Felix Mendelssohn-Bartholdy was born in Hamburg, the son of a Jewish banker and the grandson of Moses Mendelssohn, the philosopher. Like his father he was a convert to Christianity. By the time he was seventeen he had written twelve youthful symphonies for strings and firmly established himself with his string Octet and Midsummer Night’s Dream overture. Although he was a product of the Romantic age, his mode of expression was poetic rather than ostentatious. He leaned heavily towards the Classical tradition and was well attuned to the conservatism expected in religious music in his day. The Ave Maria is the second of Three Sacred Pieces, Op 23, for tenor voice, chorus and organ, written in 1830. With its alternations of soloist and choir and its interplay of block harmony and lively counterpoint, it makes a profound impact.

The sacred cantatas of Johann Sebastian Bach were intended for inclusion in the services of the Lutheran church and were intimately associated with the liturgy. Often they were written for a specific season or event in the church’s year and based on a relevant chorale and texts from the Epistle or Gospel for the day. A choir would be needed, with one or more solo singers and an orchestra including a keyboard continuo, and there might be recitatives, arias, possibly a duet, choruses and settings of the chosen chorale, both simple and more elaborate. Church Cantata No 147 (‘Herz und Mund und Tat und Leben’ – ‘Heart and mouth and deed and life’) was sung in July 1723 at the Thomaskirche, Leipzig, where Bach had just been appointed Cantor. The chorale Jesu, joy of man’s desiring, with its oboe obbligato here recreated on the organ, is the cantata’s final movement.

It was in 1872 that César Franck wrote his Panis angelicus for tenor voice, organ, harp, cello and double bass, and it was published in that form the same year. Later he felt moved to incorporate it into his 1860 Messe à 3 voix which, without it, had been first sung in the Church of Sainte-Clotilde, Paris, where he was organist and choirmaster, in April 1861. The song itself is well enough known to need no introduction. The present arrangement by Andrew Gant begins with a straightforward delivery of the melody by unison trebles and proceeds to a full-choir verse making effective use of Franck’s canon.

Colin Mawby is a former Master of Music at Westminster Cathedral. Over the years he has composed a large number of short motets including this Ave verum corpus for mixed choir (dividing at times into as many as eight parts) with organ accompaniment. His is an unusually dramatic setting, depicting, at different dynamic levels, Christ’s agony on the Cross and the awed recognition by Christians of His sacrifice for mankind.

The name of Gioacchino Rossini is indissolubly linked with opera, his lighthearted sallies in this field, like The Italian Girl in Algiers and The Barber of Seville, revealing a more assured sense of theatre and making more of an impact than the tragic Tancredi or William Tell. But he also composed sacred music, including the Stabat mater and the Petite messe solennelle. As he wrote in a letter to the critic Filippo Filippi, ‘all genres are good except the boring one’. O salutaris hostia is a moving, homophonic motet for unaccompanied four-part choir, published in Paris in 1857.

Sir William Harris trained at the Royal College of Music where he studied the organ with Sir Walter Parratt and composition with Charles Wood and Walford Davies. After a period as assistant organist at Lichfield Cathedral he settled in Oxford where he became organist first of New College and later of Christ Church. From 1923 he was a professor at the RCM, and he conducted the Oxford Bach Choir for some years before embarking on almost three decades as Organist and Master of the Choristers of St George’s Chapel, Windsor. His compositions include a major choral work, The Hound of Heaven, for baritone solo, chorus and orchestra, but he is remembered chiefly for his church and organ music of which the anthem Faire is the heaven, a setting for double choir of a poem by Edmund Spenser, is an outstanding example.

Gustav Holst was twenty-six when he wrote his Ave Maria for unaccompanied eight-part female chorus (sung here by boys). His student days at the Royal College of Music where, like many another, he had studied composition with Stanford, had been unremarkable, but it was there that he met a fellow student, Ralph Vaughan Williams, who was to become a valued friend and musical touchstone. Holst left the RCM in 1898 and made his way for a time as a trombonist with the Carl Rosa Opera Company and the Scottish Orchestra. The Ave Maria is prophetic of the later Holst, breaking away from the heady chromaticism of Wagner and the stolidness of Victorian church music and finding a greater freedom in the use of dissonance within diatonic harmony.

Charles Gounod is now remembered mainly for the opera Faust and perhaps, on a more modest level, for the Funeral March of a Marionette. Born in Paris, he studied at the Conservatoire under Halévy and Le Sueur, winning the coveted Prix de Rome in 1839 with an early cantata called Fernand. In the Italian capital he made a study of sixteenth-century church music, especially the masses and motets of Palestrina, and was introduced to the works of J S Bach. Some would regard his tampering with the C major Prelude at the start of Bach’s ‘48’ as undiscerning – if not comparable to drawing a moustache on the Mona Lisa, at least equivalent to thickening her eyebrows. But this rather saccharine Ave Maria, with its sentimentalized melody superimposed on Bach’s broken chords, was popular in its day. Composed in 1859 and described by Gounod as a ‘mélodie religieuse adaptée au 1er prélude de J S Bach’, it has attracted many arrangers. Colin Mawby’s version, with its largely wordless background, creates an atmosphere markedly different from Gounod’s original.

It took some time for the music of Gabriel Fauré to achieve recognition outside his native France, even the now-familiar Requiem making no real headway abroad until well into the 1940s. Born at Pamiers, in the département of Ariège, he trained at the École Niedermeyer in Paris where he attended the piano classes of Saint-Saëns and studied modal harmony and plainsong. In time he was destined to become director of the Paris Conservatoire, but his interest in church music waned and he eventually gave up his choir training and organ playing. Faure’s Op 47 consists of an O salutaris for solo voice and the present Maria, mater gratiae for two voices. Both works are provided with an organ accompaniment. The latter was completed in March 1888, shortly after the first version of the Requiem had its premiere at the Church of the Madeleine, and was scored for tenor and baritone voices. An arrangement for soprano and mezzo followed later in the year.

Sir Edward Elgar had little formal training in music. Yet by the time he was thirty he had succeeded his father as organist of St George’s Roman Catholic Church in Worcester, served as an orchestral violinist in a number of Three Choirs Festivals (including one conducted by Dvorák) and had his orchestral Sevillana performed under the baton of August Manns (no less) in London’s Crystal Palace. He was, of course, destined for greatness. His Op 2 comprises three short motets – Ave Maria, Ave maris stella, and the present Ave verum corpus, which is first in the set. Steeped in the Romantic tradition of Mendelssohn and Gounod and requiring a four-part mixed choir and organ, it was originally set to the words of the Pie Jesu. It was completed in 1887 and revised five years later.

Ave verum corpus for four-part mixed choir, strings and organ. The manuscript is dated 17 June 1791, and the music shows a Catholic quality in its simple devotion and sincerity. In this brief motet, to quote the words of Alfred Einstein, ‘ecclesiastical and personal elements flow together’.

The Peer Gynt suites and the A minor Piano Concerto have long kept the name of Edvard Grieg in the public eye, but he was essentially a miniaturist and, apart from collections of self-contained album leaves like the ten books of Lyric Pieces for the piano, he wrote well over a hundred songs, many of them for the soprano Nina Hagerup, a compatriot and cousin. The Ave maris stella of 1898 is a mixed-choir arrangement of a solo song written in the same year.

In 1919 Mauclair wrote of Déodat de Séverac that he was ‘the only one – since Pelléas – to have sought and found a new means of expression’. This was perhaps an extravagant claim. Having entered the Paris Conservatoire as a student in 1896, Séverac disliked what he considered the diehard academicism there and transferred to the Schola Cantorum where he studied under d’Indy, Magnard and Guilmant, and where Albert Roussel was among his peers. Albéniz taught him the piano, and his idiom embraces the pictorial Romanticism of Mussorgsky, the vibrancy of Albéniz himself, and the idealistic passion of d’Indy and the Schola as a whole. Now and then he makes an incursion into Debussyan impressionism. The Tantum ergo is one of six motets which he composed in 1920. It consists of two verses and an Amen coda.

Pierre Villette was prolific in many fields of composition – vocal, orchestral and instrumental. Brought up in the choir school tradition, he was a chorister at Rouen Cathedral and, in adulthood, was director of the Darius Milhaud Conservatoire at Aix-en-Provence. His extensive output of church music consists mainly of motets, but a larger-scale Messe en français was given its premiere at a Three Choirs Festival at Worcester in 1981. The Hymne à la Vierge is Villette’s best-known work – an a cappella setting of words by Roland Bouhéret, melodious, homophonic and chromatic, with some delicious harmonies in the four-bar coda.

Franz Schubert was one of the few composers who were actually born in Vienna as well as dying there. Although he was an almost exact contemporary of Beethoven, who died only a year and eight months before he did, his spirit was unequivocally Romantic, and his genius for conveying subtle moods and emotions in musical terms is manifest, not least in his numerous songs. His 1820 setting of Moses Mendelssohn’s German version of Psalm 23, The Lord is my shepherd, for two sopranos, two contraltos and piano, is here sung in English by boys’ voices with organ accompaniment. The original was intended for the pupils of Anna Fröhlich, a young teacher of singing at the Vienna Conservatorium who, with her three equally charming sisters, had won Schubert’s heart.

In 1840 the thirty-one-year-old Felix Mendelssohn was in Leipzig, the hub of the German book trade, where preparations were under way to mark the four hundredth anniversary of the invention of printing by Johann Gutenberg. His contributions to the festivities were the Lobgesang, or Hymn of Praise (in reality his second symphony) and the Festgesang for double male-voice choir. Like Beethoven’s ninth symphony, the Hymn of Praise consists of three orchestral movements and a choral finale, though the latter takes up a much larger proportion of the work than Beethoven’s corresponding movement and the inspiration is on a lower level. It pleased the King of Saxony, who had it repeated at a later date as a command performance, and Schumann likened the duet I waited for the Lord to ‘a glimpse of heaven filled with Raphael Madonnas’. Other critics have treated the work, as a whole, less generously.

Cantique de Jean Racine that won Gabriel Fauré the first prize for composition at the École Niedermeyer in Paris in 1865. The original was for choir and organ, but a version for choir, harmonium and string quintet followed in 1866 and Fauré orchestrated the accompaniment in 1906. The music is typical of his quietly devotional style, with a flowing melody which, while thoroughly apt for chordal treatment, also lends itself to contrapuntal imitation. Racine’s poem, dating from the seventeenth century, is a translation of hymns from the Roman Breviary.

The words of the Song of Simeon – the Nunc dimittis – are familiar from St Luke’s Gospel, from Compline in the Roman Catholic Church and from Anglican Evening Prayer. Gustav Holst’s setting, for unaccompanied eight-part mixed choir, is of the Latin version in the Vulgate. Written in 1915, it was first sung in Westminster Cathedral in April of that year and was one of a number of choral pieces which the first Master of Music at the Cathedral, Sir Richard Terry, invited from leading composers of the day. Not only Holst, but Stanford, Vaughan Williams, Arnold Bax and Herbert Howells (among others) contributed to this ongoing series.

Wadham Sutton © 1993

Né à Hambourg, Felix Mendelssohn-Bartholdy était le fils d’un banquier juif et le petit-fils du philosophe Moses Mendelssohn. Comme son père, il était converti au christianisme. À l’âge de dix-sept ans, il avait déjà écrit douze symphonies pour cordes et commencé à établir sa renommée avec l’Octuor à cordes et l’ouverture du Songe d’une nuit d’été. Bien qu’il ait appartenu à l’ère romantique, il sut garder un mode d’expression poétique dénué d’ostentation. Il penchait fortement vers la tradition classique et s’accommoda fort bien du conservatisme qui était de mise dans la musique religieuse de son époque. Cet Ave Maria est la deuxième des Trois pièces sacrées, Op 23, pour ténor, chœur et orgue, datant de 1830. Son profond impact provient de l’alternance de la voix soliste et du chœur et de l’interaction des blocs harmoniques avec un contrepoint animé.

Les cantates sacrées de Johann Sebastian Bach étaient destinées à être incluses dans les offices de l’Église luthérienne et étroitement associées à la liturgie. Souvent, elles étaient écrites pour des périodes ou des événements spécifiques de l’année liturgique, à partir d’un texte ou d’un choral tiré de l’épître ou de la liturgie du jour en question. Ces cantates réclamaient généralement un chœur avec une ou plusieurs voix solistes, et un orchestre incluant un continuo de clavier; elles pouvaient comprendre des récitatifs, des airs, parfois un duo, des passages de chœur et divers arrangements du choral choisi, des plus simples au plus élaborés. La Cantate d’église no147 («Herz und Mund und Tat und Leben») fut chantée en juillet 1723 à la Thomaskirche, dont Bach venait d’être nommé le chantre. Le choral Jésus que ma joie demeure (Jesu, joy of man’s desiring en anglais), avec son obbligato de hautbois ici recréé à l’orgue, constitue le dernier mouvement de cette cantate.

C’est en 1872 que César Franck écrivit son Panis angelicus pour voix ténor, orgue, harpe, violoncelle et contrebasse; l’œuvre fut publiée sous cette forme la même année. Plus tard, il devait l’incorporer à sa Messe à trois voix, datant de 1860, qui avait été chantée pour la première fois en avril 1861, sans cet ajout, à l’église Sainte-Clotilde, à Paris, dont Franck était l’organiste et le maître de chapelle. La chanson est assez connue pour ne pas être présentée. Le présent arrangement, par Andrew Gant, commence par une exposition directe de la mélodie par les sopranos à l’unison, avant que le chœur tout entier n’entame le couplet, exploitant efficacement le canon de Franck.

Avant d’aller s’installer en Irlande, Colin Mawby occupait le poste de maître de musique de la cathédrale de Westminster. Au cours des ans, il a composé un grand nombre de courts motets, dont notamment cet Ave verum corpus pour chœur mixte (comptant parfois jusqu’à huit parties) avec accompagnement d’orgue. Il s’agit d’une mise en musique inhabituellement dramatique dépeignant, à différents niveaux dynamiques, l’agonie du Christ sur la Croix et le sentiment de respect mêlé de crainte des chrétiens devant son sacrifice pour l’humanité.

Le nom de Gioacchino Rossini est inséparable de l’opéra, genre dans lequel ses contributions plus allègres comme l’Italiana in Algeri ou Il Barbiere di Siviglia révélent un sens théâtral plus assuré et s’avèrent d’un impact plus durable que les œuvres tragiques que sont Tancredi ou Guillaume Tell. Mais Rossini composa également de la musique sacrée, dont le Stabat mater et la Petite messe solennelle. Comme il l’écrivit dans une lettre adressée au critique Filippo Filippi, «tous les genres sont bons, hormis l’ennuyeux». Publié à Paris en 1857, O salutaris hostia est un motet homophonique assez touchant pour chœur non accompagné à quatre parties.

Sir William Harris fut formé au Royal College of Music où il étudia l’orgue avec Sir Walter Parratt et la composition avec Charles Wood et Walford Davies. Après avoir été quelque temps organiste adjoint à la cathédrale de Lichfield, il s’installa à Oxford où il occupa le poste d’organiste titulaire de New College puis de Christ Church. En 1923, il fut nommé professeur au Royal College of Music et dirigea l’Oxford Bach Choir pendant quelques années avant de devenir organiste et maître des choristes de la chapelle St George, à Windsor, fonction qu’il occupera pendant presque trente ans. Ses compositions comptent une œuvre chorale d’envergure, The Hound of Heaven, pour baryton soliste, chœur et orchestre, mais il est surtout connu pour ses pièces pour orgue et sa musique d’église, dont le remarquable motet Faire is the heaven, une pièce pour chœur double sur un poème d’Edmund Spenser.

Gustav Holst avait vingt-six ans lorsqu’il écrivit son Ave Maria pour chœur de femmes non accompagné à huit parties (chanté ici par des garçons). Ses années de formation au Royal College of Music, où, comme tant d’autres, il étudia la composition avec Stanford, avaient été peu remarquables mis a part le fait qu’il y avait rencontré Ralph Vaughan Williams, qui devait devenir un ami cher et un guide musical. Holst quitta le Royal College of Music en 1898 et commença sa carrière comme trombone au sein de la Carl Rosa Opera Company et du Scottish Orchestra. Cet Ave Maria annonce déjà les compositions futures en ce sens qu’il s’affranchit à la fois du chromatisme capiteux de Wagner et du flegme de la musique d’église de l’Angleterre victorienne au profit d’une plus grande liberté dans l’utilisation de la dissonance dans un cadre harmonique diatonique.

Aujourd’hui, Charles Gounod est surtout connu pour son Faust et sans doute aussi, à un degré moindre, pour sa Marche funèbre d’une marionnette. Né à Paris, il fit ses études au Conservatoire avec Halévy et Le Sueur, et remporta le très convoité Prix de Rome grâce à une cantate de jeunesses intitulée Fernand. Dans la capitale italienne, il étudia la musique d’église du XVIe siècle, notamment les messes et les motets de Palestrina, et s’intéressa particulièrement à l’œuvre de J S Bach. Certains trouveront cette adultération du Prélude en ut majeur ouvrant les «48» de Bach aussi peu subtile – sinon que de dessiner une moustache sur la Mona Lisa, du moins que de lui épaissir les sourcils. Il n’en reste pas moins que cet Ave Maria mielleux, avec sa mélodie pleine de sensiblerie superposée aux accords brisés de Bach, fut populaire en son temps. Composé en 1859 et décrit par Gounod comme une «mélodie religieuse adaptée au 1er prélude de J S Bach», il suscita l’intérêt de nombreux arrangeurs. Cette version de Colin Mawby, s’appuyant sur des paroles très éparses, crée une atmosphère tout à fait différente de l’œuvre originale de Gounod.

La musique de Gabriel Fauré mit du temps à se faire connaître hors de France; même son Requiem, aujourd’hui partout célèbre, ne commença à être exécuté à l’étranger que dans les années 1940. Né à Pamiers, dans l’Ariège, Fauré entra à l’école Niedermeyer, à Paris, où il suivit les classes de piano de Saint-Saëns et étudia l’harmonie modale et le plain-chant. Il devait devenir par la suite directeur du conservatoire de Paris, mais son intérêt pour la musique d’église décrut, si bien qu’il finit par renoncer à ses occupations de choriste et d’organiste. L’opus 47 de Fauré comprend un O salutaris pour voix soliste, et le présent Maria, mater gratiae pour deux voix; l’un et l’autre sont accompagnés d’une partie d’orgue. Le Maria, Mater gratiae pour ténor et baryton, fut terminé en mars 1888, peu de temps après la première du Requiem à l’église de la Madeleine, et fut suivi la même année d’un arrangement pour soprano et mezzo.

Sir Edward Elgar avait une éducation musicale formelle assez limitée. Pourtant, à trente ans, il avait déjà succédé à son père au poste d’organiste de l’église catholique St George de Worcester, avait pris part en tant que violoniste à un certain nombre de festivals Three Choirs (dont un dirigé par Dvorák), et avait vu sa pièce orchestrale Sevillana exécutée sous la baguette d’August Manns (rien de moins) au Crystal Palace de Londres. Il était bien entendu destiné à une grande carrière. Son opus 2 comprend trois courts motets – un Ave Maria, un Ave maris stella et cet Ave verum corpus, qui ouvre le recueil. Baignant dans la tradition romantique de Mendelssohn et de Gounod, et écrit pour chœur mixte à quatre parties et orgue, il utilisait à l’origine le texte du Pie Jesu. Il fut terminé en 1887 et révisé cinq ans plus tard.

Au début de l’été 1791, Constanze Mozart alla séjourner à Baden, près de Vienne, pour une de ses fréquentes cures thermales. Au cours des visites qu’il lui rendit, son mari Wolfgang Amadeus Mozart s’était lié d’amitié avec l’instituteur et maître de chapelle de la ville, Anton Stoll, et c’est pour lui, sans doute pour la cérémonie du Corpus Christi, qu’il écrivit son Ave verum corpus pour chœur mixte à quatre parties, cordes et orgue. Le manuscrit est daté du 17 juin 1791, et la musique présente, à travers sa sincérité et sa sobre dévotion, un authentique caractère catholique. Dans ce bref motet, pour reprendre les mots d’Alfred Einstein, «les éléments ecclésiastiques et personnels se mêlent dans un flot unique».

Ce sont surtout les suites de Peer Gynt et le concerto pour piano en la mineur qui ont jusqu’ici contribué à entretenir la renommée d’Edvard Grieg, mais celui-ci était essentiellement un miniaturiste et, en plus de recueils de courtes pièces tels que les dix volumes de Pièces lyriques pour le piano, il écrivit plus d’une centaine de mélodies, la plupart d’entre elles pour la soprano Nina Hagerup, compatriote et cousine du compositeur. Cet Ave maris stella, datant de 1898, est un arrangement pour chœur mixte d’une mélodie soliste composée la même année.

En 1919, Mauclair écrivit non sans extravagance à propos de Déodat de Séverac qu’il était «le seul – depuis Pelléas – à avoir cherché et trouvé un nouveau moyen d’expression». Considérant que le conservatoire de Paris, où il était entré en 1896, souffrait d’un académisme outrancier, Séverac choisit de poursuivre sa formation musicale à la Schola Cantorum où il étudia avec d’Indy, Magnard et Guilmant, et où il compta Albert Roussel parmi ses pairs. Albéniz lui enseigna le piano, et son idiome embrasse à la fois le romantisme pictural de Moussorgsky, la vibrance d’Albéniz et la passion idéaliste de d’Indy et de la Schola en général. De temps à autre, il fait une incursion dans l’impressionnisme de Debussy. Le Tantum ergo fait partie d’un groupe de six motets qu’il composa en 1920. Il est constitué de deux couplets et d’un Amen tenant lieu de coda.

Pierre Villette est un compositeur prolifique, que ce soit dans le domaine vocal, orchestral ou instrumental. Formé dans la tradition de la maîtrise, il fut choriste à la cathédrale de Rouen avant d’occuper le poste de directeur du conservatoire Darius Milhaud d’Aix-en-Provence. Il est l’auteur d’une œuvre abondante de musique d’église, constituée principalement de motets, mais en 1981 fut donnée la première de sa Messe en français, une pièce de plus grande envergure, au festival Three Choirs de Worcester. L’Hymne à la Vierge est l’œuvre la plus connue de Villette – une pièce a cappella mélodique, homophonique et chromatique, sur un texte de Roland Bouhéret, avec quelques harmonies des plus délicieuses dans les quatres mesures de la coda.

Franz Schubert est l’un des rares grands compositeurs qui naquirent et moururent à Vienne. Bien qu’il fût presque exactement contemporain de Beethoven (qui s’éteignit seulement un an et huit mois avant lui), il révéla un esprit résolument romantique, et son génie pour transmettre des émotions et des sentiments subtils en termes musicaux est particulièrement manifeste dans ses nombreuses mélodies. Écrite en 1820 pour deux sopranos, deux contraltos et piano sur la version allemande de Moses Mendelssohn du Psaume 23, celle-ci est ici chantée en anglais par des voix de garçons accompagnées à l’orgue. La version originale était destinée aux élèves d’Anna Fröhlich, une jeune professeur de chant du conservatoire de Vienne qui, avec ses trois sœurs tout aussi charmantes, avait gagné le cœur de Schubert.

En 1840, Felix Mendelssohn, alors âgé de trente-et-un ans, se trouvait à Leipzig, foyer de l’industrie du livre allemande, où l’on se préparait aux cérémonies devant marquer le quatrième centenaire de l’invention de l’imprimerie par Johann Gutenberg. Il contribua aux célébrations avec le Lobgesang (en réalité sa deuxième symphonie), et le Festgesang, pour double chœur d’hommes. Comme la neuvième symphonie de Beethoven, le Lobgesang est constitué de trois mouvements orchestraux et d’un finale choral, bien que celui-ci occupe une plus large place que le mouvement correspondant de l’œuvre de Beethoven, et que son inspiration soit d’un niveau quelque peu inférieur. L’hymne plut au roi de Saxe qui le fit exécuter à nouveau quelque temps plus tard sur sa propre demande, et Schumann compara le duo I waited for the Lord à «une vision du paradis peuplée de madones de Raphaël». Certains critiques se montrèrent toutefois nettement moins généreux à l’égard de l’œuvre dans son ensemble.

Bien qu’il ne fût pas publié avant 1876, c’est le Cantique de Jean Racine qui valut à Gabriel Fauré le premier prix de composition de l’école Niedermeyer, à Paris, en 1865. L’original était pour chœur et orgue, mais il fut suivi d’une version pour chœur, harmonium et quintette à cordes en 1866, et Fauré orchestra l’accompagnement en 1906. On y retrouve son style sobrement dévotionnel avec une mélodie qui, si elle convient parfaitement à un traitement vertical, se prête également à l’imitation contrapuntique. Le poème de Racine, datant du XVIIe siècle, est une traduction de plusieurs hymnes tirés du bréviaire catholique.

Le texte de la Chanson de Siméon – le Nunc dimittis – apparaît dans l’Evangile selon saint Luc, dans les complies de l’Église catholique et dans la prière du soir anglicane. Cette mise en musique de Gustav Holst pour chœur mixte non accompagné à huit parties, utilise la version latine tirée de la Vulgate. Ecrite en 1915, elle fut chantée pour la première fois à la cathédrale de Westminster en avril de la même année, dans le cadre d’une série de pièces chorales que Sir Richard Terry, alors maître de musique de la cathédrale, avait commandées aux principaux compositeurs de l’époque – série à laquelle contribuèrent non seulement Holst, mais aussi notamment Stanford, Vaughan Williams, Arnold Bax et Herbert Howells.

Wadham Sutton © 1993
Français: Jean-Paul Metzger

Felix Mendelssohn-Bartholdy wurde in Hamburg als Sohn eines jüdischen Bankiers und Enkel von Moses Mendelssohn, des Philosophen, geboren. Wie sein Vater bekehrte er sich zum Christentum. Im Alter von siebzehn hatte er bereits zwölf jugendliche Sinfonien für Streicher geschrieben und sich mit seinem Streicheroktett und der Mittsommernachtsouvertüre einen Namen gemacht. Obgleich er ein Produkt des Zeitalters der Romantik war, war seine Ausdrucksweise eher poetisch als überschwenglich. Er hatte starke Neigung zur klassischen Tradition und konnte sich gut auf den von der religiösen Musik seiner Zeit erwarteten Konservatismus einstellen. Das Ave Maria ist die zweite der Drei Kirchenmusiken, Op 23, für Tenorstimme, Chor und Orgel und wurde 1830 geschrieben. Mit seinem Wechsel zwischen Solisten und Chor und seinem Zusammenspiel von Blockharmonie und lebhaftem Kontrapunkt hinterläßt es einen profunden Eindruck.

Die sakralen Kantaten von Johann Sebastian Bach waren zur Aufnahme in den Gottesdienst der lutherischen Kirche gedacht und eng mit der Liturgie verwandt. Häufig wurden sie für eine bestimmte Jahreszeit oder einen Tag des Kirchenjahres geschrieben und basierten auf einem relevanten Choral und Texten der Epistel oder des Evangeliums des Tages. Man benötigte einen Chor mit einem oder mehreren Solisten und ein Orchester einschließlich eines Tasteninstruments Basso continuo und es mag Rezitative, Arien, möglicherweise ein Duet, Chöre und Sätze des gewählten Chorals geben, sowohl einfacher als auch elaborierter Art. Die Kirchenkantate Nr. 147 („Herz und Mund und Tat und Leben“) wurde im Juli 1723 in der Thomaskirche in Leipzig gesunden, wo Bach gerade zum Kantor ernannt worden war. Der Choral Jesus bleibet meine Freude, dessen Oboen-Obbligato hier auf der Orgel gespielt wurde, ist im letzten Satz der Kantate.

César Franck schrieb sein Panis angelicus für Tenorstimme, Orgel, Harfe, Cello und Kontrabaß 1872 und es wurde in dieser Form im gleichen Jahr veröffentlicht. Später baute er es in seine aus dem Jahr 1860 stammende dreistimmige Messe ein, die erstmals ohne es in der Saint-Clotilde-Kirche in Paris gesungen worden war, wo er im April 1861 Organist und Chorleiter war. Das Lied selbst ist so wohlbekannt, daß es keiner Vorstellung bedarf. Das gegenwärtige Arrangement von Andrew Gant beginnt mit einer geradlinien Wiedergabe der Melodie von unisono Sopranstimmen und schreitet dann zu einem Vers mit vollem Chor fort, wobei Francks Kanon äußerst wirksam eingesetzt wird.

Colin Mawby ist ein ehemaliger Master of Music der Westminster-Kathedrale und lebt jetzt in der Republik Irland. Im Laufe der Jahre hat er eine große Anzahl kurzer Motetten komponiert, einschließlich dieses Ave verum corpus für gemischten Chor (das sich stellenweise in bis zu acht Partien aufteilt) mit Orgelbegleitung. Er wählte einen ungewöhnlich dramatischen Hintergrund, der auf unterschiedlichen dynamischen Niveaus das Leiden Christi am Kreuz darstellt und die erfürchtige Erkenntnis der Christen seines für die Menschheit dargebrachten Opfers.

Der Name Gioacchino Rossini ist untrennbar mit der Oper verbunden; seine leichtherzigen Ausflüge in dieses Gebiet wie L’Italiana in Algeri oder Il Barbiere di Siviglia zeigen ein sichereres Gefühl für das Theater und haben größere Wirkung als die tragischen Opern Tancred und Wilhelm Tell. Doch er komponiert auch Kirchenmusik, einschließlich des Stabat mater und der Petite messe solennelle. Wie er in einem Brief an Filippo Filippi schrieb: „Alle Gattungen sind gut, außer die langweiligen.“ O salutaris hostia ist eine bewegende, homophone Motette für vierstimmigen Chor ohne Begleitung, die in 1857 in Paris veröffentlicht wurde.

Sir William Harris studierte am Royal College of Music das Orgelspiel bei Sir Walter Parratt und Komposition bei Charles Wood und Walford Davies. Nach einer Zeit als zweiter Organist in der Kathedrale von Lichfield ließ er sich in Oxford nieder, wo er erst Organist des New College und dann von Christ Church wurde. Ab 1923 war er ein Professor am Royal College of Music und dirigierte den Bachchor von Oxford einige Jahre lang, bis er seine fast drei Jahrzehnte dauernde Tätigkeit als Organist und Chorleiter der St.-Georgs-Kapelle in Windsor antrat. Seine Kompositionen schließen eine große Choralarbeit ein, The Hound of Heaven für Baritonsolo, Chor und Orchester, aber er ist in erster Linie für seine Kirchen- und Orgelmusik unvergessen, für die die Hymne Faire is the heaven, die Umsetzung für Baßchor eines Gedichtes von Edmund Spenser ein überragendes Beispiel ist.

Gustav Holst war sechsundzwanzig, als er sein Ave Maria für achtstimmigen Frauenchor (hier von Knaben gesungen) ohne Begleitung schrieb. Seine Studentenzeit am Royal College of Music, wo er wie viele andere bei Stanford Komposition studiert hatte, war an sich nicht besonders bemerkenswert, er lernte dort jedoch den Kommilitonen Ralph Vaughan Williams kennen, der zu einem geschätzten Freund und musikalischen Prüfstein wurde. Holst verließ das RCM 1898 und war dann eine Weile als Posaunist bei der Carl Rosa Opera Company und dem schottischen Orchester tätig. Das Ave Maria prophezeit den späteren Holst und die Abkehr des wagnerianischen berauschenden Chromatizismus und der Gesetztheit der viktorianischen Kirchenmusik. Hier herrscht größere Freiheit im Einsatz der Dissonanz in der diatonischen Harmonie.

An Charles Gounod erinnert man sich heute hauptsächlich aufgrund der Oper Faust und vielleicht auf einer bescheideneren Stufe für den Trauermarch einer Marionette. In Paris geboren, studierte er am Konservatorium unter Halévy und Le Sueur und gewann 1839 den begehrten Prix de Rome mit einer frühen Kantate mit dem Titel Fernand. In der italienischen Hauptstadt studierte er die Kirchenmusik des sechzehnten Jahrhunderts, vor allem die Messen und Motetten von Palestrina und wurde mit den Werken von J. S. Bach bekannt gemacht. Manche betrachten seine Spielerei mit der C-Dur Prelude am Anfang von Bachs Achtundvierzigsten als plump – wenn der Mona Lisa hier zwar kein Schnurrbart gemalt wird, so werden doch zumindest ihre Augenbrauen nachgezogen. Doch dieses eher zuckersüße Ave Maria mit seiner sentimentalen, Bachs gebrochenen Akkorden überlegten Melodie, war zu seiner Zeit äußerst beliebt. Die 1859 komponierte und von Gounod als „mélodie religieuse adaptée au 1er prélude de J. S. Bach“ beschriebene Arbeit hat viele Arrangeure angezogen. Colin Mawbys Fassung mit seinem größtenteils wortlosen Hintergrund erzeugt eine sich deutlich von Gounods Original unterscheidende Atmosphäre.

Es dauerte einige Zeit, bis die Musik von Gabriel Fauré auch außerhalb seines französischen Vaterlands anerkannt wurde. Sogar das heute bekannte Requiem erreichte erst in den vierziger Jahren einen Durchbruch. Fauré, geboren in Pamiers im Bezirk von Ariège, studierte an der Niedermeyer-Schule in Paris wo er den Klavierstunden von Saint-Saëns beiwohnte und modale Harmonie und Gregorianischen Gesang studierte. Mit der Zeit schien er bestimmt, Direktor des Pariser Konservatoriums zu werden, doch sein Interesse an Kirchenmusik ließ nach und er gab seine Chorübungen und Orgelspiel schließlich auf. Faurés Op 47 besteht aus einem O salutaris für Solostimme und dem hier vorliegenden, zweistimmigen Maria, mater gratiae. Beide Arbeiten haben Orgelbegleitung. Letztere wurde im März 1888 vollendet, kurz nachdem die erste Version des Requiems in der Madeleine-Kirche Premiere hatte, mit einer Partitur für Tenor- und Baritonstimmen. Ein Arrangement für Sopran und Mezzosopran folgte später im gleichen Jahr.

Sir Edward Elgar hatte wenig formellen Musikunterricht erhalten. Im Alter von dreißig Jahren war er jedoch bereits seinem Vater als Organist der katholischen St.-Georgs-Kirche in Worcester nachgefolgt, war in einer Reihe von Three Choir Festivals (darunter ein von Dvorák dirigiertes) als Orchesterviolinist beteiligt und seine orchestrale Sevillana war sogar unter Leitung des berühmten August Manns im Londoner Crystal Palace aufgeführt worden. Somit war er zweifellos für großen Ruhm bestimmt. Sein Op 2 besteht aus drei kurzen Motetten – Ave Maria, Ave maris stella und das hier vorliegende Ave verum corpus, das die Stücke einführt. Geprägt von der romantischen Tradition von Mendelssohn und Gounod für einen vierstimmigen gemischten Chor und Orgel vertonte es ursprünglich das Pie Jesu. Es wurde 1887 vollendet und fünf Jahre danach überarbeitet.

Im Frühsommer 1791 hielt sich Constanze Mozart wieder einmal im Kurbad Baden in der Nähe von Wien auf. Während seiner Besuche bei ihr hatte sich ihr Gemahl Wolfgang Amadeus Mozart mit dem örtlichen Schulmeister und Chorleiter Anton Stoll angefreundet und schrieb für ihn möglicherweise für das Corpus-Christi-Kirchenfest sein Ave verum corpus für vierstimmigen gemischten Chor, Streicher und Orgel. Das Manuskript datiert auf den 17. Juni 1791 und die Musik ist katholisch in ihrer schlichten Hingebung und Aufrichtigkeit. In den Worten von Albert Einstein verschwimmen in dieser kurzen Motette kirchliche und persönliche Elemente.

Die Peer-Gynt-Suiten und das Klavierkonzert in a-moll haben den Namen Edvard Grieg in der Öffentlichkeit bekannt gemacht. Im Grunde war er jedoch ein Miniaturist und abgesehen von Sammlungen von in sich abgeschlossenen Albumblättern wie die zehn Bände an Lyrischen Stücken für das Piano schrieb er über hundert Lieder, viele von ihnen für den Sopran Nina Hagerup, eine Landsmännin und Cousine. Das Ave maris stella aus dem Jahr 1898 ist ein Arrangement für gemischten Chor eines aus dem gleichen Jahr stammenden Liedes.

1991 schrieb Mauclair über Déodat de Séverac, daß er „seit Pelléas der einzige war, der eine neue Ausdrucksform gesucht und gefunden hat“. Dieser Anspruch war vielleicht etwas überzogen. Nachdem er 1896 in das Pariser Konservatorium als Student eingetreten war, lehnte Séverac ab, was er als das reaktionäre Akademikertum dort betrachtete und wechselte zur Schola Cantorum, wo er unter d’Indy, Magnard und Guilmant studierte und Albert Roussel unter seinen Kommilitonen war. Albéniz lehrte ihn das Klavierspiel und sein Idiom umfaßt Mussorgskys bildlichen Romantizismus, die Vibranz von Albéniz selbst und die idealistische Leidenschaft von d’Indy und der Schola insgesamt. Hie und da erlaubt er sich einen Ausflug in einen Debussyanischen Impressionismus. Das Tantum ergo ist eine von sechs Motetten, die er 1920 komponierte. Sie besteht aus zwei Versen und einem Amen-Koda.

Pierre Villette war in vielen Gebieten der Komposition, sei es vokal, orchestral oder instrumental äußerst aktiv. In der Chortradition erzogen, war er Chorknabe in der Kathedrale von Rouen und später als Erwachsener Direktor des Darius-Milhaud-Konservatoriums in Aix-en-Provence. Sein reichhaltiges Werk an Kirchenmusik besteht hauptsächlich aus Motetten, doch eine Messe en français in einem größeren Rahmen wurde anläßlich des Three Choirs Festival 1981 in Worcester uraufgeführt. Die Hymne à la Vierge ist Villettes bekannteste Arbeit – eine A-Kapella-Version der Worte von Roland Bouhéret, melodiös, homophonisch und chromatisch, mit einigen deliziösen Harmonien im viertaktigen Koda.

Franz Schubert war einer der wenigen Komponisten, die tatsächlich nicht nur in Wien starben, sondern auch dort geboren waren. Obgleich er fast genau Beethovens Zeitgenosse war – dieser starb nur ein Jahr und acht Monate vor ihm – war er ein unverfälschter Romantiker und sein Genie, feinste Stimmungen und Gefühle in Musik umzusetzen, ist nicht nur in seinen zahlreichen Liedern manifest. Seine Umsetzung von Moses Mendelssohns deutscher Fassung des 23. Psalms für zwei Soprane, zwei Altstimmen und Piano aus dem Jahr 1820 wird hier auf Englisch von zwei Knabenstimmen mit Orgelbegleitung gesungen. Das Original war für die Schüler von Anna Fröhlich bestimmt, einer jungen Gesangslehrerin am Wiener Konservatorium, die zusammen mit ihren drei gleichermaßen charmanten Schwestern Schuberts Herz erobert hatte.

1840 war der einundreißigjährige Felix Mendelssohn in Leipzig, dem Zentrum des deutschen Buchhandels, wo die Vorbereitungen für den vierhundertsten Jahrestag der Erfindung des Buchdrucks durch Johann Gutenberg im Gange waren. Sein Beitrag zu den Festlichkeiten waren der Lobgesang (eigentlich seine zweite Sinfonie) und der Festgesang für Baßchor. Wie Beethovens neunte Sinfonie besteht der Lobgesang aus drei Orchestersätzen und einem Chorfinale, obgleich letzteres einen größeren Teil der Arbeit einnimmt als in Beethovens entsprechendem Satz und die Inspiration auf einer niedrigeren Ebene ist. Es gefiel dem sächsischen König, der es zu einem späteren Zeitpunkt nochmals aufführen ließ und Schumann verglich das Duet Ich erwartete den Herrn mit „einem Blick in den mit raphaelitischen Madonnen gefüllten Himmel“. Andere Kritiker haben die Arbeit jedoch weniger großzügig aufgenommen.

Obgleich es erst 1876 veröffentlicht wurde, war es das Cantique de Jean Racine, für das Gabriel Fauré 1865 den ersten Preis für Komposition der École Niedermeyer in Paris erhielt. Das Original war für Chor und Orgel, es folgte jedoch 1866 eine Fassung für Chor, Harmonium und Streichquartett und 1906 orchestrierte Fauré die Begleitung. Die Musik ist typisch für seinen leisen, devoten Stil mit einer fließenden Melodie die sich, obgleich sie ausgezeichnet für Akkorddarstellung geeignet ist, genauso für eine Kontrapunkt-Imitation anbietet. Racines aus dem siebzehnten Jahrhundert stammendes Gedicht ist eine Übersetzung von Hymnen aus dem römischen Brevier.

Die Worte des Simon – das Nunc dimittis – sind aus dem Lukas-Evangelium, aus dem Komplet der katholischen Kirche und dem anglikanischen Abendgebet bekannt. Gustav Holsts Umsetzung für achtstimmigen gemischten Chor ohne Begleitung beruht auf der lateinischen Version im Vulgate. Es stammt aus dem Jahr 1915 und wurde erstmals in der Kathedrale von Westminster im April des gleichen Jahres gesungen, als eines einer Reihe von Chorstücken, die der erste Master of Music der Kathedrale Sir Richard Terry von führenden Komponisten jener Zeit erbat. Nicht nur Holst, sondern auch Stanford, Vaughan Williams, Arnold Bax und Herbert Howells trugen unter anderem zu dieser laufenden Serie bei.

Wadham Sutton © 1993
Deutsch: Heidi Kerschl