Today Domenico Scarlatti’s reputation rests largely on his enormous output of keyboard music (over five hundred esercizi, or sonatas). His operas are entirely forgotten, and of his sacred music only the Stabat mater (track 1), unique in its grandeur and depth of expression, is at all well remembered. It was probably composed between 1713 and 1719, while Scarlatti was maestro di cappella at the Basilica Giulia in Rome, and, in common with the many Italian and Italianate works of this period which set such emotive texts (Pergolesi’s Stabat mater, Lotti’s eight-part Crucifixus, and Hasse’s Miserere are other famous examples), its use of rich textures and unexpected harmonies within the seemingly austere framework of ten voices and continuo produces effects comparable to a painter’s chiaroscuro. To this end, Scarlatti combines sinuous chromatic melodies in a contrapuntal texture, as in the opening ‘Stabat mater dolorosa’, and achieves strong emotional contrasts by, for example, juxtaposing the striding scales of the choral section ‘Quis est homo, qui non fleret’ and the tortured suspensions of the soloists’ ‘Quis non posset contristari’. The diatonic counterpoint of ‘Fac me vere tecum flere’ seems to hark back to the prima prattica style inherited from Palestrina, while the florid duet ‘Inflammatus et accensus’ and the dance-like final ‘Amen’ betray truly operatic mannerisms.

The fame and popularity of Scarlatti’s keyboard sonatas as one of the most idiomatic and yet most idiosyncratic collections of harpsichord music in existence have largely obscured the fact that a certain number of these works are also suitable for the organ – a few indeed were originally intended for that instrument. The pair Kk254 4 and Kk255 6 fall into the former category, their predominantly simple textures being well suited to the Baroque organ sound. Kk255 has two unusual annotations, indicating the composer’s use of musical mimicry: ‘oytabado’ (bar 37) probably deriving from ‘oitavado’, a popular eighteenth-century Portuguese dance, and ‘tortorilla’ (bar 64) meaning ‘turtle dove’. In one manuscript source (I-Vnm MS.9774) the sonata Kk287 5 is headed ‘Per organo da camera con due Tastatura Flautato e Trombone’ and its companion piece, Kk288 2, also has registration marks (I-PAc AG31412). Formally, both these pieces are organ voluntaries, neither being in the binary form with double bar which is standard in Scarlatti’s sonatas. Kk328 3 similarly falls into this second category, bearing the indications of registration ‘Flo’ and ‘Org.’ (‘flauto’ meaning ‘flute stop’, and ‘organo’ meaning ‘diapason’).

Like the Stabat mater, the little Salve regina in A minor 7 is a work of Scarlatti’s first Italian period, having many similarities with the early keyboard fugue Kk41. Intimate and restrained in style, the six sections of the work again reveal a refined sensitivity to the text, ranging from the gentle, yet almost joyful ‘Ad te clamamus’ to the sorrowing chromaticism of ‘gementes et flentes in hac lacrimarum valle’ and the exquisite valedictory ‘o pia, o dulcis virgo Maria’.

Nicholas Clapton © 1985

L’essentiel de la réputation actuelle de Domenico Scarlatti repose sur son immense œuvre pour clavier (plus de cinq cents esercizi, ou sonates), ses opéras étant complètement tombés dans l’oubli, tout comme ses pièces sacrées, à l’exception du Stabat mater 1, unique par son grandiose et sa profondeur expressive. Probablement composé entre 1713 et 1719, alors que Scarlatti était maestro di cappella à la Basilica Giulia de Rome, il recourt – comme maintes œuvres italiennes et italianisantes de l’époque mettant en musique de tels textes à forte teneur émotionnelle (le Stabat mater de Pergolèse, le Crucifixus à huit parties de Lotti et le Miserere de Hasse, entre autres exemples fameux) – à de riches textures et à des harmonies inattendues au sein d’une structure, apparemment austère, de dix voix avec continuo, source d’effets de clair-obscur. Pour y parvenir, Scarlatti combine de sinueuses mélodies chromatiques dans une texture contrapuntique, comme dans le «Stabat mater dolorosa» d’ouverture, et élabore de forts contrastes émotionnels en juxtaposant, par exemple, les gammes chevauchantes de la section chorale «Quis est homo, qui non fleret» aux suspensions torturées du «Quis non posset contristari» des solistes. Le contrepoint diatonique de «Fac me vere tecum flere» semble rappeler le style de la prima prattica hérité de Palestrina, cependant que le duo orné «Inflammatus et accensus» et l’«Amen» final dansant trahissent de véritables maniérismes opératiques.

La popularité des sonates pour clavier de Scarlatti, qui comptent parmi les pièces les plus idiomatiques (et pourtant les plus idiosyncratiques) de la littérature pour clavecin, a en grande partie occulté le fait qu’elles conviennent, pour un certain nombre d’entre elles, à l’orgue – quelques-unes lui étaient même originellement destinées. Ainsi le diptyque Kk254 4 et Kk255 6, dont les textures généralement simples sont bien appropriées à la sonorité de l’orgue baroque. Kk255 présente deux annotations insolites, reflet du mimétisme musical du compositeur: «oytabado» (mesure 37), probablement dérivé d’«oitavado» (danse populaire portugaise du XVIIIe siècle), et «tortorilla» (mesure 64), soit «tourterelle». Dans l’une des sources manuscrites (I-Vnm MS.9774), la sonate Kk287 5 porte en en-tête «Per organo da camera con due Tastatura Flautato e Trombone», tandis que son pendant Kk288 2 recèle également des indications de registration (I-PAc AG31412). Du point de vue formel, ces deux pièces sont des voluntaries, aucune ne présentant la forme binaire, avec double mesure, habituelle dans les sonates de Scarlatti. Kk328 3 ressortit aussi à cette catégorie, avec ses indications de registration «Flo» (Flauto, registre de flûte) et «Org.» (Organo, pour «diapason»).

Comme le Stabat mater, le petit Salve regina en la mineur 7 date de la première période italienne de Scarlatti – il présente maintes similitudes avec sa fugue de jeunesse, pour clavier, Kk41. D’un style tout en intimité et en retenue, ses six sections révèlent une fois encore une sensibilité raffinée envers le texte, allant du doux, du joyeux presque, «Ad te clamamus», au chromatisme affligé de «gementes et flentes in hac lacrimarum valle» et à l’exquis adieu «o pia, o dulcis virgo Maria».

Nicholas Clapton © 1985
Français: Hyperion Records Ltd

Domenico Scarlattis Renommee beruht heutzutage größtenteils auf seinem enormen Œuvre für Tasteninstrumente (insbesondere den über fünfhundert esercizi, d.h. Sonaten). Seine Opern sind vollkommen vergessen, und von seiner Kirchenmusik ist nur das Stabat mater (Nr. 1), einzigartig in seiner Erhabenheit und Ausdruckstiefe, allgemein in Erinnerung geblieben. Es entstand wahrscheinlich zwischen 1713 und 1719, während Scarlatti an der Basilica Giulia in Rom als maestro di cappella tätig war, und ebenso wie viele andere italienische und italienisch beeinflusste Werke jener Zeit, die ähnlich gefühlsbetonte Texte vertonten (Pergolesis Stabat mater, Lottis achtstimmiges Crucifixus und Hasses Miserere sind andere bekannte Beispiele), bringt seine Verwendung üppiger Texturen und unerwarteter Harmonien im scheinbar strengen Rahmen von zehn Stimmen plus Continuo Effekte hervor, die sich mit dem chiaroscuro in der Malerei vergleichen lassen. Zu diesem Zweck verbindet Scarlatti geschmeidige chromatische Melodien zu einer kontrapunktischen Textur, wie z.B. im einleitenden „Stabat mater dolorosa“, und erzielt starke emotionale Kontraste, indem er beispielsweise die ausgreifenden Skalen des Chorabschnitts „Quis est homo, qui non fleret“ den quälenden Vorhalten des „Quis non posset contristari“ der Solisten gegenüberstellt. Der diatonische Kontrapunkt des „Fac me vere tecum flere“ scheint sich auf die von Palestrina ererbte prima prattica zurückzubesinnen, während das blumige Duett „Inflammatus et accensus“ und das tänzerische „Amen“ zum Abschluss wahrhaft opernhafte Manierismen erkennen lassen.

Der Ruhm und die Popularität von Scarlattis Klaviersonaten, einer der idiomatischsten und zugleich eigenwilligsten Sammlungen von Cembalomusik überhaupt, hat weitgehend die Tatsache vergessen lassen, dass eine gewisse Anzahl dieser Werke auch für die Orgel geeignet ist – in der Tat waren einige ursprünglich für dieses Instrument gedacht. Das Paar Kk254 4 und Kk255 6 gehört in die erste Kategorie – die vorwiegend schlichten Texturen dieser Werke passen gut zum Klang der Barockorgel. In Kk255 finden sich zwei ungewöhnliche Anmerkungen, die auf den Einsatz musikalischer Nachahmung durch den Komponisten hinweisen: „oytabado“ (Takt 37) ist wahrscheinlich von „oitavado“ abgeleitet, einem populären portugiesischen Tanz des achtzehnten Jahrhunderts, und „tortorilla“ (Takt 64) bedeutet „Turteltaube“. In einer Manuskriptquelle (I-Vnm MS.9774) trägt die Sonate Kk287 5 die Überschrift „Per organo da camera con due Tastatura Flautato e Trombone“, und ihr Gegenstück Kk288 2 weist ebenfalls Angaben zur Registrierung auf (I-PAc AG31412). Von der Form her handelt es sich bei diesen beiden Stücken um Orgelfantasien, denn keines von beiden steht in der zweiteiligen Form mit Doppelstrich, die für Scarlattis Sonaten typisch ist. Kk328 3 gehört ebenfalls in diese zweite Kategorie, trägt es doch die Registrierungsangaben „Flo“ und „Org.“ („flauto“ im Sinne von „Flötenregister“ und „organo“ in der Bedeutung von „Prinzipal“).

Wie das Stabat mater ist auch das kurze Salve regina in a-Moll 7 ein Werk aus Scarlattis erster italienischer Schaffensperiode – es weist viele Ähnlichkeiten mit der frühen Cembalofuge Kk41 auf. Vom Stil her intim und unaufdringlich, künden die sechs Abschnitte des Werks wiederum von einer hochentwickelten Sensibilität für den Text – sie reichen vom sanften, doch geradezu freudigen „Ad te clamamus“ bis zur trauernden Chromatik des „gementes et flentes in hac lacrimarum valle“ und dem exquisiten Abschiednehmen von „o pia, o dulcis virgo Maria“.

Nicholas Clapton © 1985
Deutsch: Anne Steeb/Bernd Müller