Jeno Hubay—composer, violin virtuoso and distinguished pedagogue—is best known today, despite the wide range of his compositions, for his showpieces for violin, especially the famous ‘Hejre Kati’, one of fourteen pieces from Scènes de la csárda which is frequently played in recitals as an encore. Hubay’s list of works includes four symphonies (including the ‘Petofi’ Symphony Op 119 for soloist, choir and large orchestra), eight operas (the most famous of which is The violin-maker from Cremona Op 40), four concertos for violin and orchestra, and a concert piece for viola and orchestra. He also composed Variations on a Hungarian Theme for violin and orchestra, a romantic Sonata for violin and piano, and numerous pieces for violin, many of them with a Hungarian flavour: Fantaisie hongroise Op 1, Lahore Suite Op 3 No 1, Carmen—Fantaisie brillante Op 3 No 3, Echos de la Puszta Op 7, Zephyr Op 30 No 5, Fleur de Mai Op 37 No 1, Nocturne Op 42, Eine Pusztenfahrt Op 57, Scènes d’enfants Op 84, and Fliederbusch Op 109. His educational works such as the Études concertantes Op 89 and many other études for violin hold an important place in his output, which encompasses 126 opus numbers.

Hubay is considered in his native country to be the founder of the ‘Hungarian school’ of violin playing. The list of his protégés includes the virtuosos Joseph Szigeti, Stefi Geyer, Guila Bustabo, Franz de Vécsey, Ede Zathureczky, Jelly d’Aranyi, Zoltán Székely, André Gertler, Eugen Ormandy (who of course went on to be a famous conductor), Tibor Varga, Sándor Végh, Tibor Serly, Wanda Luzzato, Eddy Brown, Erna Rubinstein, Lorand and Alice Fenyves, Ilona Fehér (who taught Hagai Shaham, the violinist on this recording), and many other distinguished violinists, who collectively diffused this ‘school’ throughout many countries. The defining characteristic of this ‘school’ is rooted in its pedagogical foundation: Stefi Geyer said that Hubay ‘taught us to think individually, so that it was possible for every pupil to play differently but still have the special quality and similarity—which is the sonorous, round and broad tone that is the main beauty of the Hubay school’.

Jeno Hubay was born as Jeno Huber in Budapest on 15 September 1858 into a musical family: his father Karl was the principal violinist in the National Theatre, himself a pedagogue, composer and conductor (he conducted the Budapest premiere of Wagner’s Lohengrin in 1866). His ‘Violin method’ went through forty-seven editions. He was also the first teacher of his son. The young Jeno performed a Viotti concerto with orchestra when he was eleven years old. At the age of fifteen he moved to Berlin to study with Joseph Joachim for three years (1873–6). Between 1876 and 1878 he studied composition with Ferenc Liszt in Budapest and frequently performed with him. From 1878 he studied in Paris with Henri Vieuxtemps, becoming a close friend until Vieuxtemps’ death in Algiers in 1881. Hubay edited and completed some of his works posthumously, following his master’s wishes. Successful concert tours to France, England, Belgium and the Netherlands soon followed. In 1882, at the age of twenty-three, he received an invitation to take up the post of the principal professor of violin at the Brussels Conservatory. Four years later he returned to Budapest permanently, as successor to his father at the Conservatory, a post he held from 1886 until 1899. At the same time he served as head of the violin school of the Academy of Music. In 1901 he performed with the young pianist Béla Bartók, who at that time studied at the academy. He was the director there from 1919 until 1934, during which time the academy was the only high school in Budapest without a ‘numerus clausus’ restriction, and consequently many of Hubay’s students were of Jewish origin. The ‘Music Hall’ in Hubay’s mansion on the bank of the River Danube in Budapest was a meeting place for many famous artists in Europe: not only musicians, but writers, poets and actors were frequently his guests.

Being a virtuoso performer, most of Hubay’s early compositions were written for his own use and for furthering his own violin technique. However, his Hungarian-inspired compositions were also frequently performed by other violinists and were well received all over Europe. (Hubay’s understanding of ‘Hungarian’ is the gypsy version—‘À la Zingara’—as used by Liszt, Brahms and many other contemporary composers, contrary to the Magyar folk music collected and researched by Bartók and Kodály.)

The strong character of Liszt inspired Hubay’s attitude towards the modern music of his time, although the music of Brahms also served as a model. On Brahms’s visit to Budapest in the winter of 1886 the Hubay Quartet (including the famous cellist David Popper) performed his quartets from the manuscripts. Hubay gave the first performance of Brahms’s Third Violin Sonata Op 108, with the composer at the piano, on 22 December 1888 in Budapest. Later he admired the music of Richard Strauss and Debussy.

For fifty years Hubay played a leading role in Hungarian music. However, during socialist times in Hungary (after the Second World War) his contribution to Hungary’s cultural life was forgotten. Perhaps his cause wasn’t helped by his marriage into a noble family (his wife was a baroness), his receiving of many honours and doctorates abroad, and his relationship with the Austro–Hungarian kingdom (he was knighted in 1909). In addition, the attitude towards Hubay was perhaps coloured by his personal differences with Bartók and Kodály, who became Hungary’s national composers. Nevertheless, until his death in 1937 Hubay was a dominant figure in the musical life of his country and one of the most prominent violinists of his time.

The Violin Concerto No 1 in A minor Op 21 (‘Concerto dramatique’), dedicated to Hubay’s former teacher Joseph Joachim, was composed in 1884–5 while Hubay was in Brussels, where he was head of violin at the Conservatory. This concerto, the first of Hubay’s four, is written in the late-Romantic style and influenced by contemporary composers and violin-virtuosos. Hubay performed this work in 1908 at a concert to celebrate his fiftieth birthday, when his students Joseph Szigeti, Franz de Vécsey and Stefi Geyer performed his other three violin concertos.

The first movement unfolds a classical Sonata–Allegro form, but with the free use of solo cadenzas, these outbursts of virtuoso passages weaving between the movement’s main themes. The opening theme is introduced by the full orchestra, forte, in military style, preparing the background for the soloist’s entrance. The solo violin embarks on a short and unexpected cadenza in a free tempo, which leads to a mellow melody interrupted by further virtuoso passages. Another cadenza leads to the main theme presented by the violin. The woodwinds announce the second theme in the tonic major against a background of high-pitched trills from the soloist. This theme is elaborated in a fantasy-like development section marked by a dialogue between the soloist and orchestra. The thematic material is recapitulated, incorporating further short cadenzas from the soloist, before the movement concludes with an animated coda.

The contrasting second movement, Andante ma non tanto, is peaceful in character. It follows without interruption and begins with a dialogue between the harp and flute against a soft orchestral background. The soloist, who plays throughout the movement, presents a sweet song-like melody. The pastoral mood is interrupted only by a brief interlude of excitement, after which the main calm tune returns.

The orchestral opening of the third movement, Allegro con brio, presents a short, highly rhythmical motif which repeats itself obstinately until the soloist’s entrance. It is obstructed by short cadenzas, leading to a second theme. A slower, quieter tune is introduced by the orchestra in the major key, repeated by the soloist and then succeeded by an accompaniment of two harps. After the recapitulation of the main theme the solo violin plays the first rhythmical motif over the second movement’s theme played by the orchestra, before the work ends with a fiery coda.

The Violin Concerto No 2 in E major Op 90 was composed in about 1900 and dedicated to Oscar Studer. It begins with an exposition of a folk-like first theme played by the full orchestra. The solo violin enters with triplet figurations before the main theme recurs in a sequence of shifting tonalities; the soloist then presents the quieter contrasting second theme. The development section uses motifs from the two main themes before a third idea—a quicker tune based on triplets and syncopations—leads to the recapitulation. This movement concludes with solo-violin passagework and arpeggios suspended over the main theme in the orchestra; there is no cadenza.

In the second movement, Larghetto, the solo violin presents a lyrical and Romantic ‘song without words’ followed by improvisatory variations. The middle section portrays a dialogue between the soloist and the orchestra, and after a reprise of the opening song-like theme the movement ends with the high-pitched tone of the violin. The final Allegro non troppo opens with an orchestral introduction based on a repeated motif before the soloist presents a short and joyful dance theme. The rondo-like first part repeats this theme with the soloist elaborating on it with technically demanding variations. A short intermezzo presents a quiet minor-key melody before the rondo tune returns and leads to a brilliant coda.

Hubay’s Suite for violin and orchestra Op 5—composed in 1877–8, revised in 1881 and dedicated to Carolus Agghazi—is typical of Romantic suites in alluding to the dance origins of the Baroque suite while essentially being a free collection of genre pieces. This is one of Hubay’s early works, originally written for violin and piano before being revised with orchestral accompaniment, and it maintains a traditional four-movement form.

The ‘Gavotte’ preserves the character of the Baroque dance. After a short orchestral introduction the first theme is presented by the soloist, while the second theme consists of a contrasting two-part melody. After the repetition of the first theme, the soloist plays a fast variation on the second theme, which is also heard on the woodwinds. A return of the first theme completes the movement.

The ‘Idylle’, a pastoral siciliano-like movement, was also published and performed as an independent piece. In a straightforward A–B–A structure, the movement opens with an orchestral introduction before the soloist plays the main melody. The minor-key middle section is slightly faster and dynamically developed. The coda ends on the high harmonics of the solo violin.

The third movement, ‘Intermezzo’, starts with triplets in the strings. Over this backdrop the violin presents a marching tune. A more mellow, melodic section in the minor key leads to the marching first theme played by the horns. The soloist develops demanding technical variations on this theme before the slower melodic section appears in a different tonality, ending in high trills on the violin. The movement ends with a restatement of the opening theme.

The closing ‘Finale’ recalls the ‘Gavotte’ in its introduction, as if completing the circle. The tempo then changes to Allegro vivace and the soloist launches on a technically demanding run of triplets with a simple accompaniment in the strings. The middle section presents a second theme, characterized by quaver triplets first played by the orchestra. This theme is developed in different keys and leads to a short cadenza. As with the other movements in this suite, a recapitulation of the first theme concludes the movement.

Amnon Shaham © 2006

Compositeur, virtuose du violon et éminent pédagogue, Jeno Hubay est actuellement mieux connu, en dépit de la variété de ses compositions, pour ses œuvres de bravoure pour le violon, notamment la célèbre «Hejre Kati», une des quatorze pièces de ses Scènes de la csárda encore fréquemment donnée en bis lors de récitals. Le catalogue de Hubay comprend quatre symphonies (dont la Symphonie op. 119 dite «Petofi» pour soliste, chœur et grand orchestre), huit opéras (le plus célèbre étant l’opus 40, Le Luthier de Crémone), quatre concertos pour violon et orchestre, et une pièce de concert pour alto et orchestre. Il écrivit aussi des Variations sur un Thème hongrois pour violon et orchestre, et une Sonate romantique pour violon et piano et plusieurs pièces pour violon, parmi lesquelles de nombreuses ont une saveur hongroise: la Fantaisie hongroise op. 1, la Suite Lahore op. 3 no 1, Carmen—Fantaisie brillante op. 3 no 3, Echos de la Puszta op. 7, Zephyr op. 30 no 5, Fleur de Mai op. 37 no 1, Nocturne op. 42, Eine Pusztenfahrt op. 57, Scènes d’enfants op. 84, Fliederbusch op. 109. Parmi ses œuvres d’inspiration pédagogique figurent ses Études concertantes op. 89 et de nombreuses autres études pour le violon qui tiennent une place de choix dans sa production totalisant 126 numéros.

Hubay est considéré dans son pays natal comme le père de «l’école hongroise» de violon. La liste de ses protégés comprend des noms prestigieux comme Joseph Szigeti, Stefi Geyer, Guila Bustabo, Franz de Vécsey, Ede Zathureczky, Jelly d’Aranyi, Zoltán Székely, André Gertler, Eugen Ormandy (qui devint bien entendu un célèbre chef d’orchestre), Tibor Varga, Sándor Végh, Tibor Serly, Wanda Luzzato, Eddy Brown, Erna Rubinstein, Lorand et Alice Fenyves, Ilona Fehér (auprès de laquelle se forma Hagai Shaham, l’interprète de cet enregistrement), et bien d’autres violonistes d’exception qui collectivement ont diffusé cette «école» dans bien des pays. Les caractéristiques propres à cette «école» sont ancrées dans ses principes pédagogiques: Stefi Geyer affirme que Hubay «nous a appris à penser individuellement, si bien qu’il était possible pour tout élève de jouer différemment en possédant les qualités et similitudes spécifiques—soit ce timbre sonore, rond et ample qui est la principale beauté de l’école Hubay».

Jeno Hubay vit le jour sous le nom de Jeno Huber à Budapest le 15 septembre 1858 au sein d’une famille de musiciens: son père Karl était le premier violon du Théâtre National, en plus de son activité de pédagogue, compositeur et chef d’orchestre (il donna la première budapestoise de Lohengrin de Wagner en 1866). Sa «Méthode de violon» connut quarante-sept éditions. Il fut également le premier professeur de son fils. Le jeune Jeno se produisit dans un concerto de Viotti alors qu’il n’avait que onze ans. À quinze ans, il partit à Berlin pour étudier auprès de Joseph Joachim pendant trois ans (1873–6). Entre 1876 et 1878, il se forma à la composition avec Ferenc Liszt à Budapest et joua fréquemment avec lui. À partir de 1878, il étudia à Paris avec Henri Vieuxtemps, devenant un de ses amis intimes jusqu’à ses derniers jours. Après sa disparition, à Alger en 1881, Hubay édita et compléta certaines de ses œuvres en suivant les vœux de son maître. Peu après, il entreprit des tournées en France, en Angleterre, en Belgique et aux Pays-Bas qui connurent un succès éclatant.

En 1882, à vingt-trois ans, il reçut une invitation de Bruxelles qui le conviait au poste de professeur principal de violon au Conservatoire. Quatre ans plus tard, Jeno retournait définitivement à Budapest, prenant la succession de son père au Conservatoire national, un poste qu’il conserva de 1886 à 1899. À la même époque, il dirigeait le département de violon de l’Académie de musique. En 1901, il se produisit avec le jeune pianiste Béla Bartók, alors étudiant de l’Académie. De 1919 à 1934, Hubay assura la direction de l’Académie de musique. Durant cette période, cette institution se trouve être la seule école supérieure de Budapest à ne pas instaurer de «numerus clausus», si bien qu’une grande proportion de ses étudiants était d’origine juive. Le «Music Hall» de la propriété de Hubay sise sur les rives du Danube à Budapest était un lieu de rencontre fréquenté par de nombreux artistes d’Europe: non seulement des musiciens mais aussi des écrivains, des poètes et des acteurs y étaient souvent invités.

Etant donné son tempérament et son talent de virtuose, Hubay destina la plus grande partie de ses compositions de jeunesse à son propre usage, afin de perfectionner sa technique du violon. Pourtant, ses compositions d’inspiration hongroise furent aussi fréquemment exécutées par d’autres violonistes et bien accueillies partout en Europe. (Hubay entendait par le terme «hongrois» le même aspect tzigane—«À la Zingara»—que celui utilisé par Liszt, Brahms et de nombreux autres compositeurs contemporains, contrairement à la musique folklorique magyare collectée et étudiée par Bartók et Kodály.)

Si la musique de Brahms lui servit aussi de modèle, le fort tempérament de Liszt marqua l’attitude de Hubay envers la musique moderne de son époque. Lors du séjour que Brahms fit à Budapest au cours de l’hiver 1886, le Quatuor Hubay (qui comprenait le célèbre violoncelliste David Popper) joua ses quatuors à partir des autographes manuscrits. Hubay donna la première exécution de la Sonate pour violon no 3, op. 108 de Brahms avec le compositeur au piano le 22 décembre 1888 à Budapest. Plus tard, il admira la musique de Richard Strauss et Debussy.

Pendant cinquante ans, Hubay joua un rôle primordial sur la scène musicale hongroise. Pourtant, après la Seconde Guerre mondiale, durant le régime socialiste hongrois, sa contribution à la vie culturelle de Hongrie fut oubliée. Peut-être que sa cause ne fut guère aidée par son mariage au sein d’une famille noble (son épouse était baronne), par les nombreux doctorats et distinctions qui lui étaient décernés à l’étranger et par ses relations avec le royaume (il fut anobli en 1909). En outre, l’attitude envers Hubay fut peut-être colorée par ses divergences avec Bartók et Kodály, qui devinrent, eux, les compositeurs nationaux de Hongrie. Pourtant, jusqu’à sa mort en 1937, Hubay fut une personnalité dominante de la vie musicale de son pays et un des violonistes les plus en vue de son temps.

Hubay dédia à son ancien professeur Joseph Joachim le Concerto pour violon no 1 en la mineur, op. 21 («Concerto dramatique») qu’il écrivit en 1884–5 à Bruxelles, où il enseignait alors le violon au Conservatoire. Écrite dans le style romantique tardif, cette œuvre—le premier des quatre concertos de Hubay—laisse transparaître l’influence des compositeurs et des violonistes virtuoses de l’époque. En 1908, Hubay la joua en concert pour ses cinquante ans, ses élèves Joseph Szigeti, Franz de Vécsey et Stefi Geyer interprétant, eux, ses trois autres concertos pour violon.

Le premier mouvement adopte une forme classique Sonate–Allegro, mais en usant librement de cadenzas solo, ces déchaînements de passages virtuoses glissés entre les thèmes principaux du mouvement. Le thème d’ouverture est présenté par le grand orchestre, forte, dans un style militaire, et prépare le terrain à l’entrée du soliste. Le violon se lance dans une cadenza brève, inattendue, dans un tempo libre, qui débouche sur une douce mélodie, interrompue par de nouveaux passages virtuoses. Puis, une autre cadenza mène au thème principal, exposé au violon, et les bois annoncent le second thème (majeur de la tonique) avec, en fond, des trilles aigus du soliste. Ce thème est poursuivi dans une section de développement, de type fantaisie, marquée par un dialogue entre le soliste et l’orchestre. Le matériau thématique est alors repris, avec d’autres brèves cadenzas du soliste, avant que le mouvement ne s’achève sur une coda animée.

D’un caractère paisible, le deuxième mouvement contrasté, Andante ma non tanto, embraye directement et commence par un dialogue entre la harpe et la flûte, avec un doux fond orchestral. Le soliste, qui joue d’un bout à l’autre du mouvement, énonce une tendre mélodie cantabile. Le climat pastoral ne s’interrompt que pour un bref interlude animé, au terme duquel le calme air principal revient.

L’ouverture orchestrale du troisième mouvement, Allegro con brio, présente un court motif des plus rythmiques, qui se répète obstinément jusqu’à l’entrée du soliste. De courtes cadenzas viennent ensuite s’interposer, qui débouchent sur un second thème. Un air plus lent, plus tranquille est exposé par l’orchestre, en majeur, et repris par le soliste, qui cède la place à un accompagnement de deux harpes. Passé la réexposition du thème principal, le violon solo joue le premier motif rythmique par-dessus le thème du deuxième mouvement (exécuté par l’orchestre), puis l’œuvre s’achève sur une coda fougueuse.

Composé vers 1900 et dédié à Oscar Studer, le Concerto pour violon no 2 en mi majeur, op. 90 s’ouvre sur l’exposition d’un premier thème populaire, au grand orchestre. Le violon solo entre avec des figurations en triolets, puis le thème principal revient dans une séquence de tonalités changeantes et le soliste présente le deuxième thème contrasté, plus paisible. La section de développement reprend ensuite des motifs des deux thèmes principaux avant qu’une troisième idée—un air accéléré fondé sur des triolets et des syncopes—ne mène à la réexposition. Ce mouvement s’achève sur un passage pour violon solo avec des arpèges suspendus au-dessus du thème principal, à l’orchestre; il n’y a pas de cadenza.

Dans le deuxième mouvement, Larghetto, le violon solo présente une «romance sans paroles» lyrique et romantique, suivie de variations de caractère improvisé. La section médiane dépeint un dialogue entre le soliste et l’orchestre et, après une reprise du thème cantabile initial, le mouvement s’achève sur le son aigu du violon. L’Allegro non troppo final débute par une introduction orchestrale, fondée sur un motif répété, avant que le soliste n’énonce un thème dansant, court et joyeux. La première partie, en manière de rondo, reprend ce thème, que le soliste développe à l’aide de variations techniquement exigeantes. Enfin, un bref intermezzo expose une paisible mélodie en mineur, avant le retour de l’air à la rondo, d’où découle une brillante coda.

Composée en 1877–8, révisée en 1881 et dédiée à Carolus Agghazi, la Suite pour violon et orchestre, op. 5 de Hubay est typique des suites romantiques en ce qu’elle fait allusion aux origines dansantes de la suite baroque tout en étant fondamentalement un libre ensemble de pièces de genre. Cette œuvre de jeunesse, originellement écrite pour violon et piano puis révisée avec un accompagnement orchestral, garde une forme traditionnelle à quatre mouvements.

La «Gavotte» conserve le caractère de la danse baroque. Passé une courte introduction orchestrale, le premier thème est énoncé par le soliste—le second thème consistant, lui, en une mélodie contrastée, à deux parties. Après la reprise du premier thème, le soliste exécute une variation rapide sur le second thème, que jouent aussi les bois. Un retour du premier thème complète le mouvement.

L’«Idylle», un mouvement pastoral de type sicilienne, fut également publiée et jouée seule. Sis dans une simple structure A–B–A, ce mouvement s’ouvre sur une introduction orchestrale, avant la mélodie principale, interprétée par le soliste. La section médiane, en mineur, est légèrement plus rapide et développée sur le plan dynamique. La coda s’achève sur des harmoniques aigus du violon solo.

Le troisième mouvement, «Intermezzo», commence par des triolets aux cordes, toile de fond sur laquelle le violon présente une marche. Une section mélodique plus douce, en mineur, mène au premier thème cadencé joué par les cors. Sur ce même thème, le soliste développe d’exigeantes variations, puis la section mélodique, plus lente, apparaît dans une tonalité différente et s’achève sur des trilles aigus, au violon. Une réénonciation du thème initial clôt le mouvement.

L’introduction du «Finale» conclusif rappelle la «Gavotte», comme pour boucler la boucle. Le tempo passe alors à Allegro vivace et le soliste se lance dans une série de triolets, techniquement exigeants, avec un simple accompagnement aux cordes. La section médiane expose un second thème, caractérisé par des triolets de croches, exécutés d’abord par l’orchestre. Ce thème, développé dans différentes tonalités, débouche sur une courte cadenza. Comme toujours dans cette suite, le mouvement s’achève sur une reprise du premier thème.

Amnon Shaham © 2006
Français: Hypérion

Jeno Hubay, Komponist, Violinvirtuose und namhafter Pädagoge, ist heutzutage trotz der Reichhaltigkeit seines kompositorischen Oeuvres vor allem für seine virtuosen Glanzstücke für Violine bekannt, besonders für das berühmte „Hejre Kati“, eins von vierzehn Stücken aus den Scènes de la csárda, das häufig als Zugabe gespielt wird. Zu den Werken Hubays zählen vier Symphonien (darunter die „Petofi-Symphonie“, op. 119, für einen Solisten, Chor und großes Orchester), acht Opern (von denen die berühmteste Der Geigenbauer von Cremona, op. 40, ist), vier Konzerte für Violine und Orchester sowie ein Konzertstück für Viola und Orchester. Außerdem schrieb er Variationen über ein ungarisches Thema für Violine und Orchester, eine romantische Sonate für Violine und Klavier, und Violinstücke, von denen viele einen ungarischen Touch haben: Fantaisie hongroise (op. 1), Lahore Suite (op. 3, Nr. 1), Carmen—Fantaisie brillante (op. 3, Nr. 3), Echos de la Puszta (op. 7), Zephyr (op. 30, Nr. 5), Fleur de Mai (op. 37, Nr. 1), Nocturne (op. 42), Eine Pusztenfahrt (op. 57), Scènes d’enfants (op. 84) und Fliederbusch (op. 109). Seine didaktischen Werke wie etwa die Études concertantes (op. 89) und viele andere Violinetüden nehmen in seinem Oeuvre, das insgesamt 126 Opuszahlen umfasst, einen wichtigen Platz ein.

In seinem Heimatland wird Hubay als der Begründer der „Ungarischen Schule“ des Violinspiels betrachtet. Zu seinen Schülern gehören die Violinvirtuosen Joseph Szigeti, Stefi Geyer, Guila Bustabo, Franz de Vécsey, Ede Zathureczky, Jelly d’Aranyi, Zoltán Székely, André Gertler, Eugen Ormandy (der später ein berühmter Dirigent wurde), Tibor Varga, Sándor Végh, Tibor Serly, Wanda Luzzato, Eddy Brown, Erna Rubinstein, Lorand und Alice Fenyves, Ilona Fehér (die Hagai Shaham, den Violinisten der vorliegenden Aufnahme, unterrichtete) und viele weitere namhafte Geiger, die alle jene „Schule“ in zahlreichen Ländern verbreiteten. Ein wichtiges Charakteristikum dieser „Schule“ ist ihre pädagogische Grundlage: Stefi Geyer berichtete, dass Hubay seinen Schülern „beibrachte, selbstständig zu denken, so dass es für jeden Schüler möglich war, einen individuellen Stil zu entwickeln und trotzdem jene besondere Qualität zu besitzen—nämlich den sonoren, runden und weiten Ton, der die Schönheit der Hubay Schule ausmacht“.

Jeno Hubay wurde als Jeno Huber in Budapest am 15. September 1858 in eine musikalische Familie hineingeboren: sein Vater Karl war der erste Geiger am Nationaltheater, selbst Pädagoge, Komponist und Dirigent (er dirigierte die Budapester Premiere des Lohengrin von Wagner im Jahre 1866). Seine „Violin-Methode“ erreichte 47 Auflagen und er war auch der erste Lehrer seines Sohnes. Der junge Jeno führte mit 11 Jahren ein Viotti-Konzert mit Orchester auf. Im Alter von 15 Jahren zog er nach Berlin, um drei Jahre lang (1873–76) bei Joseph Joachim zu studieren. Von 1876 bis 1878 studierte er Komposition bei Ferenc Liszt in Budapest und konzertierte regelmäßig mit ihm. Ab 1878 studierte er in Paris bei Henri Vieuxtemps. Zwischen den beiden entwickelte sich eine enge Freundschaft, die bis zum Tode Vieuxtemps’ in Algiers 1881 währte. Den Wünschen seines Lehrers zufolge vervollständigte und publizierte Hubay nach dessen Tod einige seiner Werke. Erfolgreiche Konzertreisen nach Frankreich, England, Belgien und den Niederlanden folgten bald darauf.

Im Jahre 1882, im Alter von 23 Jahren, wurde er nach Brüssel eingeladen, um am dortigen Konservatorium die Hauptprofessur für Violine anzutreten. Vier Jahre später kehrte er für immer nach Budapest zurück, um den Konservatoriumsposten seines Vaters von 1886 bis 1899 zu übernehmen. Zur gleichen Zeit war er der leitende Violinprofessor an der Akademie für Musik. Im Jahre 1901 konzertierte er zusammen mit dem jungen Pianisten Béla Bartók, der zu dem Zeitpunkt an der Akademie studierte. Von 1919 bis 1934 war er Direktor der Akademie, die zu dieser Zeit die einzige Hochschule in Budapest ohne „Numerus Clausus“ war. Daher waren viele Schüler Hubays jüdischer Herkunft. Die „Musikhalle“ in Hubays Villa an der Donau in Budapest war ein Treffpunkt vieler berühmter Künstler Europas: nicht nur Musiker, sondern auch Schriftsteller, Dichter und Schauspieler gehörten zu seinen Gästen.

Als virtuoser Konzertgeiger schrieb Hubay seine frühen Werke für den eigenen Gebrauch und um seine eigene Technik weiterzuentwickeln. Die „ungarischen“ Kompositionen wurden jedoch auch regelmäßig von anderen Geigern aufgeführt und in ganz Europa wohlwollend aufgenommen. (Hubays Verständnis des „Ungarischen“ bezieht sich auf das Zigeunerhafte—„À la Zingara“—ähnlich wie auch bei Liszt, Brahms und vielen anderen zeitgenössischen Komponisten, und nicht auf die magyarische Volksmusik, die von Bartók und Kodály gesammelt und untersucht wurde.)

Der starke Charakter Liszts hatte eine inspirierende Wirkung auf Hubays Einstellung gegenüber der modernen Musik seiner Zeit, die Werke von Brahms hatten jedoch auch Vorbildcharakter für ihn. Als Brahms sich im Winter 1886 in Budapest aufhielt, spielte das Hubay Quartett (mit dem berühmten Cellisten David Popper) seine Streichquartette aus den Manuskripten. Zusammen mit dem Komponisten am Klavier führte Hubay am 22. Dezember 1888 in Budapest die 3. Violinsonate (op. 108) von Brahms zum ersten Mal auf. Später bewunderte er die Werke von Richard Strauss und Debussy.

Fünfzig Jahre lang spielte Hubay eine führende Rolle in der ungarischen Musikszene. Während der sozialistischen Ära gerieten seine Beiträge zum Kulturleben Ungarns jedoch in Vergessenheit. Dazu beigetragen haben möglicherweise folgende Umstände: er hatte in eine adelige Familie eingeheiratet (seine Frau war eine Baronesse), im Ausland waren ihm viele Auszeichnungen und Doktortitel verliehen worden und 1909 war er geadelt worden. Außerdem war die allgemeine Einstellung gegenüber Hubay möglicherweise dadurch negativ beeinflusst, dass zwischen ihm und den zukünftigen Nationalkomponisten Bartók und Kodály persönliche Diskrepanzen herrschten. Trotzdem war Hubay bis zu seinem Tod im Jahre 1937 eine führende Figur des Musiklebens seines Heimatlandes sowie einer der prominentesten Violinisten seiner Zeit.

Das Violinkonzert Nr. 1 in a-Moll op. 21 („Concerto dramatique“), das Hubays ehemaligem Lehrer Joseph Joachim gewidmet ist, entstand 1884–85, während Hubay in Brüssel als Leiter der Violinabteilung am dortigen Konservatorium tätig war. Dieses erste von Hubays vier Konzerten ist im spätromantischen Stil gehalten und steht unter dem Einfluss zeitgenössischer Komponisten und Geigenvirtuosen. Hubay spielte das Werk 1908 im Rahmen eines Abends zur Feier seines fünfzigsten Geburtstags, bei dem seine Schüler Joseph Szigeti, Franz von Vécsey und Stefi Geyer seine anderen drei Violinkonzerte aufführten.

Der Kopfsatz entfaltet sich in klassischer Sonatenform, doch mit reichlich Solokadenzen, deren virtuose Ausbrüche zwischen den wesentlichen Themen des Satzes eingeflochten werden. Das Eingangsthema wird forte in martialischem Stil vom gesamten Orchester vorgestellt, das den Hintergrund für den Einsatz des Solisten vorbereitet. Die Sologeige setzt zu einer kurzen und unerwarteten Kadenz in freiem Tempo an, die in eine abgeklärte, von weiteren virtuosen Passagen unterbrochene Melodie übergeht. Eine weitere Kadenz führt zum Hauptthema, das von der Geige vorgestellt wird. Die Holzbläser verkünden vor dem Hintergrund hoch angesetzter Triller des Solisten das Seitenthema. Dieses Thema wird nach Art einer Fantasie in einer Durchführung elaboriert, die vom Dialog zwischen Solist und Orchester bestimmt ist. Das Themenmaterial wird unter Einbeziehung weiterer kurzer Kadenzen des Solisten rekapituliert, ehe der Satz mit einer lebhaften Coda schließt.

Der kontrastierende zweite Satz (Andante ma non tanto) ist vom Wesen her friedlich. Er schließt sich ohne Unterbrechung an und beginnt mit einem Dialog zwischen Harfe und Flöte vor leiser Orchesterbegleitung. Der Solist, der den ganzen Satz hindurch zu spielen hat, präsentiert eine reizende sangbare Melodie. Die pastorale Stimmung wird nur für ein kurzes erregtes Zwischenspiel unterbrochen, ehe die ruhige Hauptmelodie wiederkehrt.

Die Orchestereröffnung des dritten Satzes (Allegro con brio) bietet ein kurzes, rhythmisch bestimmtes Motiv dar, das sich bis zum Einsatz des Solisten obstinat wiederholt. Ihm stellen sich kurze Kadenzen in den Weg, die zu einem Seitenthema führen. Eine kürzere, stillere Melodie wird vom Orchester in Dur vorgestellt, vom Solisten wiederholt, um dann von zwei Harfen begleitet zu werden. Nach der Reprise des Hauptthemas spielt die Sologeige das erste rhythmische Motiv über dem Thema des zweiten Satzes im Orchester, dann endet das Werk in einer feurigen Coda.

Das Violinkonzert Nr. 2 in E-Dur op. 90 wurde um 1900 verfasst und ist Oscar Studer zugeeignet. Es beginnt mit der Exposition eines volkstümlichen ersten Themas, das vom gesamten Orchester angestimmt wird. Die Sologeige setzt mit Triolenfiguren ein, ehe das Hauptthema in einer Abfolge wechselnder Tonalitäten wiederkehrt. Der Solist stellt ein stilleres, kontrastierendes Seitenthema vor. Die Durchführung verwendet Motive aus den beiden wesentlichen Themen, ehe ein dritter Einfall—eine schnellere, auf Triolen und Synkopen beruhende Melodie—zur Reprise überleitet. Der Satz endet mit Geigenläufen und -arpeggien, die über dem Hauptthema im Orchester schweben; eine Kadenz ist hier nicht vorgesehen.

Im zweiten Satz (Larghetto) präsentiert die Sologeige ein lyrisch-romantisches „Lied ohne Worte“, gefolgt von improvisatorischen Variationen. Der Mittelabschnitt stellt einen Dialog zwischen Solist und Orchester dar, und nach einer Reprise des einleitenden sangbaren Themas endet der Satz mit hohen Geigenklängen. Das abschließende Allegro non troppo beginnt mit einer Orchesterintroduktion auf der Grundlage eines wiederholten Motivs, ehe der Solist ein knappes, freudiges Tanzthema darbietet. Der erste Abschnitt im Stil eines Rondos wiederholt dieses Thema, wobei der Solist es mit spieltechnisch anspruchsvollen Variationen ausschmückt. Ein kurzes Intermezzo bietet eine leise Passage in Moll, dann kehrt die Rondomelodie zurück und geht in eine brillante Coda über.

Hubays Suite für Violine und Orchester op. 5—komponiert 1877–78, revidiert 1881 und Carolus Agghazi gewidmet—ist insofern eine typisch romantische Suite, als sie auf die Ursprünge der Barocksuite in Tanzformen verweist, doch im Grunde eine freie Zusammenstellung von Genre-Stücken darstellt. Dies ist ein Frühwerk Hubays, ursprünglich für Violine und Klavier konzipert, ehe es für Orchesterbegleitung umgearbeitet wurde, und es behält die traditionelle viersätzige Form bei.

Die „Gavotte“ bewahrt den Charakter des Barocktanzes. Nach einer kurzen Orchestereinleitung wird das Hauptthema vom Solisten vorgestellt, während das Seitenthema aus einer kontrastierenden zweiteiligen Melodie besteht. Auf die Wiederholung des ersten Themas folgt eine schnelle Variation über das zweite Thema vom Solisten, die dann auch von den Holzbläsern zu hören ist. Mit der Rückkehr des Hauptthemas schließt der Satz.

Die „Idylle“, ein pastoraler Satz im Stile eines Siciliano, wurde auch als eigenständiges Stück veröffentlicht und aufgeführt. Der schlicht in der Abfolge A–B–A aufgebaute Satz beginnt mit einer Orchesterintroduktion, bevor der Solist die Hauptmelodie spielt. Der Mittelabschnitt in Moll ist etwas schneller und eher dynamisch ausgeführt. Die Coda endet mit den hohen Flageolett-Tönen der Sologeige.

Der dritte, als „Intermezzo“ bezeichnete Satz beginnt mit Triolen der Streicher. Vor diesem Hintergrund präsentiert die Geige einen Marsch. Ein eher abgeklärter, melodischer Abschnitt in Moll geht ins Marschthema über, das diesmal die Hörner spielen. Der Solist führt über dieses Thema technisch anspruchsvolle Variationen aus, dann stellt sich der langsamere melodische Abschnitt in neuer Tonart vor und endet in hohen Trillern der Geige. Der Satz schließt mit einer Reprise des Eröffnungsthemas.

Das abschließende „Finale“ erinnert in seiner Einleitung an die „Gavotte“, als solle der Kreis geschlossen werden. Dann wechselt das Tempo nach Allegro vivace, und der Solist setzt zu einer technisch anspruchsvollen Folge von Triolen mit schlichter Streicherbegleitung an. Der Mittelabschnitt stellt ein Nebenthema vor, bestimmt von Achteltriolen, die zuerst vom Orchester gespielt werden. Dieses Thema wird in unterschiedlichen Tonarten durchgeführt, dann folgt eine kurze Kadenz. Wie die anderen Sätze der Suite schließt auch dieser mit einer Reprise des Hauptthemas.

Amnon Shaham © 2006
Deutsch: Anne Steeb/Bernd Müller