The gentle, urbane music of Jean Françaix, at once fresh and engaging and invariably distinguished by an unerring sense of style and charm, has endeared itself to successive generations of musicians and music-lovers since the appearance of his earliest scores in 1931/2. His death in 1997 at the age of eighty-five removed from contemporary music one of its most immediately appealing masters, and the present collection of four examples of his chamber music featuring wind instruments offers an excellent conspectus of the prolific output of this distinctively Gallic artist.

Jean Françaix was born in Le Mans into a professional musical family. His father was the director of the Le Mans Conservatoire, and his mother was a noted professional singer, so the young boy could hardly have enjoyed a more sympathetic environment in which his musical gifts could flourish. He began writing music around the age of six, and within several years had been accepted as a pupil at the Paris Conservatoire, where he studied piano with the legendary Isidor Philipp and composition with Nadia Boulanger. It was Boulanger who conducted the premiere of Françaix’s first opera, Le Diable boiteux in Paris in 1938. By this time, however, Françaix had already begun to make a name for himself with his Concertino for piano and orchestra of 1932 (which he premiered and recorded with the Berlin Philharmonic Orchestra some years later) and with the magnificent String Trio of 1933. Quintessentially French, Françaix composed more than one hundred-and-fifty works, including five operas, thirteen ballets, three symphonies (one for string orchestra) and more than thirty concertos or pieces for solo instruments and orchestra, together with a large number of vocal works and much chamber and instrumental music. Although Françaix was capable of serious expression, as we find in L’Apocalypse selon St Jean (for four soloists, mixed chorus and two orchestras), the opera La Princesse de Clèves, the ballets Les Demoiselles de la nuit and Les Camélias, and the striking film score for Sasha Guitry’s film Napoléon in 1954 (starring Orson Welles and Erich von Stroheim as Beethoven), his music is more generally known and widely admired for its unpretentious charm and impeccable mastery of compositional technique.

In this regard, Françaix continued the line of French composers that includes Saint-Saëns, Grovlez, Poulenc, Ibert and Sauguet, together with elements of Ravel, Satie and Les Six, and, like many French composers of the past two hundred years, Françaix was much attracted to writing for wind instruments.

The four works in this collection span thirty-five years, from the Divertissement for bassoon and string quintet of 1942 to the Clarinet Quintet of 1977. The Divertissement was written at the time of the first performance of the oratorio L’Apocalypse selon St Jean, which took place in Paris in June 1942, and shortly after the composition of the Cantate en l’honneur de Sully (the tercentenary of whose death was marked in 1941). This was a troubled time for France, during the Nazi occupation, and, as if to rid himself of the daily privations, Françaix composed this delightful Divertissement. Some time later, he made a version for bassoon and string orchestra, yet—for reasons which remain unclear—the work was not first performed until 1968. It falls into four short movements, the first being a kind of moto perpetuo in which the basson bubbles along almost continuously over an entrancing string texture before a sudden ‘joke’ ending leaves us with a smile.

The second movement is a very simple structure as befits its relatively brief span. The music forms an idyllic study, as if idly contemplating a rural scene in high summer, and is based upon one idea that leads to several related fragments of themes. The reverie is banished in the jaunty scherzo movement, rhythmically irregular and full of tricky writing for the bassoon (as well as for the strings!). It is the bassoon, however, which seems to be the ‘odd one out’ until at last it joins the strings—almost!—for the ebullient brief coda. In the finale, after a peremptory opening gesture from the strings, the bassoon takes control of the music and gradually restores its authority, until the final quip—which takes everyone by surprise.

In 1947 Françaix composed his delightful suite for piano and wind quintet L’heure du berger, subtitled ‘Musique de Brasserie’ in honour of a noted Paris restaurant. This was a kind of musique d’ameublement (‘background music’ might be an apt translation) score, such as was written in those days especially for Parisian fashion shows and the like, but—as one might expect from this fastidious composer—it is so well written that it stands independently as a highly appealing score. Technically, Françaix uses variation technique in this work, which falls into three short movements. The first opens humorously with clarinet and bassoon passing a simple phrase, one to the other, as if we had a maître d’ noted for his fun ushering us to our table. A faster new theme appears as the waiters busy about us before the opening idea returns. The central slow movement has a languid atmosphere, decorated with clarinet arabesques which gradually grow and proliferate in brilliance to create a vividly fascinating scene. The finale is a dazzling piece of much rhythmic subtlety; music which smiles throughout and is adorable in its tingling good humour before a scrap of a music-hall tune glides across the fabric of the score. The rhythmic luminosity of the music returns to end L’heure du berger in a riot of colour.

Françaix’s octet A huit dates from 1972. Inscribed by the composer ‘To the revered memory of Franz Schubert’, and written for the same instrumental combination as Schubert’s Octet, Françaix’s score was commissioned by the Vienna Octet, who gave the first performance in Vienna on 7 November 1972. Françaix claimed, self-deprecatingly, that this work was asked for as the ensemble ‘needed a stop-gap to fill its programme’, but the result is one of the composer’s most organically subtle scores. The first movement opens with a slow introduction, given over to an evenly-measured theme that is passed between the three wind instruments and gradually builds to a climax before a perky scherzando idea, Allegrissimo, with soft pizzicato accompaniment, is upon us. This has a blues inflexion and is derived from the opening slow theme. It is first heard on the clarinet and in turn leads to a new theme on the horn; both themes are now developed in sequence—by bassoon and strings, strings alone, clarinet and strings, horn and strings, and so on—occasionally with lively counterpoint before the slower coda reminiscenza arrives. The urbane, not to say urban, Scherzo is fleet and delicately scored throughout, and the Andante slow movement has a splendidly relaxed and flowing air which never fades and which occasionally glimpses more troubled vistas. For all its charm and character, this music is never trivial, and in the endearing finale Françaix opens with a tutti call to action before sliding into a delicious waltz (leading to a late-evening liaison perhaps?) which surrounds various contrasting episodes before the splendid final coda.

The last work in this collection to be composed is the Clarinet Quintet, written in 1977 and first performed the following year in Munich. This is in four movements and exhibits a degree of compositional mastery that is wholly exceptional in music of its period. The work begins in pastoral vein, with a relatively lengthy idea which is developed until the clarinet asserts its individuality by cutting across the mood, leading to a lively new scherzando section in which the clarinet, now firmly in command, takes on the character of a true boulevardier. The pace remains very fast, but the clarinet, riding over the music, relaxes proceedings for a third section, a more considered view of the material, until the scherzando returns, playfully full of glee, to dance along to the final bars.

The dance-like element continues in the second movement, with scraps of thematic material woven into the texture, as light as gossamer and thistle-down, the whole controlled by an instinctive and admirable feeling for pace and structure. A solo viola idea (almost English in its inherent modality) opens the slow movement, to be answered by the clarinet and the other strings. A secondary, rising theme now follows, maintaining the warm and tender musical atmosphere, a feature of which is the highlighting of various instruments for brief solo passages—this aspect lends a widening of texture, almost visually panoramic, to the music. A gathering of forces ushers in a more anguished development from which the clarinet, in its chalumeau register, intones a lengthy theme of calm and graceful character. As the strings take this up, the clarinet weaves melismata around the strings, drawing the music to its close.

A gentle ‘motoric’ rhythm on the strings sets the finale in motion, before the clarinet enters with a dance-like jolly, salty tune. Formally, the finale is what might be termed a ‘sonatina-rondo’ with superbly varied episodes displaying much imaginative skill from the composer. A cadenza from the clarinet heralds the lively adieu.

Robert Matthew-Walker © 1998

La musique douce, raffinée, de Jean Françaix, à la fois fraiche, engageante et immanquablement caractérisée par un infaillible sens du style et du charme, a conquis les faveurs de générations de musiciens et de mélomanes depuis la parution des premières partitions de ce compositeur, en 1931/2. Sa mort, en 1997, a l’âge de quatre-vingt-cinq ans, priva la musique contemporaine de l’un de ses maîtres les plus immediatement seduisants, et le present recueil, reunion de quatre exemples de sa musique de chambre pour instruments à vent, offre une excellente vue d’ensemble de la production prolifique de cet artiste éminemment français.

Jean Françaix naquit au Mans, dans une famille de musiciens professionnels—son père dirigeait le Conservatoire du Mans et sa mere etait une chanteuse reputee. Aussi le garçonnet, qui aurait difficilement pu jouir d’un environnement plus propice a l’epanouissement de ses dons musicaux, commença-t-il à ecrire de la musique vers l’âge de six ans. Plusieurs années passèrent et il fut admis comme élève au Conservatoire de Paris, où il etudia le piano et la composition, l’un auprès du légendaire Isidore Philipp, l’autre avec Nadia Boulanger—laquelle dirigea la création de son premier opéra, Le Diable boiteux, à Paris, en 1938. Mais Françaix avait déjà commencé à se faire un nom avec son Concertino pour piano et orchestre (1932; il en donna la première et l’enregistra avec l’Orchestre philharmonique de Berlin, quelques années plus tard) et son magnifique Trio à cordes (1933). Quintessentiellement français, il composa plus de cent cinquante œuvres, parmi lesquelles cinq opéras, treize ballets, trois symphonies (dont une pour orchestre à cordes) et plus de trente concertos ou pièces pour instruments solistes et orchestre, ainsi qu’un grand nombre d’œuvres vocales et force pièces de chambre et pièces instrumentales. Quoique Françaix fût capable d’une expression sérieuse, comme l’attestent L’Apocalypse selon saint Jean (pour quatre solistes, chœur mixte et deux orchestres), l’opéra La Princesse de Clèves, les ballets Les Demoiselles de la nuit et Les Camélias, et la saisissante musique du film Napoléon, de Sacha Guitry (1954; avec, en vedettes, Orson Welles et Erich von Stroheim, dans le rôle de Beethoven), sa musique est plus généralement connue et largement admirée pour son charme sans prétention et son impeccable maîtrise de la technique compositionnelle.

Françaix perpétua, à cet egard, la lignée de compositeurs français qui inclut Saint-Saëns, Grovlez, Poulenc, Ibert et Sauguet, de même que des éléments de Ravel, de Satie et du Groupe des Six; enfin, comme nombre de compositeurs français des deux derniers siècles, il fut extrêmement attiré par l’écriture pour instruments à vent.

Les quatre œuvres du présent recueil couvrent trente-cinq années, du Divertissement pour basson et quintette à cordes de 1942 au Quintette avec clarinette de 1977. Morceau délicieux, le Divertissement fut écrit, comme pour se défaire des privations quotidiennes, à l’heure troublée de l’occupation nazie, au moment de la première de l’oratorio L’Apocalypse selon saint Jean (Paris, juin 1942) et peu après la composition de la Cantate en l’honneur de Sully (dont on célébra le tricentenaire de la mort en 1941). Au bout de quelques temps, Françaix en fit une version pour basson et orchestre à cordes, mais la première n’eut lieu—pour des raisons encore mal définies—qu’en 1968. Le premier des quatre courts mouvements de cette pièce est une sorte de moto perpetuo, où le basson gargouille presque continûment par-dessus une texture de cordes enchanteresse, avant qu’une soudaine conclusion-«blague» ne nous laisse sur un sourire.

Le deuxième mouvement est une structure très simple, adaptée à son envergure relativement brève. La musique, qui forme une étude idyllique, comme la nonchalante contemplation d’une scène rurale au cœur de l’été, repose sur une idée aboutissant à plusieurs fragments thématiques connexes. La rêverie est bannie de l’allègre mouvement de scherzo, rythmiquement irrégulier, abondant en écriture complexe pour le basson (et pour les cordes!). Ce dernier semble, cependant, l’«intrus», du moins jusqu’à ce qu’il rejoigne enfin les cordes—presque!—pour la bouillonnante et courte coda. Dans le finale, passé un péremptoire geste d’ouverture exécuté par les cordes, il s’empare du contrôle de la musique et retrouve progressivement son autorité jusqu’au quolibet final—qui prend tout le monde au dépourvu.

En 1947, Françaix composa sa délicieuse suite pour piano et quintette à vent L’heure du berger, sous-titrée «Musique de Brasserie» en l’honneur d’un célèbre restaurant parisien. Il s’agit d’ une sorte de musique d’ameublement, du genre de celle que l’on concevait alors spécialement pour les défilés de mode parisiens, par exemple, mais—comme l’on pourrait s’y attendre de la part d’un compositeur si méticuleux—, elle est si bien écrite qu’elle perdure indépendamment comme une partition des plus intéressantes. Le premier des trois courts mouvements de cette œuvre, dans laquelle Françaix utilise la technique de variation, s’ouvre avec humour sur la clarinette et le basson se passant une phrase simple, comme si nous avions un maître d’hôtel connu pour sa manière drôle de nous conduire à notre table. Un nouveau thème, plus rapide, apparaît lorsque les serveurs s’affairent autour de nous, avant le retour de l’idée d’ouverture. Le mouvement lent central recèle une atmosphère langoureuse, ornée d’arabesques à la clarinette, qui croissent et prolifèrent en brillance pour créer une scène vivement fascinante. Le finale est une pièce étincelante, d’une grande subtilité rythmique, avec une musique qui sourit de bout en bout, adorable dans sa bonne humeur picotante, avant qu’un fragment de mélodie de music-hall ne se glisse dans le tissu de la partition. La luminosité rythmique de la musique revient clore L’heure du berger dans une debauche de couleurs.

Datant de 1972, et dédié «À la révérée mémoire de Franz Schubert», l’Octuor A huit de Françaix, écrit pour la même combinaison instrumentale que celui de Schubert, fut commandé par l’Octuor de Vienne, qui en donna la première à Vienne, le 7 novembre 1972. Se dépréciant, Françaix affirma que l’ensemble lui avait commandé cette œuvre parce qu’il «avait besoin d’un bouche-trou pour compléter son programme». Mais le résultat est l’une des partitions les plus organiquement subtiles du composi­teur. Le premier mouvement débute sur une introduction lente, confiée à un thème de mesure régulière, passé entre les trois instruments à vent et atteignant graduellement à un apogée, avant qu’une idée scherzando gaie, Allegrissimo, ne nous parvienne, avec un doux accompagnement en pizzicato. Cette idée, qui présente une inflexion de blues, dérive du thème lent d’ouverture. D’abord enten­due à la clarinette, elle conduit à son tour à un thème nouveau, au cor; les deux thèmes sont alors développés l’un après l’autre—par le basson et les cordes, par les cordes seules, par la clarinette et les cordes, par le cor et les cordes, etc.—, parfois avec un contrepoint allègre, avant l’arrivée de la coda reminiscenza, plus lente. Le Scherzo, urbain dans tous les sens du terme, est continuellement leste et délicatement instrumenté, cependant que le lent mouvement d’Andante recèle une ambiance splendidement détendue et fluide, qui ne s’efface jamais et laisse occasionnellement entrevoir des panoramas plus troublés. Nonobstant son charme et son caractère, cette musique n’est jamais triviale et Françaix ouvre l’attachant finale sur un appel à l’action du tutti, puis glisse en une délicieuse valse (débouchant sur une liaison de fin de soirée, peut-être?), qui entoure divers épisodes contrastants, avant la superbe coda finale.

Dernière œuvre du présent recueil, le Quintette avec clarinette fut composé en 1977 et donné pour la première fois l’année suivante, à Munich. Découpé en quatre mouvements, il fait montre d’un degré de maîtrise compositionnelle tout à fait exceptionnel dans la musique de l’époque. L’œuvre démarre dans une veine pastorale, avec une idée assez longue, développée jusqu’à ce que la clarinette affirme son individualité en allant à l’encontre de cette atmosphère et aboutisse à une nouvelle section scherzando gaie où, désormais fermement aux commandes, elle endosse le caractère d’un véritable boulevardier. L’allure demeure très rapide, mais la clarinette, chevauchant la musique, relâche le cours des choses pour une troisième section, vision plus réfléchie du materiau, jusqu’à ce que le scherzando, espièglement plein d’allégresse, revienne danser au long des mesures finales.

L’élément dansant se poursuit dans le deuxième mouvement, avec des fragments de matériau thématique glissés dans la texture, arachnéenne et légère comme un duvet de chardon, le tout contrôlé par une admirable et instinctive maîtrise de l’allure et de la structure. Une idée jouée par l’alto solo (presque anglaise dans sa modalité inhérente) ouvre le mouvement lent, à laquelle répondent la clarinette et les autres cordes. Un thème secondaire, ascendant, suit alors, maintenant l’atmosphère musicale chaleureuse et tendre, dont l’une des caractéristiques est la mise en valeur de différents instruments pour de brefs passages solistes—ce qui prête à la musique un élargissement de texture, presque visuellement panoramique. Un rassemblement des forces aboutit à un développement plus angoissé, où la clarinette, dans son registre de chalumeau, entonne un long thème calme et gracieux. Puis, les cordes le reprennent et la clarinette tisse des mélismes autour d’elles, amenant la musique à sa conclusion.

Un paisible rythme «motorique», joué par les cordes, met le finale en mouvement, avant que la clarinette fasse son entrée avec une mélodie dansante, joviale et salée. Formellement, ce finale est une «sonatine-rondo» forte d’épisodes superbement variés, preuves du grand talent imaginatif du compositeur. Une cadence de la clarinette annonce le gai adieu.

Robert Matthew-Walker © 1998
Français: Hypérion

Die sanfte, urbane Musik von Jean Françaix, die gleichzeitig frisch und einnehmend ist und sich beständig durch ein unfehlbares Gefühl für Stil und Charme ausgezeichnet, hat—seit Erscheinen der frühesten Partituren 1931/32—die Zuneigung von Generationen von Musikern und Musikliebhabern gewonnen. Mit seinem Tod 1997 im Alter von 85 Jahren verlor die zeitgenössische Musik einen jener Meister mit dem unmittelbarsten Reiz. Die vorliegende Sammlung mit vier Beispielen seiner Kammermusik für Bläser stellt einen ausgezeichneten Abriß des umfangreichen Werks dieses unverkennbar gallischen Künstlers dar.

Jean Françaix wurde in Le Mans in eine Familie von Berufsmusikern hineingeboren. Sein Vater war der Direktor des dortigen Konservatoriums und seine Mutter eine bekannte Berufssängerin. Der junge Knabe hätte also kaum in einem verständnisvolleren Milieu aufwachsen können, in dem seine musikalische Begabung blühen konnte. Er brachte mit etwa sechs Jahren seine erste Musik aufs Papier, und innerhalb einiger Jahre hatte ihn das Pariser Konservatorium als Schüler aufgenommen. Dort studierte er Klavier bei dem legendären Isidor Philipp und Kompositionslehre bei Nadia Boulanger. Nadia Boulanger war es, die 1938 bei der Uraufführung von Françaix’ erster Oper, Le Diable boiteux, in Paris dirigierte. Zu diesem Zeitpunkt hatte Françaix jedoch bereits begonnen, sich mit seinem Concertino für Klavier und Orchester von 1932 (das er einige Jahre später mit den Berliner Philharmonikern uraufführte und aufnahm) sowie dem herrlichen Streichertrio von 1933 einen Namen zu machen. Françaix, der durch und durch Franzose war, komponierte mehr als 150 Werke, darunter fünf Opern, dreizehn Ballette, drei Symphonien (eine für Streichorchester) und mehr als dreißig Konzerte oder Stücke für Soloinstrumente und Orchester, sowie zahlreiche Vokalwerke und viel Kammer- und Instrumentalmusik. Obgleich Françaix zu ernstem Ausdruck in der Lage war—wie wir an L’Apocalypse selon St Jean (für vier Solisten, gemischten Chor und zwei Orchester), der Oper La Princesse de Clèves, den Balletten Les demoiselles de la nuit und Les Camélias und der bemerkenswerten Filmmusik für Sasha Guitrys Napoléon aus dem Jahr 1954 (mit Orson Welles und Erich von Stroheim als Beethoven) sehen—ist seine Musik wegen ihres einfachen Charmes und seiner makellosen Beherrschung der Kompositionstechnik in weiteren Kreisen bekannt und bewundert.

In dieser Hinsicht setzte Françaix die Reihe französischer Komponisten fort, zu denen Saint-Saëns, Grovlez, Poulenc, Ibert und Sauguet sowie Elemente von Ravel, Satie und Les Six zählen, und wie viele französische Komponisten der letzten zweihundert Jahre fühlte sich Françaix stark zu Kompositionen für Blasinstrumente hingezogen.

Die vier Werke in dieser Sammlung erstrecken sich über fünfunddreißig Jahre, vom Divertissement für Fagott und Streichquartett von 1942 bis zum Klarinettenquintett von 1977. Das Divertissement wurde zum Zeitpunkt der Uraufführung des Oratoriums L’Apocalypse selon St Jean geschrieben, die im Juni 1942 in Paris stattfand, und kurz nachdem Françaix die Cantate en l’honneur de Sully (dessen dreihundertster Todestag 1941 gefeiert wurde) komponiert hatte. Diese Zeit war für Frankreich angesichts der deutschen Besetzung schwierig, und um sich von den tagtäglichen Entbehrungen zu befreien, schrieb Françaix dieses wunderbare Divertissement. Etwas später verfaßte er eine Version für Fagott und Streichorchester, doch—aus Gründen, die bis heute noch nicht klar sind—wurde das Werk erst 1968 uraufgeführt. Es besteht aus vier kurzen Sätzen, von denen der erste eine Art Moto Perpetuo ist, in dem das Fagott fast durchgehend über einem bezaubernden Stimmengeflecht der Streicher vor sich hinplätschert, bevor wir nach einem plötzlichen „Scherz“ mit einem Lächeln verbleiben.

Der zweite Satz besitzt eine sehr einfache Struktur, wie es auch für seine relative Kürze angemessen ist. Die Musik stellt eine idyllische Studie dar, so als ob sie untätig eine ländliche Szene im Hochsommer betrachtete, und basiert auf einer Idee, die zu verschiedenen Themen­fragmenten führt. Mit der Träumerei ist im flotten Scherzo-Satz mit unregelmäßigem Rhythmus und voller schwieriger Passagen für das Fagott (wie auch die Streicher!) ein Ende. Das Fagott scheint jedoch der „Außenseiter“ zu sein, zumindest bis es sich den Streichern für eine überschwengliche Koda—fast!—anschließt. Im Finale, nach einer gebieterischen Eröffnungsgeste der Streicher übernimmt das Fagott die Herrschaft über die Musik und stellt allmählich seine Autorität wieder her, bis der Scherz am Ende kommt, der jeden überrascht.

1947 komponierte Françaix seine herrliche Suite für Klavier und Bläserquintett L’heure du berger, die zu Ehren eines berühmten Pariser Restaurants den Untertitel „Musique de Brasserie“ trägt. Es handelte sich hierbei um eine Art musique d’ameublement („Hintergrundmusik“ wäre eventuell eine passende Übersetzung), so wie sie in jenen Tagen speziell für Pariser Modeschauen und ähnliche Zwecke geschrieben wurde, doch—wie man von diesem peniblen Komponisten erwarten würde—war sie so gut geschrieben, daß sie alleine als äußerst attraktives Musikstück dastehen kann. Was die Technik angeht, so setzt Françaix bei diesem Werk, das aus drei kurzen Sätzen besteht, die Variationstechnik ein. Der erste Satz beginnt heiter, wobei Klarinette und Fagott eine einfache Phrase austauschen, als ob uns ein für seinen Humor bekannter Oberkellner uns zu unserem Tisch geleitet. Im langsamen Mittelsatz herrscht eine träge Atmosphäre, die mit Klarinettenarabesken, die in ihrem Glanz allmählich anschwellen und zunehmen und so eine lebhaft faszinierende Szene gestalten, ausgeschmückt ist. Das Finale ist ein erstaunliches Beispiel großer rhythmischer Subtilität; Musik die die ganze Zeit lächelt und mit ihrer kitzelnden guten Laune liebenswert ist, bevor ein Fetzen einer Musikhallenmelodie über das Gewebe der Partitur gleitet. Die rhythmische Luminosität der Musik kehrt zurück, um L’heure du berger in einer Farbenexplosion zu beenden.

Françaix Oktett A huit stammt aus dem Jahr 1972. Der Komponisten hat es dem ehrenwerten Gedenken Franz Schuberts gewidmet und es für die gleiche Instrumentenkombination geschrieben wie Schuberts Oktett. Françaix’ Komposition wurde vom Wiener Oktett in Auftrag gegeben, von dem es auch am 7. November 1972 in Wien uraufgeführt wurde. Françaix behauptete bescheiden, daß dieses Werk gewünscht wurde, da das Ensemble „einen Lückenbüßer brauchte, um das Programm zu füllen“, doch das Ergebnis ist eine von Françaix’ organisch subtilsten Partituren. Der erste Satz beginnt mit einer langsameren Einleitung, die über einem ebentaktigen Thema gespielt wird, das zwischen den drei Blasinstrumenten ausgetauscht wird und sich allmählich vor einem munteren Scherzo-Gedanken zu einem Höhepunkt steigert. Ein Allegrissimo mit leiser Pizzicato-Begleitung hat uns erreicht. Dieses hat einen bluesmäßigen Tonfall und ist vom langsamen Anfangsthema abgeleitet. Es ist zuerst auf der Klarinette zu hören und führt wiederum zu einem neuen Thema auf dem Horn; beide Themen werden nun der Reihe nach durchgeführt—von Fagott und Streichern, Streichern alleine, Klarinette und Streichern, Horn und Streichern und gelegentlich auch mit einem lebhaften Kontrapunkt, bevor die langsamere Koda reminiscenza beginnt. Das urbane um nicht zu sagen städtische Scherzo ist flink und durchgehend feinfühlig instrumentiert, und der langsame Andante-Satz hat eine wunderbar entspannte und fließende Weise, die nie abflacht wird und gelegentlich, kurze Blicke auf unruhige Perspektiven zuläßt. Trotz all ihres Charmes und Charakters ist die Musik nie trivial, und das liebenswerte Finale eröffnet Françaix mit einem Tutti-Aufruf zum Kampf, bevor er es in einen köstlichen Walzer gleiten läßt (der vielleicht zu einer spätabendlichen Liaison führt?), von dem die diversen kontrastierenden Episoden vor der herr­lichen Koda am Ende umgeben sind.

Das zuletzt komponierte Werk in dieser Sammlung ist Françaix’ Klarinettenquintett, das 1977 geschrieben und im März des folgenden Jahres in München uraufgeführt wurde. Es besteht aus vier Sätzen, und an ihm sehen wir ein einem gewissen Maß seine Beherrschung der Kompositionstechnik, die für Musik dieser Periode ganz und gar außergewöhnlich ist. Das Klarinettenquintett beginnt im pastoralen Stil mit einer relativ langen Idee, die solange entwickelt wird, bis die Klarinette ihre Individualität behauptet, indem sie der Stimmung widerspricht und zu einen lebhaften neuen Scherzando-Abschnitt führt, in dem die Klarinette, die nun fest am Ruder sitzt, den Charakter eines wahren Boulevardier annimmt. Das Tempo ist weiter sehr schnell, doch die Klarinette, die über die Musik gleitet, entspannt die Dinge für einen dritten Abschnitt, eine ernsthaftere Perspektive des Materials, bis das Scherzando—verspielt und vergnügt—zurückkehrt, um zu den letzten Takten zu tanzen.

Das tanzhafte Element wird im zweiten Satz fortgesetzt, bei dem Fetzen von Themenmaterial in die federleichte Struktur eingewoben werden, und das ganze von einem instinktiven und bewundernden Gefühl für Tempo und Struktur gelenkt wird. Eine Idee für Soloviola (die mit der ihr innewohnenden Modalität fast englisch ist) eröffnet den langsamen Satz, um von der Klarinette und den anderen Streichern eine Antwort zu erhalten. Es folgt nun ein sekundäres aufsteigendes Thema, das die zärtlich warme musikalische Atmosphäre erhält, zu deren Merkmalen zählt, daß sie die diversen Instrumente in kurzen Solopassagen herausstellt. Dieser Aspekt erweitert die Struktur der Musik und gibt uns beinahe ein Panorama. Eine Kräfteansammlung leitet eine angsterfülltere Durchführung ein, von der aus die Klarinette im Chalumeau-Register ein langes Thema mit ruhigem und graziösem Charakter intoniert. Während die Streicher dies aufgreifen, windet die Klarinette Melismaten um die Streicher und bringt die Musik zum Ende.

Ein sanfter, „motorischer“ Rhythmus der Streicher setzt das Finale in Gang, bevor die Klarinette mit einer tanzhaften fröhlichen, würzigen Melodie einsetzt. Was die Form angeht, so könnte man das Finale als „Sonatina-Rondo“ mit wunderbar abwechslungsreichen Episoden bezeichnen, aus denen die große Phantasiebegabung des Komponisten ersichtlich wird. Eine Kadenz der Klarinette ist der Vorbote für das lebhafte Adieu.

Robert Matthew-Walker © 1998
Deutsch: Anke Vogelhuber