“To make a recording of the Beethoven and Britten violin concertos has been a dream of mine for years,” Janine Jansen enthuses. “They are two of the greatest concertos ever written—so different yet both so real.” They also share one extraordinary distinction—the timpani play a major role in establishing important thematic material at the outset. This bold stroke was one of a number of factors that initially militated against the Beethoven concerto winning general acceptance.

The premiere, given by the popular virtuoso Franz Clement (1780-1842) under Beethoven’s direction on 22 December 1806, was played virtually at sight as the composer was, typically, working on the piece up until the last possible moment. Furthermore, the concerto was played in two halves, the first movement coming before the interval, the rest following only after Clement had played one of his own virtuoso compositions on one string with the violin held upside-down!

Despite all of this, the concerto was fondly inscribed “Concerto par Clemenza pour Clement, primo Violino e Directore al Theatro a Vienne dal L.v.Bthvn., 1806” (Concerto by Clemency for Clement, leading violinist and Director at the theatre in Vienna). The dedication, however, went to Stephan von Breuning, an old friend with whom Beethoven used to share violin lessons and living quarters in his student days. Unaccountably neglected for many years, it won a permanent place in the repertoire almost overnight as the result of an historic London concert given by the twelve-year-old Joseph Joachim in 1844 under Felix Mendelssohn’s expert direction.

Janine is in no doubt as to the concerto’s true worth: “The Beethoven is the purest and in many ways the most beautiful concerto in the violin repertoire. The giant! I felt so intimidated by it at first, perhaps because the general perception is that one can only play and understand this piece when one is older and highly experienced. I first played it at a very young age—I was so overawed it felt like the longest forty-five minutes of my life—but with time and greater maturity, I have discovered so much depth in this remarkable music. I have also learnt to appreciate its great structure and not to focus too much on my own part. It’s easy to lose sight of the overall form with all the elaboration of the themes in the orchestra, so it’s especially important to have a conductor who has a clear view of the piece in order to feel free within a strong framework.”

Playing the concerto with Paavo Järvi and the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen in March 2009 was one of the highlights of Janine’s career to date. “At first I was concerned that my approach was too Romantic,” she recalls, “and that I wouldn’t blend with the orchestra’s style of playing with little vibrato and its wonderfully pure sound. I also wondered whether the magnificent Fritz Kreisler cadenza might seem slightly anachronistic. But it has become a real part of the concerto for me over the years, as I have always played it. Paavo made it an easy decision by telling me not to worry about it and to play the cadenza I felt comfortable with and convinced by. This is such a simple truth, but it’s easy to forget these things in the stress of the moment. When we played it together for the first time my doubts simply disappeared.”

If the Beethoven concerto occupies a hallowed place in every concert violinist’s repertoire, the Britten is still a comparative rarity. Yet for Janine it is one of the greatest works in its genre. “I have fallen completely in love with this extraordinary piece and I try to programme it wherever and whenever I can,” she beams.

Britten spent the early part of the Second World War in North America, where his intimate friendship with the celebrated tenor Peter Pears blossomed. The concerto was composed largely during a stay at St Jovite in Quebec, Canada, and the 1940 premiere was given by violinist Antonio Brosa with the New York Philharmonic conducted by another temporary British émigré, John Barbirolli. This was the first time an American audience had ever heard any music by Britten, and its heady combination of overt lyricism and technical brilliance made an extremely favourable impression.

The opening bars introduce a timpani figure that then becomes a counterpoint to the soloist’s soaring main theme. Following a short cadenza-like passage, the orchestra takes up this idea until a change of mood signals the arrival of a new melody, announced by the soloist, accompanied by muted horns. Following a short development section and a recapitulation in which the soloist takes up the timpani figure from the introduction, the movement ends quietly. There follows a darting scherzo encompassing a more relaxed central trio, before an extended cadenza for the soloist leads directly into the Passacaglia finale. This consists of ten dazzlingly inventive variations, climaxing in an imposing Alla marcia section, before the music fades elegiacally away.

“The Britten is technically very challenging for both soloist and orchestra,” Janine explains, “but the musical language is as intense and expressive as can be—such underlying tension! The cadenza is extremely well written for the violin, and ingeniously refers back to the previous movements—especially the Spanish rhythms of the first—and reaches a highpoint of intensity when the trombones quietly present the Passacaglia theme. This last movement is the concerto’s emotional centre of gravity. The incredible despair and threatening, dark mood when the strings take over leaves me trembling and feeling small and lost every time I hear it.

“For me the most impressive part of the concerto is the very end. The coda starts like a prayer and becomes a cry of pain and despair. You can feel how influenced Britten was by the tensions in the world at the time of the Spanish Civil War. After playing the last notes I feel emotionally finished and empty, yet at the same time nourished and filled with wonder.”

Central to the success of this particular recording is the special musical relationship Janine enjoys with conductor Paavo Järvi and both orchestras: “What I love about our collaborations is the amazing flexibility and sense of communication, in which we get inspired by each other’s ideas. We make music in, for me, the only possible way. Listening to each other, reacting to each other, being open to new ideas and being passionate about it!”

Julian Haylock © 2009

«Cela fait des années que je rêve de réaliser un enregistrement des Concertos pour violon de Beethoven et de Britten», affirme Janine Jansen, enthousiaste. «Ce sont deux des plus beaux concertos jamais écrits—extrêmement différents l’un de l’autre et pourtant bien réels.» Ils se distinguent aussi par un point commun extraordinaire: les timbales y jouent un rôle essentiel pour présenter d’importants éléments thématiques au début de chaque ouvrage. Ce trait audacieux est l’un des facteurs qui empêchèrent dans un premier temps le concerto de Beethoven de remporter les suffrages du grand public.

Lors de sa création, donnée par le fameux virtuose Franz Clement (1780-1842) sous la direction du compositeur le 22 décembre 1806, l’ouvrage fut pratiquement déchiffré à vue, Beethoven ayant, comme il en était coutumier, retravaillé le morceau jusqu’à la toute dernière minute. En outre, le concerto fut scindé en deux parties, le premier mouvement exécuté avant l’entracte et le reste seulement après que Clement eut joué l’une de ses propres compositions virtuoses sur une corde tout en tenant le violon à l’envers!

Malgré tout cela, le concerto portait un affectueux en-tête: «Concerto par Clemenza pour Clement, primo Violino e Directore al Theatro a Vienne dal L.v.Bthvn., 1806» (Concerto par clémence pour Clement, premier violon et directeur du théâtre de Vienne). Il fut toutefois dédié à Stephan von Breuning, un vieil ami de l’époque où Beethoven était étudiant, avec qui il partageait des leçons de violon et un logement. Négligé sans raison pendant de nombreuses années, l’ouvrage s’imposa fermement au répertoire presque du jour au lendemain à la suite d’un concert londonien historique donné en 1844 par Joseph Joachim, alors âgé de douze ans, sous la direction émérite de Felix Mendelssohn.

Pour Janine, la véritable valeur de ce concerto ne fait aucun doute: «Le Beethoven est le concerto le plus pur et par de nombreux aspects le plus beau de tout le répertoire pour violon. Quel monument! Au début, il m’impressionnait énormément, sans doute parce que selon la plupart des gens, on ne peut s’y mesurer et le comprendre que lorsque l’on est plus âgé et que l’on bénéficie de beaucoup d’expérience. Je l’ai joué alors que j’étais toute jeune—j’étais tellement intimidée que ces quarante-cinq minutes me semblèrent les plus longues de ma vie—mais avec le temps et une plus grande maturité, j’ai découvert une prodigieuse profondeur dans ces pages remarquables. J’ai également appris à apprécier leur imposante structure et à ne pas trop me focaliser sur ma propre partie. Il est facile de perdre de vue l’architecture d’ensemble avec toute l’élaboration des thèmes par l’orchestre, aussi est-il particulièrement important de travailler avec un chef ayant une conception bien définie du morceau afin de se sentir libre dans un cadre solide.»

Jouer ce concerto avec Paavo Järvi et la Deutsche Kammerphilharmonie de Brême en mars 2009 a été l’un des points forts de la carrière de Janine jusqu’à ce jour. «Au début, je craignais de l’aborder de manière trop romantique», se rappelle-t-elle, «et de ne pas me fondre dans le style de jeu de l’orchestre, avec son infime vibrato et sa merveilleuse pureté sonore. Je me demandais aussi si la splendide cadence de Fritz Kreisler n’allait pas paraître quelque peu anachronique. Mais au fil des années elle est devenue pour moi indissociable du concerto, car je l’ai toujours jouée. Paavo m’a facilité la tâche en me disant de ne pas m’inquiéter et de jouer la cadence avec laquelle je me sentais à l’aise, celle qui me convainquait. C’est une vérité toute simple, pourtant il est facile de la perdre de vue une fois pris dans le stress de l’instant. Quand nous l’avons joué ensemble pour la première fois, mes doutes se sont tout simplement envolés.»

Si le concerto de Beethoven occupe une place à part au sein du répertoire de tout violoniste de concert, celui de Britten est encore presque une rareté. Pourtant, Janine le considère comme l’une des plus grandes oeuvres du genre. «Je suis tombée follement amoureuse de ce morceau extraordinaire et j’essaie de le programmer à chaque fois que c’est possible», déclare-t-elle dans un radieux sourire.

Britten passa le début de la Deuxième Guerre mondiale en Amérique du Nord, et cette période vit l’éclosion de sa relation intime avec le célèbre ténor Peter Pears. La majeure partie du concerto fut composée au cours d’un séjour à Saint-Jovite, au Québec, et la création fut donnée en 1940 par le violoniste Antonio Brosa avec le Philharmonique de New York dirigé par un autre immigré britannique temporaire, John Barbirolli. C’était la toute première fois qu’un public américain entendait de la musique de Britten, et son entêtant alliage de lyrisme échevelé et de virtuosité technique fut très favorablement reçu.

Les mesures initiales introduisent un dessin de timbales qui fait alors contrepoint à l’envolée du thème principal du soliste. Après un bref passage apparenté à une cadence, l’orchestre revisite cette idée jusqu’à ce qu’un changement d’atmosphère préfigure l’arrivée d’une nouvelle mélodie, annoncée par le soliste, accompagné par des cors avec sourdine. À la suite d’une courte section de développement et d’une récapitulation où le soliste reprend le dessin de timbales de l’introduction, le mouvement se referme paisiblement. Il est suivi d’un vif scherzo qui renferme un trio central plus détendu, avant qu’une longue cadence du soliste ne mène directement à la Passacaglia finale. Celle-ci consiste en dix variations d’une éblouissante inventivité dont le point culminant est une imposante section Alla marcia, puis la musique se dissipe dans une atmosphère élégiaque.

«Le Britten constitue un énorme défi technique, à la fois pour le soliste et pour l’orchestre», explique Janine, «mais son langage musical est particulièrement intense et expressif—et quelle tension sous-jacente! La cadence est extrêmement bien écrite pour le violon et fait ingénieusement référence aux mouvements précédents—notamment les rythmes espagnols du premier—et atteint un summum d’intensité lorsque les trombones présentent doucement le thème de la Passacaglia. Ce dernier mouvement est le centre de gravité émotionnelle du concerto. Son incroyable désespoir et la sombre et menaçante reprise des cordes me font frémir et m’accablent à chaque fois que je l’entends.

«Pour moi, le passage le plus impressionnant du concerto est sa conclusion. La coda débute comme une prière et devient un cri de douleur et de désespoir. On sent à quel point Britten était sensible aux tensions planétaires de l’époque de la Guerre civile espagnole. Après avoir joué les dernières notes, je me sens émotionnellement vidée, mais en même temps nourrie et émerveillée.»

Le succès de cet enregistrement précis doit tout au lien musical privilégié qui s’est établi entre Janine, le chef Paavo Järvi et les deux orchestres: «Ce que j’aime dans notre travail commun, c’est toute cette stupéfiante souplesse et ce sentiment d’être en phase qui font que nos idées sont des sources d’inspiration réciproques. Nous faisons de la musique de la seule manière possible selon moi: en nous écoutant, en réagissant les uns par rapport aux autres, tout en étant ouverts aux idées nouvelles et en y mettant de la passion!»

Julian Haylock © 2009
Français: David Ylla-Somers

„Ich habe seit Jahren davon geträumt, eine Aufnahme der Violinkonzerte von Beethoven und Britten zu machen“, schwärmt Janine Jansen. „Es sind zwei der großartigsten Konzerte, die je geschrieben wurden—ganz unterschiedliche Werke, aber beide sehr echt.“ Beide teilen auch eine ungewöhnliche Besonderheit; die Pauken spielen eine große Rolle beim Aufbau wichtigen Themenmaterials am Beginn. Dieser kühne Zug gehörte zu einer Reihe von Faktoren, die anfangs gegen das sich schließlich allgemein durchsetzende Beethoven-Konzert sprachen.

Bei der Uraufführung am 22. Dezember 1806 mit dem beliebten Virtuosen Franz Clement (1780-1842) und unter Beethovens Leitung spielten die Musiker praktisch vom Blatt, da der Komponist (wie für ihn typisch) bis zum letztmöglichen Augenblick an seinem Werk arbeitete. Überdies wurde das Konzert nicht zusammenhängend gespielt: der erste Satz erklang vor einer Unterbrechung, die beiden übrigen folgten erst, nachdem Clement eine seiner eigenen virtuosen Kompositionen auf einer Saite „mit umgekehrter Violine“ gespielt hatte!

Trotz alldem erhielt das Konzert die freundliche Zuschreibung „Concerto par Clemenza pour Clement, primo Violino e Directore al theatro a Vienne dal L. V. Bthvn., 1806“ (Konzert aus Milde für Clement, den ersten Geiger und Direktor am Theater an der Wien). Gewidmet wurde das Konzert aller-dings Stephan von Breuning, einem alten Freund, mit dem Beethoven in seiner Studentenzeit gewöhnlich Geigenunterricht und Unterkunft teilte. Das unverständlicherweise viele Jahre unbeachtete Werk errang sich beinahe über Nacht einen festen Platz im Repertoire nach einem historischen Konzert in London 1844, in dem der zwölfjährige Joseph Joachim unter der erfahrenen Leitung von Felix Mendelssohn-Bartholdy spielte.

Janine zweifelt nicht am wahren Wert des Konzertes: „Beethovens Werk ist das reinste und in vieler Hinsicht schönste Konzert im Violinrepertoire. Ein Gigant! Ich war zuerst sehr eingeschüchtert von ihm, vielleicht, weil man es der allgemeinen Auffassung nach nur spielen kann, wenn man älter und sehr erfahren ist. Ich habe es erstmals gespielt, als ich noch ganz jung war (und war dabei so voller Ehrfurcht, dass es mir wie die längsten 45 Minuten meines Lebens vorkam); doch mit der Zeit und größerer Reife habe ich sehr viel Tiefe in dieser bemerkenswerten Musik entdeckt. Ich habe auch gelernt, die großartige Struktur des Werkes zu würdigen und mich nicht zu sehr auf meinen Part zu konzentrieren. Man kann leicht die Gesamtanlage mit der ganzen Themenverarbeitung im Orchester aus dem Auge verlieren; deshalb ist es besonders wichtig, einen Dirigenten mit einer klaren Auffassung von dem Werk zu haben, so dass man sich innerhalb eines festen Rahmens frei fühlen kann.“

Die Aufführung des Konzertes mit Paavo Järvi und der Deutschen Kammerphilharmonie im März 2009 war einer der Höhepunkte in Janines Karriere bis dahin. „Anfangs war ich besorgt, dass mein Ansatz zu romantisch sein könnte und dass ich mich nicht mit dem Stil des Orchesters verbinden könnte, das mit wenig Vibrato und seinem wunderbar reinen Klang spielte“, erinnert sich Janine. „Ich habe mich auch gefragt, ob die großartige Kadenz von Fritz Kreisler leicht anachronistisch erscheinen könnte. Aber sie ist mit den Jahren für mich zu einem richtigen Teil des Konzertes geworden, da ich sie immer gespielt habe. Paavo erleichterte mir die Entscheidung, indem er meinte, ich solle mir darüber keine Gedanken machen und die Kadenz spielen, mit der ich mich wohlfühle und von der ich überzeugt bin. Das ist eine so einfache Wahrheit, aber man vergisst diese Sachen leicht unter dem Druck des Augenblicks. Als wir das Konzert zum ersten Mal zusammen spielten, verschwanden meine Zweifel einfach.“

Während das Beethoven-Konzert einen geheiligten Platz im Repertoire eines jeden Konzertgeigers einnimmt, wird Brittens Werk immer noch vergleichsweise selten gespielt. Für Janine ist es jedoch eines der größten Werke in dieser Gattung. „Ich habe mich vollkommen in dieses außergewöhnliche Stück verliebt und versuche, es aufs Programm zu setzen, wo und wann immer es mir möglich ist“, sagt sie strahlend.

Britten verbrachte die frühe Phase des Zweiten Weltkrieges in Nordamerika, wo seine intime Freundschaft mit dem berühmten Tenor Peter Pears aufblühte. Das Konzert wurde weitgehend während eines Aufenthaltes in St. Jovite (in der kanadischen Provinz Quebec) komponiert. In der Uraufführung 1940 spielte der Geiger Antonio Brosa mit dem New York Philharmonic Orchester unter der Leitung eines weiteren zeitgenössischen englischen Emigranten, John Barbirolli. Dies war das erste Mal, dass ein amerikanisches Publikum überhaupt eine Komposition von Britten zu hören bekam; und deren Kombination aus deutlicher Lyrik und brillanter Technik machte einen überaus günstigen Eindruck.

In den Anfangstakten wird eine Paukenfigur eingeführt, die dann zum Kontrapunkt für das aufsteigende Hauptthema des Solisten wird. Nach einer kurzen kadenzartigen Passage übernimmt das Orchester diesen Gedanken, bis ein Stimmungswechsel das Erscheinen einer neuen Melodie ankündigt, die der Solist, begleitet von gedämpften Hörnern, vorträgt. Nach einem kurzen Durchführungsteil und einer Reprise, in der der Solist die Paukenfigur aus der Einleitung aufnimmt, endet der Satz ruhig. Darauf fogt ein rasend schnelles Scherzo, das ein entspannteres zentrales Trio einschließt, bis eine ausgedehnte Kadenz des Solisten direkt zum Finalsatz, Passacaglia, überleitet. Dieser besteht aus zehn glänzend erfinderischen Variationen, die sich zu einem imposanten Alla-marcia-Teil steigern, bis dann die Musik elegisch verklingt.

„Brittens Werk ist technisch für den Solisten wie für das Orchester eine Herausforderung“, erklärt Janine, „aber seine musikalische Sprache ist so dicht und ausdrucksvoll wie nur möglich—mit einer sehr untergründigen Spannung! Die Kadenz ist außerordentlich gut für die Geige geschrieben und bezieht sich genial auf die vorausgehenden Sätze (besonders die spanischen Rhythmen des ersten) und erreicht einen Höhepunkt an Intensität, wenn die Posaunen das Passacaglia-Thema ruhig vortragen. Dieser letzte Satz ist der emotionale Schwerpunkt des Konzertes. Die unglaubliche Verzweiflung und die bedrohliche düstere Stimmung, wenn die Streicher einsetzen, lassen mich erzittern und jedesmal klein und verloren fühlen, wenn ich sie höre.

„Der eindrucksvollste Teil des Konzertes ist für mich gerade der Schluss. Die Coda beginnt wie ein Gebet und wird zu einem Schrei aus Schmerz und Verzweiflung. Man spürt, wie Britten von den Spannungen in der Welt zur Zeit des Spanischen Bürgerkrieges beeinflusst war. Nachdem ich die letzten Töne gespielt habe, fühle ich mich emotional am Ende und leer, aber gleichzeitig erfüllt und voller Verwunderung.“

Entscheidend für den Erfolg dieser besonderen Einspielung ist die spezielle musikalische Beziehung, derer sich Janine mit Paavo Järvi und den beiden Orchestern erfreut: „An unserer Zusammenarbeit liebe ich die erstaunliche Flexibilität und den Sinn für Kommunikation, durch den wir jeweils von den Ideen des anderen inspiriert werden. Wir musizieren in der für mich einzig möglichen Weise. Wir hören aufeinander, reagieren aufeinander, sind offen für neue Ideen und begeistern uns dafür!“

Julian Haylock © 2009
Deutsch: Christiane Frobenius

“Het is al jarenlang een droom van mij om een opname te maken van de vioolconcerten van Beethoven en Britten,” vertelt een enthousiaste Janine Jansen. “Het zijn twee van de mooiste concerten ooit geschreven—zo verschillend en toch beide zo echt.” De stukken delen ook een opvallend kenmerk—vanaf het begin spelen de pauken een grote rol in het uiteenzetten van het belangrijkste thematische materiaal. Dit was een dappere zet die ook maakte dat het concert van Beethoven niet direct door iedereen gunstig ontvangen werd.

De première, op 22 december 1806 gespeeld door de populaire vioolvirtuoos Franz Clement (1780-1842) onder leiding van Beethoven zelf, werd bijna van blad gespeeld. De componist had, zoals voor hem gebruikelijk, tot op het laatste moment aan het stuk gewerkt. Daarnaast werd het concert in twee helften opgevoerd: het eerste deel voor de pauze, de rest volgde nadat Clement een van zijn eigen virtuoze composities had gespeeld op één snaar en met zijn viool ondersteboven!

Desalniettemin werd het Vioolconcert liefdevol beschreven als “Concerto par Clemenza pour Clement, primo Violino e Directore al Theatro a Vienne dal L.v.Bthvn., 1806” (Concerto van clementie voor Clement, eerste violist en dirigent in het theater van Wenen door L.v.Bthvn., 1806). Het stuk werd echter opgedragen aan Stephan van Breunig, een oude vriend met wie Beethoven in zijn studententijd vioollessen en woonruimte had gedeeld. Het concert raakte jarenlang in de vergetelheid tot het volledig onverwacht een permanente plek veroverde in het vioolrepertoire met dank aan een historisch concert dat in 1844 werd gespeeld in Londen door de twaalfjarige Joseph Joachim onder de uitmuntende leiding van Felix Mendelssohn.

Voor Janine is er geen twijfel over de waarde van het werk: “Het Vioolconcert van Beethoven is het meest pure en op veel fronten het mooiste concert in het vioolrepertoire. De reus! Ik Voelde me er in eerste instantie enorm door geïntimideerd. Misschien omdat er algemeen gedacht wordt dat iemand ouder en zeer ervaren moet zijn om dit stuk te kunnen spelen en begrijpen. De eerste keer dat ik het speelde, was ik nog erg jong. Ik was zo onder de indruk dat het de langste vijfenveertig minuten van mijn leven leken. Maar in de loop der tijd en met het ouder worden heb ik veel diepte kunnen ontdekken in deze buitengewone muziek. Ik heb ook geleerd om de prachtige structuur te waarderen en me niet zoveel te richten op mijn eigen deel alleen. Omdat er door het hele orkest heen veel variaties op de thema’s aanwezig zijn, verlies je makkelijk de gehele vorm uit het oog, dus het is met name belangrijk een dirigent te hebben die het stuk goed kan overzien, zodat je je vrij kan voelen in een krachtig raamwerk.”

In maart 2009 speelde Janine het concert samen met Paavo Järvi en de Deutsche Kammerphilharmonie Bremen. Dit is tot nu toe een van de hoogtepunten van haar carrière geweest. “In eerste instantie dacht ik dat mijn aanpak te romantisch zou zijn,” herinnert ze zich, “en ik was bang dat dat niet zou passen bij de speelstijl van het orkest, dat een beeldschoon puur geluid produceert zonder veel vibrato. Ik vroeg me ook af of de prachtige cadens van Fritz Kreisler misschien wat ouderwets zou lijken, maar het is voor mij door de jaren heen echt onderdeel geworden van het concert zoals ik het altijd heb gespeeld. Paavo Järvi maakte de beslissing makkelijk door te zeggen dat ik me er geen zorgen over moest maken. Dat ik het stuk moest spelen met een cadens waar ik me goed bij voel en waar ik van overtuigd ben. Dat klinkt zo eenvoudig, maar dit soort zaken kun je makkelijk uit het oog verliezen in de stress van het moment. En toen we het voor het eerst samen speelden, verdwenen al mijn twijfels als sneeuw voor de zon.”

Het Vioolconcert van Beethoven mag dan een vooraanstaande plaats innemen in het concertrepertoire van elke violist, het concert van Britten is nog steeds een redelijke zeldzaamheid. Maar voor Janine is het een van de beste werken in zijn genre. “Ik ben stapelverliefd geworden op dit uitzonderlijke stuk en ik probeer het waar en wanneer ik kan op het programma te krijgen,” zegt ze stralend.

Britten bracht een deel van de Tweede Wereldoorlog in Noord-Amerika door, waar zijn intieme vriendschap met de gevierde tenor Peter Pears tot bloei kwam. Het Vioolconcert werd voor een groot deel gecomponeerd tijdens een verblijf in St. Jovite in het Canadese Quebec, en de première in 1940 werd gespeeld door Antonio Brosa en het New York Philharmonic Orchestra met als dirigent een andere tijdelijke Britse emigrant, John Barbirolli. Dit was de eerste keer dat een Amerikaans publiek muziek van Britten te horen kreeg en de bedwelmende combinatie van het openlijk lyrische karakter en de technische genialiteit, viel in uitzonderlijk goede aarde.

De openingstonen introduceren een paukenfiguur die vervolgens de begeleiding wordt voor het verheffende hoofdthema van de solist. Dan volgt een korte cadensachtige passage die wordt overgenomen door het orkest, tot een verandering in de sfeer een nieuwe melodie inluidt die wordt aangekondigd door de solist, gevolgd door gedempte hoorns. Er volgt een korte ontwikkelingssectie en een recapitulatie waarin de solist de paukenfiguur van de introductie weer oppikt, waarna het deel snel wordt afgesloten. Vervolgens klinkt een snel scherzo met daarin een meer ontspannen centraal trio, waarna een uitgebreide cadens voor de solist direct naar de finale Passacaglia leidt. Deze bestaat uit tien verbluffend inventieve variaties, die hun climax bereiken in een imposant Alla marcia gedeelte, waarna de muziek weemoedig wegsterft.

“Britten is technisch zeer uitdagend voor zowel de solist als het orkest,” legt Janine uit, “maar de muzikale taal is zo intens en zo expressief: er is zoveel onderhuidse spanning! De cadens voor de viool is uitermate goed geschreven en verwijst zeer ingenieus terug naar voorgaande delen, vooral naar de Spaanse ritmes van het eerste deel. Het hoogtepunt van intensiteit wordt bereikt als de trombones zachtjes het passacaglia-thema inluiden. Dit laatste deel is het emotionele zwaartepunt van het concert. De ongelofelijke wanhoop en dreigende, donkere sfeer als de strijkers het overnemen, bezorgt me elke keer weer rillingen en geeft me het gevoel klein en verloren te zijn.

“Voor mij is het einde van het concert het meest indrukwekkende gedeelte. De slotfrase begint als een gebed waarna het verwordt tot een uitroep van pijn en wanhoop. Je voelt gewoon hoe sterk Britten werd beïnvloed door de spanningen in de wereld op het moment van de Spaanse Burgeroorlog. Na het spelen van de laatste tonen voel ik me emotioneel afgeleefd en leeg, maar tegelijkertijd ook gevoed en vol verwondering.”

Cruciaal voor het succes van deze opname is de bijzondere muzikale relatie tussen Janine, dirigent Paavo Järvi en beide orkesten: “Wat ik zo heerlijk vind aan onze samenwerking, is de flexibiliteit en de communicatie, waardoor we worden geïnspireerd door elkaars ideeën. We maken muziek op de voor mij enige mogelijke manier: we luisteren naar elkaar, reageren op elkaar, we staan open voor nieuwe ideeën en raken erdoor gegrepen!”

Julian Haylock © 2009