en 1953 l’amena à étudier intensivement la musique du Moyen-Âge et de la pré-Réforme, en particulier celle du compositeur anglais John Dunstable; il développa en outre ce qui allait devenir toute sa vie durant une affinité avec la musique religieuse et les théories de son collègue compositeur catholique Olivier Messiaen. D’autres influences stylistiques proviennent des emplois que Williamson occupa du milieu à la fin des années 1950, travaillant notamment comme professeur de piano, correcteur de musique, répétiteur vocal, pianiste de boîte de nuit et organiste d’église. Chacune de ces expériences musicales marqua de son influence son style de composition de la maturité et lui donna l’idée d’élaborer un langage musical diversifié capable de communiquer immédiatement avec les auditeurs de tous âges et de toutes origines. Il commença donc à modifier son approche du sérialisme, qu’il se mit alors à considérer comme un langage «fermé», et à composer dans un style fondamentalement tonal et avant tout lyrique.

Au cours des dix premières années qu’il passa en Grande-Bretagne, Williamson se concentra essentiellement sur la composition de musique pour les instruments dont il jouait lui-même, écrivant beaucoup d’œuvres solistes et concertantes pour piano et orgue. Pendant les années 1950 et 1960, sa capacité à jouer ses propres œuvres pour instruments à clavier (y compris les parties de piano de certaines œuvres enregistrées ici) contribua beaucoup à sa notoriété de compositeur et interprète et il réussit à attirer l’attention de personnes influentes au sein de la société musicale londonienne, notamment Benjamin Britten et Adrian Boult, qui se mirent à défendre sa musique avec force. La plupart des œuvres concertantes qu’il composa pour le piano furent écrites durant cette première période et l’on peut avoir un aperçu de son talent et de ses prouesses considérables en matière pianistique, comme sur le plan de l’écriture, en écoutant le présent recueil de concertos, qui sont truffés de parties horriblement difficiles pour le soliste.

Dès le milieu des années 1960, Williamson avait étendu son domaine de composition à la musique lyrique, symphonique, de chambre, vocale soliste, religieuse et pédagogique, ainsi qu’aux partitions pour le ballet, le théâtre musical, le cinéma, la télévision et la radio; au cours de sa vie, il produisit plus de deux cent cinquante œuvres dans un large éventail de styles et de genres. L’élan créateur d’un grand nombre de ces compositions découla de l’intérêt profond qu’il portait à la littérature, la religion, la politique et les questions humanitaires, et, sur le plan musical, elles intègrent des influences de personnalités aussi différentes que Messiaen, Boulez, Stravinski, Bartók et Britten, ainsi que du jazz et de la musique populaire, en particulier de celles de George Gershwin, Richard Rodgers, Jerome Kern et Leonard Bernstein.

En règle générale, le processus de composition de Williamson commençait par la construction d’une idée mélodique, un «tout petit germe musical» ou «fragment mélodique», comme il l’appelait, qu’il pouvait ensuite «utiliser et exploiter de toutes les manières possibles et transformer et utiliser au sein d’un contexte tonal». Cette approche de la composition permit à Williamson d’intégrer une variété rythmique, harmonique et texturelle à un degré très élevé. Bien que la presse l’ait souvent critiqué pour avoir tenté d’incorporer des éléments stylistiques multiples dans sa musique et, en particulier, pour avoir juxtaposé le «sérieux» et le «populaire» au sein d’une seule et même œuvre, nombreuses furent ses compositions qui connurent une popularité et un succès important auprès des interprètes comme des auditeurs.

L’impact créateur de Williamson fut reconnu de son vivant au travers de nombreuses distinctions honorifiques, postes, titres et honneurs; il fut fait commandeur de l’Empire britannique en 1976 et officier de l’Ordre de l’Australie en 1987; il reçut le Bernard Heinze Award en 1989 et des doctorats honoris causa de plusieurs institutions universitaires, notamment le Westminster Choir College (Princeton), les universités de Melbourne et de Sydney, et l’Open University of Great Britain. Il était en outre très fier d’être le plus jeune compositeur et le premier Australien nommé Master of the Queen’s Music en trois cent cinquante ans d’histoire de ce poste.

extrait des notes rédigées par Carolyn Philpott © 2014
Français: Marie-Stella Pâris

Malcolm Williamson (1931–2003) gehörte zu den vielen australischen kreativen Künstlern, die sich in der Mitte des 20. Jahrhunderts in Großbritannien niederließen; doch nur wenige Auswanderer konnten einen derartigen Erfolg im Ausland erreichen wie er. Innerhalb eines Jahrzehnts hatte er sich in London einen Namen als einer der begabtesten und fruchtbarsten Komponisten seiner Generation gemacht und galt in den 1960er Jahren allgemein als der „Komponist mit den meisten Aufträgen in Großbritannien“. Sein Rang als führende Persönlichkeit der britischen Musikszene fand 1975 öffentliche Anerkennung, als er zum Nachfolger von Sir Arthur Bliss auf den hochgeschätzten Posten als Master of the Queen’s Music berufen wurde. Obgleich Williamson den größten Teil seines Lebens in England verbracht und verschiedene europäische und britische Musikeinflüsse aufgenommen hatte, behielt er einen von ihm als „typisch australisch“ bezeichneten Kompositionsstil bei. In den 1960er Jahren äußerte er: „Die meisten meiner Werke haben einen australischen Ursprung … sie sind nicht vom Busch oder der Wüste [inspiriert], sondern von der Unbekümmertheit in den Städten, der Art von Unbekümmertheit, mit der die Australier durchs Leben gehen und Türen aufstoßen, auf denen „ziehen“ steht.“ Tatsächlich ist seine persönliche Musiksprache von den von Williamson als typisch australisch bezeichneten Eigenschaften—„Ungestüm“, „Unbekümmertheit“ und „direkte warmherzige Umgangsweise“—geprägt. Trotz seiner großen stilistischen Bandbreite oder—wie Williamson es lieber nannte—der vielfältigen verschiedenen „Verdichtungen“ unterscheidet sich seine Musik mit ihrem reinen Überschwang und der emotionalen Direktheit von jener der meisten anderen Komponisten, die in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts in Großbritannien, Europa und Australien tätig waren.

Der in Sydney geborene Williamson begann frühzeitig, Klavier zu spielen und zu komponieren, und hatte mit zwölf Jahren Unterricht bei dem Pianisten Alexander Sverjensky, einem russischen Emigranten. Drei Jahre später erhielt er ein Vollstipendium, um Klavier, Waldhorn und Violine am New South Wales State Conservatorium zu studieren, bei dessen Direktor Eugene Goossens er auch Kompositionsunterricht nahm. Williamson erkannte später zwar, dass seine Ausbildung in Australien hinsichtlich ihres Niveaus der der besten Konservatorien der Welt entsprach, doch regte sein Studium bei Goossens ihn dazu an, noch weiter im Ausland zu studieren. Nach einem Besuch mit seiner Familie 1950 in London, sozusagen probehalber, ließ er sich 1953 dauerhaft dort nieder. Bald darauf nahm er Unterricht bei Elisabeth Lutyens, einer Pionierin für serielle Komposition in England, sowie bei Erwin Stein, einem früheren Schönbergschüler und Freund von Benjamin Britten. Kaum überraschend also, dass sich Williamsons Kompositionen aus dieser Zeit an der seriellen Kompositionstechnik ausrichten; es gab jedoch noch einige andere prägende Einflüsse, die ihn dazu ermutigten, seine Kompositionsstil mit der Suche nach einem umfassenderen Idiom zu modifizieren.

Williamsons Konversion zum römisch-katholischen Glauben im Jahre 1953 brachte ihn dazu, sich mit der Musik des Mittelalters und der Vor-Reformationszeit, insbesondere mit der Musik des englischen Komponisten John Dunstable, intensiv zu beschäftigen; dabei entwickelte sich auch seine lebenslange Verbundenheit mit der geistlichen Musik und den Theorien seines katholischen Komponistenkollegen Olivier Messiaen. Weitere Stileinflüsse ergaben sich durch die Tätigkeiten, die Williamson von der Mitte bis zum Ende der 1950er Jahre ausübte, u. a. als Klavierlehrer, Notenkorrektor, Korrepetitor, Barpianist und Kirchenorganist. Alle diese Erfahrungen mit Musik wirkten sich auf seinen reifen Kompositionsstil aus und inspirierten Williamson zur Entwicklung einer umfassenden Musiksprache, die sich Hörern jeden Alters und Hintergrunds unmittelbar erschloß. Folglich modifizierte er seine Einstellung zum Serialismus, den er nun als „exklusives“ Idiom ansah, und schrieb Musik in einer Sprache, die grundsätzlich tonal und vor allem lyrisch war.

Während seines ersten Jahrzehnts in Großbritannien konzentrierte Williamson sich hauptsächlich auf die Komposition von Werken für die Instrumente, die er selbst spielen konnte, und schrieb viele Solo- und Konzertstücke für Klavier und Orgel. Die Tatsache, dass er seine Werke für Tasteninstrumente (darunter auch den Klavierpart einiger Werke der vorliegenden Aufnahme) selbst vortragen konnte, trug entscheidend zu seiner beginnenden Berühmtheit als Komponist und Musiker in den 1950er und frühen 1960er Jahren bei. Sein Erfolg verdankt sich auch der Tatsache, dass einflußreiche Persönlichkeiten des Londoner Musiklebens auf ihn aufmerksam wurden, darunter Benjamin Britten und Adrian Boult, die sich damals sehr für seine Musik einsetzten. Die meisten seiner konzertanten Werke für Klavier schrieb er in dieser frühen Phase; und tatsächlich läßt sich sein beträchtliches Können als Pianist wie als Komponist beim Anhören der hier gebotenen Konzerte ermessen, die furchterregend schwierige Passagen für den Solopianisten enthalten.

Um die Mitte der 1960er Jahre hatte Williamson seinen kompositorischen Radius auf Opern, sinfonische und Kammermusik, Sologesangs- und Chorwerke, geistliche und pädagogische Musik sowie Musik für Ballett, Musiktheater, Film, Fernsehen und Rundfunk erweitert und im Laufe seines Lebens mehr als 250 Werke in den vielfältigsten Stilen und Gattungen geschaffen. Der schöpferische Impuls für viele seiner Kompositionen ging von seinem tiefen Interesse für Literatur, Religion, Politik und humanitäre Themen aus; und in musikalischer Hinsicht wurden seine Werke von so unterschiedlichen Komponisten wie Messiaen, Boulez, Strawinsky, Bartók und Britten sowie von Jazz und Unterhaltungsmusik beeinflußt, besonders von den Werken George Gershwins, Richard Rodgers’, Jerome Kerns und Leonard Bernsteins.

Gewöhnlich begann Williamsons den Kompositionsvorgang mit der Gestaltung eines melodischen Gedankens, einem „winzigen musikalischen Keim“ oder „melodischen Fragment“ (so seine Bezeichnung), das dann „in jeder möglichen Weise eingesetzt und ausgeschöpft und in einem tonalen Kontext verändert und genutzt werden konnte“. Mit diesem kompositorischen Verfahren konnte Williamson rhythmische, harmonische und strukturelle Vielfalt in einem beträchtlichen Maß einbeziehen. Er wurde allerdings in der Presse häufig dafür kritisiert, dass er versuchte, vielfältige Stilelemente in seine Musik zu integrieren, und besonders dafür, dass er „ernste“ und „Unterhaltungs-“ Musik innerhalb eines Werkes miteinander verband; doch viele seiner Kompositionen waren weithin bei Musikern wie beim Publikum beliebt und erfolgreich.

Williamsons schöpferische Bedeutung wurde im Laufe seines Lebens mit zahlreichen Auszeichnungen, Ämtern, Mitgliedschaften und Ehrungen gewürdigt; 1976 wurde er Commander of the British Empire, 1987 Officer of the Order of Australia, 1989 erhielt er den Bernard Heinze Award, außerdem Ehrendoktorate von zahlreichen akademischen Institutionen, darunter dem Westminster Choir College (Princeton), den Universitäten von Melbourne und Sydney sowie der Open University of Great Britain. Er war auch überaus stolz, als er als jüngster Komponist und erster Australier in der 350-jährigen Geschichte des Amtes zum Master of the Queen’s Music ernannt wurde.

aus dem Begleittext von Carolyn Philpott © 2014
Deutsch: Christiane Frobenius