Finland became largely Lutheran at the time of the Reformation, resulting in the introduction of the chorale and the organ into church worship. Instruments were imported from Germany in the following centuries, and the organ established itself in Finland as an important ingredient of art music. A lively and active interest in the organ continues today, as indeed elsewhere in the Scandinavian region, where organists receive remuneration fitting to their employment as full-time professionals and where they can expect high quality instruments on which to play.

Jehan Alain (1911–1940) Litanies
Jehan Alain was a near contemporary of the great composer and organist Olivier Messiaen, possibly rivalling his vision and genius, but Alain’s life was cut short when he was killed in action at the age of 29, just five days before France withdrew from World War II. He had received his first organ lessons from his father, and then progressed to the Paris Conservatoire. He became a brilliant keyboard player and a compulsive composer, who saw music as revelatory of states of the soul, and who was drawn to music’s power to create a sense of mystery rather than express emotions.

Litanies began as an organ piece called Phantasmagorie from which Alain drew some material for the later work which he originally called Supplications. The plainsong phrase which opens the music is repeated continually, propelled by a locomotive rhythm to an ecstatic climax. Alain once wrote about how to play Litanies. ‘You must create an impression of passionate incantation. Prayer is not a lament but a devastating tornado, flattening everything is its way. It is also an obsession. You must fill men’s ears with it, and God’s ears too! If you get to the end without feeling exhausted you have neither understood [Litanies] nor played it as I would want it.’

The score itself is headed with a quotation which can be related to the death of one of Alain’s sisters in 1937, the year in which it was written: ‘When the Christian soul is in distress and cannot find any fresh words to implore God’s mercy, it repeats the same prayer unceasingly with overwhelming faith. The limit of reason is past. It is faith alone which propels its ascent.’

Jean Sibelius (1865–1957) Finlandia Op 26, arranged Herbert A Fricker (1868–1943)
At the end of the last century Finland was a part of the Russian dominion and subjected increasingly to political repression. In 1899 its right of self-government was removed and freedom of speech was severely restricted. A series of events was arranged in Helsinki for November of that year, ostensibly to raise money for the Press Pensions Fund, but they became more of a political rally. The climax was a gala performance at the Swedish Theatre which included a series of six tableaux depicting events in Finnish history. Sibelius wrote the music, and it was the last movement, called ‘Finland Awakes’ which he later adapted as an overture for the Helsinki Philharmonic Orchestra to play at the Paris World Exhibition. The title Finlandia came from an admirer, although it was some time before the music bore that name, first having alternative titles less likely to attract the attention of the Russian censor. The music depicts Finland’s emerging national consciousness, its artistic awakening, its folk culture, its material progress, and its legends. It includes the famous ‘Finlandia’ melody which has been widely adopted as a hymn tune.

Herbert Fricker was a British-born organist who spent the latter part of his career in North America where he established himself as a choral conductor, and whose noteworthy achievements included directing a broadcast performance of Bach’s B minor Mass from the 1939 New York World’s Fair. His arrangement of Finlandia was published in 1907, at a time when he was city organist in the northern English city of Leeds.

Bjarne Sløgedal (b1937) Variations on a Norwegian Folk Tune
Bjarne Sløgedal is organist and conductor of Kristiansand Cathedral in Norway, where he also directs an international Church Music Festival. He studied in Oslo, then at the Juilliard School in New York and at Kooninglich Conservatorium in the Hague. He composes for choir and orchestra in addition to the organ, and is a collector and arranger of Norwegian folk music.

The theme of the Variations is a chorale familiar in Norway from the hymn book, and derived from a Norwegian folk tune whose short-breathed phrases give it a particularly expressive quality. It was both the melody and the words which inspired the composer. The opening line begins: ‘Å hvor salig det skal blive’ (‘O how glorious will it be for the children of God’). The first three variations emphasize the folk origins of the tune, casting it as a song in variation 1, then as a flute melody over a hurdy-gurdy-style drone bass in the second variation. The title of the third variation, Langeleik, is the name of a Norwegian zither-like folk instrument which has one melodic string and up to seven drone strings. The music echoes its timbre, creating an interesting registration challenge. The final variation is an apotheosis of the melody. The composer dedicated the variations ‘Mine foreldre tilegnet … ’—‘to my parents’.

Henri Mulet (1878–1967) Carillon-Sortie
Mulet was the son of the choirmaster at the basilica of Sacré Coeur in Paris and was involved in the music there from boyhood. He progressed to the Paris Conservatoire where he was a major prizewinner both on the cello and the organ, and then pursued a musical career which in its earlier years brought him church and academic appointments in Paris.

He wrote Carillon-Sortie during the time prior to 1917 when he was organ professor at the Ecole Niedermeyer and organist of the St Roch church in Paris. It is a brilliant final voluntary in toccata style, imitative of a melodic set of bells, and dedicated to one of the leading virtuoso organists of the day, Joseph Bonnet, who played at the Paris church of St Eustache (where Christopher Herrick recorded Fireworks III).

Oskar Lindberg (1887–1955) Alla Sarabanda & Allegro con brio from Sonata in G minor Op 23
This Sonata was composed some six years before Nielsen’s Commotio (also on this CD), but fits much more comfortably into the Romantic mould. Its composer was Swedish and is famous in his own country for a fetching little piece, much played at weddings and funerals, based on a psalm melody from Dalarna. He established himself as a conductor and organist in Stockholm who wrote more for the orchestra than for the organ. The third movement of the G minor Sonata is a Sarabande ‘aged’ by parallel fifths, and the finale is a muscular ‘Allegro con brio’ haunted in places by the spectre of Rachmaninov.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791) Fantasia in F minor K608
This is a wonderfully intricate piece of music, written for an amazingly complex piece of machinery. Until the beginnings of the industrial revolution the most complicated machine devised by man was the organ, closely followed by clock-type mechanisms. In Mozart’s time one Count Joseph Deym was an enthusiast for ‘mechanical clocks’, clockwork devices which caused pipe organs to play. He set up an exhibition presenting tableaux after the manner of waxworks displays, which made use of these instruments from among his collection of automata.

Mozart’s F minor piece for Deym did not gain the title ‘Fantasia’ until it was arranged for piano duet during the last century. However, it is a totally appropriate name for a piece which is even more fantastic than the machine for which it was created. It begins, rather as Handel’s Messiah opens, with a serious overture in French style, then there is an Andante worthy of the finest string quartet before the serious overture returns. Both parts of the overture explore the device of fugue—a reminder that Mozart had studied the music of Bach. Mozart’s technique and invention in this medium rival the mathematical precision which created the interlocking gears of the mechanism for which the Fantasia was written.

Louis James Alfred Lefébure-Wély (1817–1870) Marche in C major from L’organiste moderne Book 12
Lefébure-Wély was something of a child prodigy as an organist, giving his first recital at the age of eight. He succeeded his father as organist of the Paris church of St Roch (a post Mulet was to hold in a later generation), then moved to prestige posts, first at the Madeleine church, then at St Sulpice. He became particularly famous for his improvisations, some of which were inspired by topical events, and which drew large crowds. He lived in an era when the music redolent of the opera house was in vogue in the house of God, and when the harmonium (for which he wrote extensively) played a significant role in church music.

This march for organ opens with a melody in the tenor register—music which would transcribe well for the euphonium in a brass band. Each return of this melody is prepared by some of the convoluted chromatic progressions which bring private delight to organists, and the music proceeds with an almost balletic lightness of touch, giving no hint along the way of the switch to triumphalism on the final page.

Carl Nielsen (1865–1931) Commotio Op 58, FS155
Commotio is one of the last works written by the great Danish composer Carl Nielsen. By then he enjoyed recognition in his homeland as its leading composer, and was more widely established as one of the major symphonists of the first part of this century. He had climbed to preeminence from a childhood background of extreme poverty. His musical career began when he joined a military band in his teens, from where he progressed to become an orchestral violinist in Copenhagen, the city in whose music he was to become a leading figure. In his later years his health was increasingly undermined by heart attacks, which affected more than just his physical well-being.

He was inspired to write for the organ in his last days by Emilius Bangert, the organist of Roskilde Cathedral. Nielsen wrote of Commotio that ‘None of my other works has demanded such great concentration as this.’ The title implies the currents which excite motion in music, and Nielsen saw this as an objective piece. ‘In an extended work for that mighty instrument the organ the composer must try to repress all personal and lyrical feelings. The task … demands a kind of severity instead of sentiment, and must rather be judged by the ear than seized on by the heart.’

Although Commotio was ‘an attempt to recreate the one true organ style’ (of Buxtehude and Bach perhaps), the writing at times seems to be in the same sphere as some of Beethoven’s great contrapuntal piano sonatas—Op 110 for instance. The opening has a similar sense of the fantastic combined with solemnity to that which characterises Bach’s G minor Fantasia for organ, and it is followed by an Andante which flows as if it were a siciliano, from where an angular fugue quietly emerges at a change of key. An ‘Andante sostenuto’ follows, which develops rhapsodically but inevitably to a full close, out of which steals the subject of a jig fugue, the source of a great river of music which sometimes flows furiously, and sometimes with tranquillity, but whose current is relentless.

Sir Edward Elgar (1857–1934) Pomp and Circumstance March No 4 in G major Op 39, arranged by G Robertson Sinclair (1863–1917)
The most famous of Elgar’s Pomp and Circumstance Marches is the first of the five, which has the melody ‘Land of hope and glory’, but the fourth contains a tune which lingers in the memory and arouses deep patriotic emotions to a similar extent.

The marches were composed during the first decade of the twentieth century, the Edwardian era when the British Empire enjoyed its greatest spread of colour in the world atlas. Elgar once declared that part of the role he saw for himself as a composer was to write music which stirred the popular imagination, tunes to accompany pageantry, and to have, as Shakespeare had Othello say, ‘all the quality, pride, pomp and circumstance of glorious war.’

Elgar himself conducted the first performance of the fourth Pomp and Circumstance March in 1907. The famous nobilmente melody of the central trio was a product of the same year, but other sections had their origins in music he wrote for a family play (The Wand of Youth) when he was only twelve years old. He dedicated the piece to George Robertson Sinclair, organist of Hereford Cathedral at the time, and one of the conductors associated with the Three Choirs Festival where choral works by Elgar and his contemporaries were performed.

It was not the first piece to be dedicated to Sinclair, although the eleventh of the ‘Enigma’ Variations (‘G.R.S.’) has more to do with the antics of the organist’s bulldog than the man himself. Sinclair arranged his friend Elgar’s Pomp and Circumstance March so that he could enjoy it in the organ loft as well as in the concert hall.

Ian Carson © 1994

La Finlande se convertit en majorité au luthéranisme, au moment de la Réforme, ce qui causa l’introduction du choral et de l’orgue dans le culte. On importa des instruments d’Allemagne au cours des siècles suivants et l’orgue devint un élément important de la musique savante, en Finlande. Il continue, de nos jours, à y faire l’objet d’un vif intérêt positif, ainsi que dans les autres pays scandinaves où les organistes sont rémunérés en tant que professionnels à plein temps et peuvent être sûrs de jouer sur des instruments de haute qualité.

Jehan Alain (1911–1940) Litanies
Jehan Alain était presque le contemporain du grand compositeur et organiste, Olivier Messiaen, qu’il aurait pu égaler par sa vision et son génie, s’il n’était mort prématurément, tué au combat à l’âge de vingt-neuf ans, cinq jours avant l’arrêt des hostilités en France, pendant la seconde Guerre Mondiale. Il avait reçu ses premières leçons d’orgue de son père avant d’entrer au Conservatoire de Paris. Il devint un brillant exécutant au clavier et un compositeur enthousiaste, qui considérait la musique comme un moyen de révéler les états d’âme et cherchait à créer une impression de mystère plutôt qu’à exprimer des émotions.

Litanies avait son origine dans un morceau d’orgue intitulé Phantasmagorie, dont Alain utilisa des extraits pour une oeuvre qu’il appela d’abord Supplications. La phrase en plain-chant du début est répétée continuellement, poussée par un rythme moteur jusqu’à une apogée d’extase. Alain avait écrit, au sujet de l’interprétation de Litanies: «Il faut créer une impression d’incantation passionnée. La prière n’est pas une lamentation, mais une tornade dévastatrice, qui écrase tout sur son passage. C’est aussi une obsession. Il faut en remplir les oreilles des hommes, et aussi celles de Dieu! Si vous arrivez à la fin sans être épuisé, vous n’avez ni compris, ni joué comme je le voudrais.» La partition elle-même porte en exergue une citation qui a probablement trait à la mort de l’une des soeurs d’Alain, en 1937, année de sa composition: «Quand l’âme chrétienne ne trouve plus de mots nouveaux dans la détresse pour implorer la miséricorde de Dieu, elle répète sans cesse la même invocation avec une foi véhémente. La raison atteint sa limite. Seule la foi poursuit son ascension.»

Jean Sibelius (1865–1957) Finlandia Op 26, arrangement d'Herbert A Fricker (1868–1943)
A la fin du siècle dernier, la Finlande était sous la domination russe, subissant une répression politique croissante. En 1899, la Russie lui retira le droit de se gouverner et imposa de sévères restrictrions à la liberté de parole. Une série de manifestations furent organisées à Helsinki en novembre de cette année, officiellement au profit de la Caisse de Retraites de la Presse, mais en fait elles devinrent une sorte de rassemblement politique. Leur apogée fut un gala au Théâtre Suédois comprenant une série de six tableaux représentant des épisodes de l’histoire de la Finlande. Sibelius avait composé la musique et c’est le dernier mouvement, intitulé «La Finlande se réveille», qu’il adapta plus tard pour une ouverture que l’Orchestre Philharmonique d’Helsinki joua à l’Exposition Universelle de Paris. Un admirateur lui donna le titre de Finlandia, mais il s’écoula un certain temps avant que la musique ne porte ce nom car on lui prêta d’abord d’autres titres qui risquaient moins d’attirer l’attention de la censure russe.

Cette oeuvre dépeint la naissance du sentiment national en Finlande, son éveil artistique, sa culture folklorique, ses progrès matériels et ses légendes. Elle comprend la célèbre mélodie Finlandia qui a été généralement adoptée comme hymne.

Herbert Fricker était un organiste d’origine britannique qui passa la fin de sa carrière en Amérique du Nord où il s’imposa comme directeur de chorales et—entre autres réalisations—dirigea une exécution radiodiffusée de la Messe en si mineur de Bach pour la Foire Internationale de New York en 1939. Son arrangement de Finlandia fut publié en 1907, alors qu’il était organiste municipal de la ville de Leeds, dans le Nord de l’Angleterre.

Bjarne Sløgedal (né 1937) Variations sur un air folklorique norvégien
Bjarne Sløgedal est organiste et chef d’orchestre à la Cathédrale de Kristiansand, en Norvège, où il dirige également un Festival International de Musique Religieuse. Il a fait ses études à Oslo, puis à l’Ecole Juillard à New York et au Kooninglich Conservatorium de La Haye. Il compose non seulement pour l’orgue, mais aussi pour choeurs et orchestre et il collectionne la musique folklorique norvégienne dont il crée des arrangements.

Le thème de ces variations est un choral bien connu en Norvège, extrait du livre de cantiques et dérivé d’une mélodie folklorique norvégienne que ses phrases haletantes rendent particulièrement expressive. Ce sont à la fois la mélodie et les paroles qui ont inspiré le compositeur. Le premier vers est: «A hvor salig det skal blive» («Oh, quelle gloire connaîtront les enfants de Dieu!»). Les trois premières variations soulignent les origines folkloriques de la mélodie, la présentant comme une chanson dans la première variation, puis comme un air de flûte accompagné par un bourdon dans un style d’orgue de Barbarie, dans la seconde variation. Le titre de la troisième variation, Langeleik, est le nom d’un instrument norvégien qui ressemble à la cithare, avec une seule corde mélodique et jusqu’à sept cordes hors manche. La musique imite sa sonorité, créant un intéres­sant problème de registre. La dernière variation est une apothéose de la mélodie. Le compositeur a dédié ces variations «Mine foreldre tilegnet …» («à mes parents»).

Henri Mulet (1878–1967) Carillon-Sortie
Mulet était le fils du chef de choeur de la basilique du Sacré Coeur à Paris et il avait participé aux activités musicales de l’église depuis son enfance. Il fit ses études au Conservatoire de Paris où il obtint des prix de violoncelle et d’orgue, puis il poursuivit une carrière musicale qui lui valut, au début, des postes religieux et académiques à Paris. Il composa Carillon-Sortie pendant la période, avant 1917, où il était professeur d’orgue à l’Ecole Niedermeyer et organiste de l’Eglise St Roch à Paris. C’est un brillant morceau d’orgue en style de toccata, imitant un carillon et dédié à l’un des grands virtuoses de l’orgue de l’époque, Joseph Bonnet, qui jouait dans l’église de St Eustache, à Paris (où Christopher Herrick a enregistré Fireworks III).

Oskar Lindberg (1887–1955) Sonate en sol mineur Op 23 (3e et 4e mouvements)
Cette sonate a été composée six ans environ avant Commotio de Nielsen (qui figure aussi sur ce CD), mais elle s’inscrit plus naturellement dans la tradition romantique. Le compositeur était suédois et il est célèbre dans son pays pour un charmant petit morceau, souvent joué aux mariages et aux enterrements, basé sur une mélodie religieuse de Dalarna. Il s’établit à Stockholm comme chef d’orchestre et organiste et composa davantage pour l’orchestre que pour l’orgue. Le troisième mouvement est une Sarabande d’un style rendu plus «ancien» par des quintes parallèles, et le finale est un Allegro con brio musclé que hante, par moments, le spectre de Rachmaninov.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791) Fantasia en fa mineur K608
C’est un morceau d’une merveilleuse complexité, composé pour un mécanisme particulièrement compliqué. Avant la révolution industrielle, la machine la plus complexe inventée par l’homme était l’orgue, suivi de près par des mécanismes d'horlogerie. A l’époque de Mozart, un certain Comte Joseph Deym était un enthousiaste des «horloges mécaniques», systèmes d’horlogerie qui déclenchaient des tuyaux d’orgue. Il organisa une exposition comportant des tableaux comme ceux des musées de cire, utilisant des instruments de sa collection d’automates.

Le morceau en fa mineur que Mozart composa pour Deym ne fut intitulé «Fantasia» que lorsqu’il fut arrangé en duo pour piano au cours du siècle dernier. Mais c’est un titre approprié pour un morceau qui est encore plus fantastique que l’engin pour lequel il fut créé. Il commence, un peu comme le Messie de Haendel, par une ouverture sérieuse à la française, puis vient un Andante digne du meilleur quatuor à cordes avant le retour de l’ouverture. Les deux parties de l’ouverture explorent la formule de la fugue — rappelant que Mozart avait étudié la musique de Bach. La technique et l’invention dont Mozart fait preuve dans ce mode d’expression égalent la précision mathématique avec laquelle fut inventé l’engrenage compliqué de la mécanique destinée à exécuter la Fantasia.

Louis James Alfred Lefébure-Wély (1817–1870) Marche en ut majeur extraite de L’organiste moderne
Lefébure-Wély était un enfant prodige qui donna son premier récital d’orgue à l’âge de huit ans. Il succéda à son père comme organiste de l'église de St Roch à Paris (poste que Mulet allait occuper, dans la génération suivante), puis passa à des tribunes plus prestigieuses, d’abord à la Madeleine, puis à St Sulpice. Il s’illustrait particulièrement par ses improvisations, dont certaines étaient inspirées par des évènements contemporains et attiraient les foules. Il vécut à une époque où une musique ressemblant à celle de l’opéra était à la mode dans les églises et où l’harmonium (pour lequel il composa beaucoup) jouait un rôle important dans la musique religieuse.

Cette marche pour orgue commence par une mélodie dans le registre de ténor—musique qui pourrait facilement se transcrire pour l’euphonium dans une fanfare. Chaque rappel de cette mélodie est annoncé par quelques unes de ces progressions chromatiques compliquées chères aux organistes et la musique procède avec une légèreté de ballerine, qui ne prépare en rien le style triomphant de la dernière page.

Carl Nielsen (1865–1931) Commotio Op 58, FS155
Commotio est l’une des dernières oeuvres du grand compositeur danois, Carl Nielsen. Il était alors reconnu comme le principal compositeur de son pays et généralement accepté comme l’un des plus grands symphonistes de la première moitié de notre siècle. Après une enfance passée dans la plus extrême pauvreté, il s’était graduellement élevé jusqu’à la célébrité. Adolescent, il commença sa carrière musicale en jouant dans une musique militaire, puis il fut violoniste d’orchestre à Copenhague, ville où il allait devenir un musicien éminent. Vers la fin de sa vie, il fut affaibli par une succession de crises cardiaques qui n’affectaient pas uniquement sa santé physique.

C’est Emilius Bangert, organiste de la Cathédrale de Roskilde, qui l’encouragea à composer pour l’orgue, pendant ses derniers jours. Nielsen écrivit au sujet de Commotio: «Aucune de mes oeuvres n’a exigé de moi une aussi grande concentration.»Le titre fait allusion aux courants qui provoquent le mouvement en musique, et Nielson considérait ce morceau comme objectif. «Dans un long morceau pour le puissant instrument qu’est l’orgue, le compositeur doit s’efforcer d’étouffer tout sentiment personnel ou lyrique. Ce travail … exige une sorte de sévérité au lieu de sentiment, et doit être jugé par l’oreille plutôt qu’éprouvé par le coeur.»

Commotio était «une tentative de recréer le seul véritable style d’orgue» (celui de Buxtehude et Bach, peut-être), mais cependant l’écriture semble par moments habiter les mêmes régions que certaines des grandes sonates contrapuntiques de Beethoven: l’Op 110 par exemple. L’ouverture présente le même mélange de fantastique et de solennel que la Fantasia en Sol mineur pour orgue de Bach; elle est suivie d’un Andante fluide comme un siciliano, d’où une fugue angulaire surgit tranquillement avec le changement de tonalité. Un «Andante sostenuto» suit, qui se développe dans un style rhapsodique et dont la fin engendre le sujet d’une fugue en gigue, source d’un grand fleuve de musique qui s’écoule tantôt avec furie, tantôt tranquillement, mais dont le courant est ininterrompu.

Sir Edward Elgar (1857–1934) Pomp and Circumstance, Marche militaire No 4 en sol majeur, Op 39, arrangement de G Robertson Sinclair (1863–1917)
La plus célèbre des marches Pomp and Circumstance d’Elgar est la première des cinq, qui comprend l’air de «Land of hope and glory», mais la quatrième renferme une mélodie qu’il est difficile d’oublier et qui suscite aussi de profondes émotions patriotiques.

Ces marches furent composées pendant les dix premières années du XXe siècle, l’époque du roi Edouard VII, alors que l’Empire britannique couvrait une grande partie de l’atlas mondial. Edgar déclara un jour qu’il concevait en partie son rôle de compositeur comme la création de musique qui touche l’imagination populaire, d’airs pour accompagner les cérémonies d’apparat, avec, comme Shakespeare le fait dire à Othello, «all the quality, pride, pomp and circumstance of glorious war» («la qualité, la fierté, et le grand apparat d’une guerre glorieuse»).

Elgar dirigea lui-même la première audition de la quatrième marche Pomp and Circumstance, en 1907. La célèbre mélodie nobilmente du trio central avait été composée la même année, mais d’autres passages provenaient de musique qu’il avait écrite à l’âge de douze ans pour une pièce d’amateur jouée en famille (The Wand of Youth: «la baguette magique de la jeunesse»). Il dédia la Marche à George Robertson Sinclair, qui était organiste de la Cathédrale de Hereford à l’époque, et l’un des chefs d’orchestre participant au Three Choirs Festival où on présentait les oeuvres chorales d’Elgar et de ses contemporains.

Ce n’était pas le premier morceau qu’il dédiait à Sinclair, mais la onzième des «Enigma Variations» («G.R.S.») était inspirée plutôt par les gambades du bouledogue de l’organiste que par l’homme lui-même. Sinclair fit un arrangement de la marche Pomp and Circumstance de son ami Elgar «pour qu’il puisse avoir le plaisir de l’entendre à la tribune de l’orgue aussi bien qu’en concert.»

Ian Carson © 1994
Français: Madeleine Jay

Finnland wurde zur Zeit der Reformation vorwiegend evangelisch, womit auch Choral und Orgelmusik ihren Einzug in den Gottesdienst hielten. Instrumente wurden über die nächsten Jahrhunderte aus Deutschland eingeführt, und die Orgel wurde ein wesentlicher Bestandteil der finnischen Kunstmusik. Auch heute noch herrscht lebhaftes und aktives Interesse an der Orgel, wie überall in Skandinavien, wo Organisten entsprechend ihrer Position als Berufs­musiker bezahlt werden und wo sie erwarten können, daß ihnen Qualitätsinstrumente zur Verfügung stehen.

Jehan Alain (1911–1940) Litanies Op 79
Jehan Alain war ein Zeitgenosse des großen Komponisten und Organisten Oliver Messiaens und hätte es möglicherweise mit ihm aufnehmen können, was dessen Vision und Genie betrifft, hätte sein Leben nicht ein so frühes Ende genommen. Er fiel im Alter von 29 Jahren, fünf Tage bevor Frankreich sich aus dem 2. Weltkrieg zurückzog. Alain erhielt seine ersten Orgelstunden von seinem Vater und studierte anschließend am Konservatorium Paris. Er entwickelte sich zu einem glänzenden Virtuosen und zwanghaften Komponisten, für den Musik Offenbarung des jeweiligen Seelenzustands bedeutete. Es selbst nutzte die Macht der Musik, in dessen Bann er unwiderruflich gezogen war, weniger, um damit Emotionen auszudrücken, sondern um ein Gefühl des Mysteriösen zu schaffen.

Litanies („Litaneien“) begann als ein Orgelstück namens Phantasmagorie, dem Alain Material für das spätere, ursprünglich Supplications betitelte Werk entnahm. Der einleitende Cantus planus wird ständig wiederholt und von einem lokomotorischen Rhythmus zu einem ekstatischen Höhepunkt vorangetrieben. Alain legte schriftlich nieder, wie die Litaneien zu spielen seien: „Man muß den Eindruck leidenschaftlicher Beschwörung hervorrufen. Beten ist kein Wehklagen, sondern ein wüster Wirbelwind, der alles in seinem Weg Stehende plattdrückt. Es ist ebenfalls eine Besessenheit. Man soll die Ohren der Menschen damit füllen, aber auch die Ohren Gottes! Wenn man am Ende ankommt, ohne sich erschöpft zu fühlen, hat man weder die Litaneien verstanden, noch sie gespielt, wie ich es wünschte.“

Der Partitur selbst geht ein Zitat voran, das auf den Tod einer seiner Schwestern im Jahre 1937, dem Schaffensjahr dieses Werkes, anspielen mag. Es lautet folgendermaßen: „Quand l’âme chrétienne ne trouve plus de mots nouveaux dans la détresse pour implorer la misericorde de Dieu, elle répète sans cesse la même incantation avec une foi véhémente. La raison atteinte sa limite. Seule la foi poursuit son ascension.“ Zu Deutsch etwa: „Wenn die christliche Seele in Bedrängnis ist und keine neuen Worte finden kann, Gott um Gnade anzuflehen, wird dasselbe Gebet unaufhörlich mit überwältigem Gottvertrauen wiederholt. Die Beschränkung durch die Vernunft ist verschwunden. Nur der Glaube erhebt die Seele.“

Jean Sibelius (1865–1957) Finlandia Op 26, bearbeitet von Herbert A Fricker (1868–1943)
Ende des letzten Jahrhunderts gehörte Finnland zum russischen Herrschaftsgebiet und war immer größerer politischer Unterdrückung unterworfen. 1899 wurde dem Land das Recht zur Selbstverwaltung genommen, Redefreiheit war nachsichtslos eingeschränkt. Im November jenes Jahres wurden in Helsinki eine Reihe von Veranstaltungen arrangiert, angeblich um Geld für den Pensionsfond der Presse aufzutreiben, doch konnte man sie eher als politische Versammlungen bezeichnen. Den Höhepunkt bildete eine Gala im Schwedischen Theater, wo unter anderem sechs Tableaux Episoden aus der finnischen Geschichte zeigten. Sibelius schrieb die Musik, und es war der letzte Satz „Finnland erwacht“, der später zu einer Ouvertüre umgearbeitet wurde, die vom Philharmonischen Orchester Helsinki auf der Pariser Weltausstellung gespielt wurde. Der Titel Finlandia stammt von einem Bewunderer des Werkes, wurde jedoch erst sehr viel später verwendet. Ursprünglich trug das Stück verschiedene andere Titel, die weniger gut geeignet waren, die Aufmerksamkeit der russischen Zensoren auf sich zu lenken!

Die Musik drückt das wachsende Nationalgefühl Finnlands aus, sein künstlerisches Erwachen, seine volkstümliche Kunst, seinen materiellen Fortschritt und seine Legenden. Die berühmte „Finlandia“-Melodie ist inzwischen zu einer Hymne geworden.

Herbert Fricker war ein in England geborener Organist, der die zweite Hälfte seines Lebens als Organist in Nordamerika verbrachte, wo er sich als Chorleiter hervortat. Zu seinen Erfolgen zählt u.a. die Radioaufführung von Bachs h-Moll-Messe während der New Yorker Weltausstellung von 1939. Sein Arrangement von Finlandia wurde 1907 veröffentlicht, als er noch Stadtorganist in der nordenglischen Stadt Leeds war.

Bjarne Sløgedal (geb. 1937) Variationen über ein norwegisches Volkslied
Bjarne Sløgedal arbeitet als Organist und Dirigent am Dom von Kristiansand in Norwegen, wo er auch ein internationales Kirchenmusik-Festival leitet. Er studierte in Oslo, an der Juilliard School in New York und anschließend am Kooninglich Conservatorium in Den Haag. Außer für die Orgel komponiert er für Chor und Orchester und sammelt und arrangiert norwegische Volksmusik.

Das Thema zu den Variationen ist ein in Norwegen bekannter Choral, der auf einem norwegischen Volkslied gründet, dessen kurzatmige Phrasen ihm eine besonders ausdrucksvolle Eigenschaft verleihen. Die einleitende Zeile lautet: „Å hvor salig det skal blive“ („Oh wie herrlich wird es sein für die Kinder Gottes“). Die ersten drei Variationen betonen den volkstümlichen Ursprung der Melodie, die als ein Lied in der ersten Variation dargestellt wird und als eine Flötenmelodie über einer Art Leierkastenbordun in der zweiten. Der Titel der dritten Variation, Langeleik, ist die Bezeichnung für ein zither­artiges Volksmusikinstrument, das eine Melodiesaite und bis zu sieben Bordunsaiten hat. Die Musik gibt sein Timbre wieder, womit eine interessante Herausforderung an die Registrierung geschaffen wird. Die letzte Variation ist eine Apotheose der Melodie. Der Komponist widmete das Werk „Mine foreldre tilegnet …“ „Meinen Eltern“.

Henri Mulet (1878–1967) Carillon-Sortie
Als Sohn des Chorleiters der Basilika der Sacré Coeur in Paris war Mulet bereits während seiner Kindheit am dortigen Musikleben beteiligt. Er studierte später am Konservatorium Paris, wo er bedeutende Cello- und Orgel-Preise gewann. Zu Beginn seiner musikalischen Laufbahn hatte er verschiedene kirchliche und akademische Anstellungen in Paris.

Mulet schrieb das Carillon-Sortie vor 1917, als er noch Orgellehrer an der Ecole Niedermeyer und Organist der Kirche St. Roch in Paris war. Das Werk ist ein großartiges, den Gottesdienst abschließendes Orgelsolo im Stil einer Tokkata, das melodische Glockenklänge nachahmt. Es ist Joseph Bonnet, einem der führenden Orgelsolisten seiner Zeit gewidmet, der an der Pariser Kirche St Eustache spielte (die Kirche, in der Christopher Herrick Orgel-Feuerwerke III einspielte).

Oskar Lindberg (1887–1955) Sonate g-Moll Op 23, Nr. 3 und 4 Satz
Diese Sonate wurde etwa sechs Jahre vor Nielsens Commotio (auch auf dieser CD) komponiert, paßt sich aber bedeutend besser in die romantische Form ein. Der Komponist war in seinem Heimatland Schweden besonders für ein ansprechendes kleines, auf einer Psalmenmelodie aus Dalarna basierenden Stück berühmt, das auf Hochzeiten und Begräbnissen viel gespielt wurde. Er arbeitete als Dirigent und Organist in Stockholm und komponierte vorwiegend für Orchester statt speziell für die Orgel. Der dritte Satz des G-moll Sonate ist eine Sarabande, die mittels paralleler Quinten zu „alter Musik“ gemacht wird während das Finale ein muskulöses Allegro con brio ist, in dem stellenweise das Gespenst Rachmaninows spukt.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791) Fantasie in f-Moll KV608
Dies ist ein herrlich kompliziertes Musikstück, geschrieben für ein erstaunlich komplexes Instrument. Bis zu den Anfängen der industriellen Revolution war das komplizierteste, von Menschenhand geschaffene Gerät die Orgel, eng gefolgt von uhrwerkartigen Mechanismen. Zu Mozarts Zeiten galt Graf Joseph Deym, der Auftraggeber dieses Werkes, als ein begeisterter Anhänger von „mechanischen Uhren“, d.h. Uhrwerken, die Pfeifenorgeln zum Spielen bringen konnten. Deym schuf sich ein Panoptikum und organisierte dort eine Ausstellung mit Wachsfiguren-Tableaux, in denen die verschiedenen Instrumente aus seinen automatischen Musikdosen erklangen.

Dieses Stück in f-moll erhielt die Bezeichnung „Fantasie“ erst, nachdem es im vorigen Jahrhundert für Klavierduo bearbeitet wurde. Doch ist dieser Titel durchaus angemessen für ein Musikstück, das noch komplizierter ist als der Musikkasten, für den es geschaffen wurde. Es beginnt, wie zuvor bereits Händels Messias, mit einer ernsten Ouvertüre im französischen Stil, der ein einem hochkarätigen Streichquartett würdiges Andante folgt, bevor die ernste Ouvertüre wieder auf den Plan tritt. Beide Teile der Ouvertüre erkunden das musikalische Mittel einer Fuge, ein Hinweis darauf, daß Mozart die Musik Bachs studiert hatte. Mozarts Technik und Erfindungsreichtum in diesem Medium wetteifern mit der mathematischen Genauigkeit, mit der die ineinandergreifenden Getriebe des Mechanismus, für den diese Fantasie geschrieben wurde, geschaffen wurden.

Louis James Alfred Lefébure-Wély (1817–1870) Marsch in C-Dur aus L’organiste moderne Buch 12
Lefébure-Wély war ein Organistenwunderkind. Er gab mit acht Jahren sein erstes Konzert und wurde Nachfolger seines Vaters als Organist an der Pariser Kirche St. Roch (eine Position, die später Mulet innehaben sollte). Er stieg zu immer angeseheneren Posten auf, zunächst an der Madeleine-Kirche, später an St. Sulpice. Er wurde besonders für seine Improvisationen berühmt, von denen einige von Tagesereignissen inspiriert wurden und die ein großes Publikum anzogen. Er lebte zu einer Zeit, als Musik mit dem Anstrich von Opernmusik in Gotteshäusern populär war und als das Harmonium (für das er ausgiebig komponierte) eine wesentliche Rolle in der Kirchenmusik spielte.

Der Marsch für Orgel beginnt mit einer Melodie im Tenorregister—Musik, die sich gut für das Euphonium in einer Blechblaskapelle umschreiben ließe. Jedem Wiederauftreten der Melodie wird der Weg mit den verschlungenen chromatischen Fortschreitungen gebahnt, die das Herz eines Organisten im Stillen höher schlagen lassen müssen, und die Musik bewegt sich mit einer fast ballettartigen Leichtigkeit fort, ohne ahnen zu lassen, daß sie sich auf der letzten Seite in feierlich triumphale Musik verwandelt.

Carl Nielsen (1865–1931) Commotio Op 58, FS155
Commotio ist eines der letzten Werke des großen dänischen Komponisten Carl Nielsen. Er hatte inzwischen in seinem Heimatland Anerkennung als größter Komponist gefunden und galt weithin als einer der bedeutenden Symphoniker des ersten Teils des 20. Jahrhunderts. Er hatte den steilen Weg von völlig verarmter Kindheit zu Ruhm und Ehren erklommen. Seine musikalische Laufbahn begann, als er sich als junger Mann einer Militärband anschloß, von der er den Absprung als Geiger eines Orchesters in Kopenhagen schaffte. Er wurde zu einer führenden Gestalt im Musikleben dieser Stadt. In reiferen Jahren erlitt er mehrere Herzanfälle, die nicht nur seine physische Gesundheit angriffen.

Die Anregung, für die Orgel zu komponieren, kam am Ende seines Lebens von Emilius Bangert, Organist des Doms zu Roskilde. Nielsen schrieb über Commotio: „Kein anderes Werk erforderte eine so große Konzentration wie dieses.“ Der Titel weist auf die Strömungen hin, die Bewegung in der Musik wachrufen. Nielsen betrachtete das Stück als ein objektives Werk: „In einem ausgedehnten Werk für dieses mächtige Instrument, die Orgel, muß der Komponist versuchen, alle persönlichen und lyrischen Gefühle zu unterdrücken. Die Aufgabe … verlangt eine gewisse Strenge statt Sentimentalität und muß vom Ohr beurteilt, nicht vom Herzen ergriffen werden.“

Obwohl Commotio „ein Versuch war, den einzigen wahren Orgelstil wiederzuerschaffen“ (wohl den von Bach und Buxtehude), scheint die Kompositionsweise zeitweilig der gleichen Sphäre anzugehören wie Beethovens große kontrapunktische Klaviersonaten—beispielsweise Op 110. Der Einleitung wohnt ein ähnliches Gefühl des Fantastischen inne, kombiniert mit Feierlichkeit, wie Bachs Fantasie für Orgel g-moll. Dieser Einleitung folgt ein Andante, das schwebt wie ein Siciliano, aus dem sich beim Wechsel der Tonart still eine steife Fuge erhebt. Es folgt ein „Andante sostenuto“, das sich rhapsodisch, doch unabwendbar zu einem vollen Schluß entfaltet, aus dem sich das Thema als eine fugale Gigue stiehlt, Quelle eines großen musikalischen Stromes, der manchmal wild dahinbraust, manchmal stetig fließt, dessen Strömung jedoch unaufhörlich ist.

Sir Edward Elgar (1857–1934) Pomp and Circumstance Militärmarsch Nr 4 in G-Dur, Op 39, arrangiert von G Robertson Sinclair (1863–1917)
Der berühmteste von Elgars fünf Märschen Pomp and Circumstance (Pomp und Prunk) ist der erste Marsch mit der Melodie des berühmten englischen Liedes „Land of Hope und Glory“, doch enthält dieser vierte Marsch auch eine Melodie, die im Gedächtnis bleibt und ähnliche patriotische Gefühle bei den Briten auslöst.

Elgar komponierte die Märsche im ersten Jahrzehnt dieses Jahrhunderts, der sogenannten „Edwardian Era“, als das britische Reich seine größte Ausdehnung genoß. Elgar erklärte einmal, daß er seine Rolle als Komponist teilweise darin sah, Musik zu schreiben, die die Phantasie des Volkes ansprach, und Melodien zu komponieren, die das festliche Gepränge untermalen sollten und in den Worten von Shakespeares Othello „alle Eigenschaften, den ganzen Stolz, Pomp und Prunk („Pomp and Circumstance“) eines glorreichen Krieges“ habe.

Elgar selbst dirigierte die erste Aufführung des vierten Marsches Pomp and Circumstance im März 1907. Die berühmte nobilmente-Melodie des Mitteltrios entstand im gleichen Jahr, doch andere Teile entstammen der Musik, die er im Alter von 12 Jahren für ein Theaterstück im Familienkreise (The Wand of Youth) geschrieben hatte. Der Marsch wurde George Robertson Sinclair gewidmet, damals Organist an der Hereford Cathedral und einer der drei Dirigenten des Three Choir Festivals, auf dem Chorwerke von Elgar und seinen Zeitgenossen aufgeführt wurden.

Dieser Marsch ist nicht das erste, Sinclair gewidmete Werk, auch die elfte der „Enigma“-Variationen („G.R.S“) ist es, doch bezieht diese sich mehr auf die Possen seiner Bulldogge als auf den Organisten selbst. Sinclair bearbeitete Pomp and Circumstance, damit er sich an ihm nicht nur im Konzertsaal, sondern auch auf der Orgelempore erfreuen konnte.

Ian Carson © 1994
Deutsch: Eike Hibbett

The building of Turku (or Åbo, the original Swedish name for the city) Cathedral, the Finnish national shrine, began in the thirteenth century. In the Middle Ages it was already the centre of both church life and church music in Finland. To this day the Cathedral contains a great deal of evidence about the history of both Church and State in Finland, making it one of Finland’s most important historic sights.

The oldest surviving documents concerning a Finnish organ date from the sixteenth century. At that time there were organs in both Turku Cathedral and the church in Turku Castle. Although there are no reliable documents relating to a fifteenth-century organ in the Cathedral, there probably was one already in use at that time, because the life of the Church was very vigorous. For example, the ‘Missale Aboense’ (the Turku Cathedral Missal and the first book printed for use in Finland) was produced in Lübeck in the late fifteenth century. The first organ builder who worked in Finland and whose identity is known was the Swede Anders Bruse, who in 1652 was working on a new organ for Turku Cathedral.

From 1725 to 1727 the most important eighteenth-century Swedish organ builder, Johan Niclas Cahman, built a new organ in the Cathedral. This baroque organ, at that time the largest in Finland, had 32 stops; it was used for one hundred years until it was destroyed in the great fire of Turku in 1827.

In 1842 the Swedish organ builder Gustav Andersson buiIt an instrument in the Cathedral with 54 stops. This was not only the first Finnish three-manual organ, but also the largest in Finland. The next organ, with 70 stops, four manuals and a fully pneumatic action was built in the Kangasala organ works in Finland.

Today there are four organs in Turku Cathedral: the main organ (built by the firm of Veikko Virtanen in 1980 with 81 stops, four manuals, mechanical action and electric registration), the Choir organ (built by Veikko Virtanen in 1973 with 20 stops), the organ in the Cathedral Chapel (built by Veikko Virtanen in 1980 with 8 stops) and the Positive (built by Paul Ott, Germany, with 5 stops).

Originally the main organ had ten combinations but these were found to be insufficient. In 1992 a new registration was installed with 256 combinations and a computer. It is the largest mechanical organ in Finland. It represents neither a particular style nor a particular period and is not, therefore, a stylistic copy. The starting point for the construction of this organ was the variety of functions in the Cathedral (services, weddings, baptisms, concerts, etc.) and the aim was to ensure that music of all periods could be played on this organ as authentically as possible.

Erkki Alikoski © 1994