Among all musical instruments the one that Bohuslav Martinu (1890–1959) knew the most intimately was the violin. He played it during his youth in Policka, in Eastern Bohemia close to the border with Moravia, now in the Czech Republic. His first attempts were made at the age of four in the gallery of the church tower where he spent the first eleven years of his life as a son of the town’s clock-keeper. At that time he used one stick as the violin and another as the bow. Two years later the local tailor and music teacher Josef Cernovský became young Bohuslav’s first violin teacher. Martinu soon revealed his talent and within a couple of years achieved fame locally performing virtuoso pieces by Bériot, Ernst, Wieniawski and others. Impressed by his performing skills, some rich local businessmen decided to pay Martinu a small bursary, which allowed him to study the violin at the Prague Conservatory.

The rich musical life in Prague distracted Martinu from practising the violin, and at the same time he began regularly composing his own music. Nevertheless, he was accomplished enough to enter the Czech Philharmonic Orchestra, first as an auxiliary violinist (1913–14) and after the First World War as a regular member of the second violins (1920–23) under Václav Talich. By that time, however, he was already studying composition with Josef Suk and was certain about his main musical interest. In October 1923 Martinu left Prague and went to Paris to study composition with Albert Roussel. One of the first things he did in Paris was sell his violin in order to raise some money, and he only occasionally played the instrument in later life.

Being an accomplished violinist it is not surprising that Martinu was much in demand as a composer of instrumental music. He enriched the concert literature of the twentieth century with dozens of highly imaginative works. In addition to his four violin concertos he wrote eight concertos requiring a piano soloist, four with cello and one each for harpsichord, viola and oboe, as well as a further five double, two triple and two quadruple concertos, all with orchestra. Like most of his output these works were commissioned by important soloists, art patrons and institutions. The successful premieres of them—with internationally acclaimed soloists such as Misha Elman, Rudolf Firkušný, Gaspar Cassadó, Pierre Fournier, the Pro Arte Quartet, Marcel Moyse and others—led to a long period of popularity for Martinu’s music which lasted for several decades. However, it didn’t survive the generation of the above-mentioned musicians. Of all the genres of Martinu’s compositional output, the concertante works became the most neglected. All of the concertos, except those for oboe and viola, are now out of the field of vision of international soloists, and are widely performed only in the Czech Republic; they are still waiting to be rediscovered abroad.

This recording is the first volume of a four-disc survey of Martinu’s complete output for solo violin and orchestra, including compositions with other solo instruments. The works on this disc justify Harry Halbreich’s division of concertos by Martinu into two categories: the neo-Classical concerto grosso type of the 1930s, and the neo-Romantic concerto style, mostly for large orchestra, of the 1940s and 1950s. (One could also add the neo-Impressionist style of at least two of his concertos, his Oboe Concerto and Piano Concerto No 5.)

Like many neo-Classical composers—including Darius Milhaud, Arthur Honegger, and Paul Hindemith—Martinu was inspired by the principle of the Baroque concerto grosso, utilizing a group of solo instruments (concertino) in opposition to a full orchestra (ripieno). The concerto for two or more solo instruments with orchestra became one of the principal forms in Martinuo’s music, especially during the 1930s. Typical for his concerti grossi is a plan of three movements, as well as the departure from traditional sonata form, with its duality of themes, towards a continuous development of small patterns (which the composer called ‘cells’). In 1931 he composed his Concerto for string quartet and orchestra, and two years later came two works with a piano trio as the solo group—the Concerto and Concertino, each for piano trio and string orchestra.

Then in October 1936 Martinu composed his Concerto for flute, violin, and orchestra H252. He was already an established composer, and he wrote it in just ten days on commission from the French flautist Marcel Moyse, probably the most celebrated flute player of his time (after World War II Moyse moved to the United States and founded, together with Adolf and Hermann Busch and Rudolf Serkin, the Marlboro Music Festival). The part of the violin was conceived for Blanche Honegger Moyse (b 1909), a Swiss violinist who studied in Geneva and in Paris with Adolf Busch and Georges Enesco. She married Marcel’s son Louis Moyse, an accomplished flautist and pianist. It was for the Moyse trio—consisting of Marcel, Blanche and Louis—that Martinu wrote his Sonata for flute, violin and piano H254 (1937) as well as Promenades for flute, violin and harpsichord H274 (1939). (In October 2006 Blanche donated the autograph score of the Concerto for flute, violin and orchestra to the Martinu Institute in Prague, and Louis did the same with the autograph score of Promenades.)

While composing the Concerto for flute, violin and orchestra, Martinu interrupted the work on his main work of this period, the opera Juliette. According to the composer’s letter to his family in Policka the concerto was planned to be premiered ‘on the radio in London at the end of October’. It is therefore quite surprising that he finished his concerto only in October. Martinu probably put his trust in the virtuosity of both soloists, whom he knew well personally—he spent Christmas Eve 1936 with the Moyse family. The concerto was in fact first performed three days later on 27 December 1936 by Marcel Moyse and Blanche Honegger Moyse with the Orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire under Philippe Gaubert (the former teacher of Marcel Moyse at the Paris Conservatoire). Its first performance was broadcast live on radio and was soon followed by performances in other important cities such as London and Geneva.

This three-movement work follows the Classical layout of fast–slow–fast. The piano plays an important role in the instrumentation of the concerto, enriching the colour of the orchestra. In the first movement, Allegro moderato, a fast cadenza successively introduces the solo instruments, starting with the flute. The second movement, Adagio, is rich in expression, offering lyrical melodies presented alternately and jointly by the two solo instruments. A lyrical violin cadenza prepares the final section of the second movement which culminates with an expressive counterpoint of the two solo instruments with the string section. The final movement, Poco allegretto, has the layout of a three-part song-form whose central cantilena section leads after a flute cadenza to a repetition of the first part. The ensuing fast coda intensifies the build-up to the culmination of the movement, and thus of the whole work.

Another double concerto in the form of the Baroque concerto grosso is the three-movement Duo concertante for two violins and orchestra H264. It was written in November and December 1937 in Nice at the villa ‘Point Claire’ which belonged to his old friend the Czech painter Josef Šíma. The composer commented on this piece in a letter to Miloš Šafránek from Nice: ‘I have conceived the orchestra very lightly so as not to cover the soloists and so that the solos don’t have to be forced. The tempo of the first movement adheres to that of a concerto grosso, meaning don’t hurry, but on the contrary play with the intention more of holding back so that sonority and technique can come to the fore. I think Poco allegro is apt. The second movement, Lento, presents no problems with tempo. […] As far as the title is concerned, I didn’t write any on the score, but I think best would be the Duo concertante for two violins and orchestra.’

From this concerto grosso-style work Martinu adopted the typical alternation of solo and tutti, which fascinated him for a number of years. Typical for his works from the 1930s are the three-movement structure and the departure from sonata form with its individual themes, which are replaced here by a continuous fabric of delicate motivic elements. Emphasis is placed on orchestral colour. The freshness of the musical ideas and the virtuoso writing of the two solo violin parts make this eighteen-minute composition an extraordinary musical experience.

The premiere took place on 10 February 1938 in Yverdon (Switzerland) with Orchestre de la Suisse Romande under Ernest Ansermet. The solo parts were played by the brothers Georges and Victor Desarzens, who had commissioned the work and to whom it is dedicated. Victor later became a celebrated conductor; he founded the Orchestre de chambre in Lausanne and performed many orchestral pieces by Martinu in both Lausanne and Winterthur, his other place of work. Some autograph materials for the concerto were recently donated to the Martinu Foundation by Victor Desarzens’ daughter Martine, along with a very important and illuminating correspondence between her father and Bohuslav Martinu.

In the twelve years between the Duo concertante and the Concerto in D major for two violins and orchestra H329 almost everything changed in Martinu’s life. In 1940 he left Paris just a few days before the Nazi occupation and spent nine hard months escaping from France, through Spain and Lisbon in Portugal, to the United States. During World War II Martinu established a reputation as probably the most performed living classical composer in America, accepting commissions from leading orchestras and soloists. Originally intending to return to Czechoslovakia after the war, he changed his plans after the communist take-over in 1948 and took American citizenship. The last six years of his life were spent mostly in Italy, France, and Switzerland—at the home of the conductor Paul Sacher. In addition to the complicated political situation of the Cold War, Martinu suffered a serious accident in 1946, which left him deaf in one ear and caused an almost permanent loss of balance. He recovered sufficiently to accept a teaching position at Princeton University in New Jersey in September 1948, but it was not until the early 1950s that he returned to his usual rate of composing several works within very short periods of time. The Concerto for two violins was written from May to July 1950 in New York on commission from the promising young twins Gerald and Wilfred Beal. At the time of its premiere, which took place in Dallas on 14 January 1951, the twins were barely eighteen years old.

Apart from the simple fact that it was written for two solo violins and orchestra, this concerto is almost completely different from the earlier Duo concertante. It uses a large symphonic orchestra in the Romantic concerto tradition and shows a remarkable spiritual connection between Martinu and Antonín Dvorák, his successful Czech predecessor in America. As always the solo parts are highly virtuosic and rewarding to play. In April 1954, in a letter to his close friend the conductor Ernest Ansermet, Martinu compared his concerto in a humorous way to the Concerto for two violins in D minor BWV1043 by Johann Sebastian Bach, mentioning that his own is probably not as good as Bach’s but that it is not bad and perhaps the first of its kind since Bach (it is somewhat surprising that he seemed not to remember his own earlier Duo concertante).

Unfortunately there is no recording of the concerto by its dedicatees to explain the way it is composed—Martinu always reflected the characteristic attributes of his commissioners or performers of the premiere. It seems that the Beal twins were equally technically skilled with an inclination towards rapid passagework. The concerto consists of three more or less fast movements without a genuine slow middle section. The Poco allegro opens in a bright D major in 6/8 time, a metre Martinu liked for its potential for constant small rhythmical changes. The entrance of the two solo instruments returns to the material of the orchestral introduction; however, it is now presented with very intricate double, triple and quadruple stops, so that immediately Martinu creates his favourite effect of a full sound, here evoking a string quartet rather than just two violins. The second movement, Moderato, starts in B flat major, Martinu’s most favoured key in the music of his final decade. The first violin opens with a long-breathed melody accompanied by the harmonic figuration of the second violin, before the two soloists switch their roles. The third movement, Allegro con brio, returns—attacca—to D major, in 2/4. In a virtuoso cadenza both soloists get to demonstrate their technical skills and beauty of tone, before a fast Vivo (Presto) brings the piece to an end with Ševcík-like enthusiasm.

Despite the succesful premiere and several acclaimed performances throughout the first half of 1950s, the work never attained the popularity it deserves. This was at least partially caused by the troubles Martinu had to find a good publisher. He first offered it to Universal Edition in Vienna in 1953, which at first accepted it but for unknown reasons never published it. Four years later, in January 1957, Martinu proposed it to Eschig but nothing came of this either. Only at the beginning of 1959 did Martinuo finally find a publisher for this work: Bärenreiter. However, legal problems delayed the publication of this concerto until 1962, three years after the composer’s death.

Indeed, another reason for this concerto’s obscurity might be the very long period of exclusive performing rights the Beal twins reserved in the original contract. Even in July 1956 Martinu wrote to a friend, the oboe player Jirí Tancibudek, that the piece might become free only in a year or two. After the unexpected dissolution of ‘The Beal Twins’ the concerto fell into oblivion and was rediscovered only several decades later. It is to be hoped that it will now enter the concert repertoire.

Aleš Březina © 2007

De tous les instruments de musique, le violon était celui que Bohuslav Martinu (1890– 1959) connaissait le mieux: il en joua, enfant, à Policka, en Bohême orientale, près de la frontière morave, dans l’actuelle République tchèque. Ce fut là, à l’âge de quatre ans, qu’il s’essaya au violon dans la galerie de la tour de l’église dont son père était le gardien et où il passa ses onze premières années. En ce temps-là, il utilisait deux baguettes en guise de violon et d’archet. Deux ans plus tard, Josef Cernovský, tailleur local et professeur de musique, lui donna ses premières leçons de violon. Le jeune Bohuslav ne tarda pas à dévoiler son talent: en deux ans, il devint une gloire locale en exécutant des morceaux virtuoses des Bériot, Ernst et autres Wieniawski. Impressionnés par ses dons d’interprète, plusieurs riches hommes d’affaires de la région décidèrent de lui octroyer une petite bourse qui lui permit d’aller étudier le violon au Conservatoire de Prague.

Pris par la riche vie musicale pragoise, Martinu se détourna de la pratique violonistique et commença de composer régulièrement sa propre musique. Il n’en fut pas moins un instrumentiste assez accompli pour intégrer l’Orchestre philharmonique tchèque, d’abord comme violoniste auxiliaire (1913–14) puis, après la Première Guerre mondiale, comme second violon régulier (1920–23), sous la baguette de Václav Talich. Ce qui ne l’empêcha pas d’étudier la composition avec Josef Suk et de savoir déjà avec certitude ce qui l’intéressait le plus sur le plan musical. En octobre 1923, il quitta Prague pour aller étudier la composition avec Albert Roussel à Paris. Là, l’un de ses tout premiers gestes fut de vendre son violon pour se faire un peu d’argent; il lui arriva, cependant, de rejouer de cet instrument vers la fin de sa vie, prouvant qu’il n’avait rien oublié des enseignements reçus dans sa jeunesse.

Violoniste accompli, Martinu fut tout naturellement un compositeur de musique instrumentale fort prisé, grâce auquel la littérature des concerts du XXe siècle s’enrichit de dizaines d’œuvres extrêmement inventives. À ses quatre concertos pour violon s’ajoutent en effet huit concertos avec piano solo, quatre pour violoncelle, un pour clavecin, un pour alto, un pour hautbois, mais aussi cinq doubles, deux triples et deux quadruples concertos, tous avec orchestre. Presque toutes ces pièces furent commandées par d’importants solistes, par des mécènes ou par des institutions et le succès de leur première (avec des solistes de renommée internationale comme Misha Elman, Rudolf Firkušný, Gaspar Cassadó, Pierre Fournier, le Pro Arte Quartet et Marcel Moyse) assura plusieurs décennies de popularité à la musique de Martinu. Mais, n’ayant pas survécu à la génération des musiciens qui l’avaient créée, cette dernière sombra dans l’oubli—surtout les œuvres concertantes. Aujourd’hui, seule la République tchèque continue de programmer largement ces concertos, qui attendent toujours d’être redécouverts, les solistes internationaux ne jouant plus que ceux pour hautbois et pour alto.

Cet enregistrement constitue le premier volume d’un ensemble de quatre disques présentant toute la musique pour violon solo et orchestre de Martinu, mais aussi des compositions avec d’autres instruments solistes. Les pièces réunies ici justifient la scission que Harry Halbreich opéra dans les concertos de Martinu en distinguant le concerto grosso néo-classique des années 1930 du concerto néo-romantique, surtout pour grand orchestre, des années 1940 et 1950. (Mais l’on pourrait ajouter le style néo-impressionniste d’au moins deux œuvres: le Concerto pour hautbois et le Concerto pour piano no 5.)

Comme nombre de compositeurs néo-classiques (Darius Milhaud, Arthur Honegger ou encore Paul Hindemith), Martinu fut inspiré par le principe du concerto grosso baroque, où un groupe d’instruments solistes (concertino) est opposé à un grand orchestre (ripieno). Le concerto pour deux instruments solo (ou plus) avec orchestre devint l’une de ses principales formes d’écriture, surtout dans les années 1930. Ses concerti grossi adoptent généralement un plan en trois mouvements, tout en se départant de la forme sonate traditionnelle, avec sa dualité de thèmes, pour se tourner vers un développement continu de petits motifs (baptisés «cellules»). En 1931, il composa son Concerto pour quatuor à cordes et orchestre puis, deux ans plus tard, son Concerto et son Concertino pour trio avec piano—lequel tient lieu de groupe solo—et orchestre à cordes.

En octobre 1936, Martinu écrivit son Concerto pour flûte, violon et orchestre H252. Compositeur d’ores et déjà reconnu, il le conçut en tout juste dix jours, sur une commande du Français Marcel Moyse, certainement le plus célèbre flûtiste de son temps (après la Seconde Guerre mondiale, il émigra aux États-Unis et fonda avec Adolf Busch, Hermann Busch et Rudolf Serkin le Marlboro Music Festival). La partie de violon fut pensée pour Blanche Honegger Moyse (née en 1909), violoniste suisse qui étudia à Genève et à Paris avec Adolf Busch et Georges Enesco. Elle épousa le fils de Marcel Moyse, Louis, lui-même flûtiste et pianiste émérite. Ce fut pour le Trio Moyse—constitué par Marcel, Blanche et Louis—que Martinu écrivit sa Sonate pour flûte, violon et piano H254 (1937), mais aussi ses Promenades pour flûte, violon et clavecin H274 (1939). (En Octobre 2006, Blanche fit don de la partition autographe du Concerto pour flûte, violon et orchestre au l’Institute Martinu de Praque; Louis fit de même avec la partition autographe des Promenades.)

Pendant la composition de son Concerto pour flûte, violon et orchestre, Martinu cessa de travailler à sa grande œuvre du moment, son opéra Juliette. Selon une lettre adressée à sa famille à Polivka, le Concerto devait être créé «à la radio, à Londres, fin octobre». On peut donc vraiment s’étonner qu’il ne l’ait achevé qu’en octobre. Peut-être avait-il toute confiance en la virtuosité des deux solistes, qu’il connaissait personnellement—il passa la veille de Noël 1936 avec les Moyse. La première du concerto eut lieu trois jours plus tard, le 27 décembre 1936, avec Marcel Moyse, Blanche Honegger Moyse et l’Orchestre de la Société des concerts du Conservatoire placés sous la direction de Philippe Gaubert (ancien professeur de Marcel Moyse au Conservatoire de Paris). Cette exécution, radiodiffusée en direct, fut bientôt reprise dans d’autres villes importantes comme Londres et Genève.

Cette œuvre en trois mouvements adopte le schéma classique rapide–lent–rapide. Enrichissant la couleur de l’orchestre, le piano joue un rôle essentiel dans l’instrumentation globale. Dans le premier mouvement, Allegro moderato, une cadenza rapide introduit tour à tour la flûte et le violon solo. Le deuxième mouvement, Adagio, est expressivement riche, avec des mélodies lyriques présentées alternativement et conjointement par les deux instruments solo. Une lyrique cadenza violonistique en prépare la section finale, qui culmine en un vibrant contrepoint des deux instruments solistes avec les cordes. Le dernier mouvement rapide, Poco allegretto, affiche le plan d’une forme «Lied» tripartite, dont la cantilena centrale débouche, après une cadenza de flûte, sur une répétition de la première partie. La coda rapide qui s’ensuit intensifie l’accumulation menant à l’apogée du mouvement et, partant, de l’œuvre.

Autre double concerto en forme de concerto grosso baroque, le Duo concertante pour deux violons et orchestre H264 en trois mouvements fut écrit en novembre/décembre 1937, à la villa «Point Claire» de Nice, propriété du peintre tchèque Josef Šíma, un vieil ami de Martinu. Voici ce que ce dernier en dit dans une lettre adressée de Nice à Miloš Šafránek: «J’ai conçu l’orchestre tout en légèreté pour ne pas couvrir les solistes et pour que les solos n’aient pas à être forcés. Le tempo du premier mouvement obéit à celui d’un concerto grosso, donc pas de précipitation, juste jouer avec une intention de retenue pour que et la sonorité et la technique puissent se manifester. Je pense que Poco allegro convient bien. Le deuxième mouvement, Lento, ne présente pas de problème de tempo. […] Pour ce qui est du titre, je n’en ai écrit aucun sur la partition, mais le mieux serait, je pense, le Duo concertante pour deux violons et orchestre.»

Pour cette œuvre en style de concerto grosso, Martinu adopta cette alternance solo/tutti qui le fascina si longtemps. Comme très souvent dans ses pièces des années 1930, la structure est en trois mouvements et les thèmes individuels de la forme sonate sont remplacés par un réseau continu de délicats éléments motiviques. L’accent est mis sur la couleur orchestrale. La fraîcheur des idées musicales et l’écriture virtuose des deux parties de violon solo font de cette pièce de dix-huit minutes une expérience musicale extraordinaire.

La première se déroula le 10 février 1938 à Yverdon (Suisse) avec l’Orchestre de la Suisse romande, sous la baguette d’Ernest Ansermet. Les parties solo furent assumées par les frères Georges et Victor Desarzens, commanditaires et dédicataires de l’œuvre. Victor deviendra un chef d’orchestre célèbre; fondateur de l’Orchestre de chambre de Lausanne, il exécuta maintes pièces orchestrales de Martinu à Lausanne et à Winterthur, son autre lieu de travail. Sa fille Martine a récemment fait don de documents autographes concernant ce concerto à la Fondation Martinu; elle a aussi donné une très importante, et fort éclairante, correspondance entre son père et Bohuslav Martinu.

Douze années séparent le Duo concertante du Concerto en ré majeur pour deux violons et orchestre H329, douze années durant lesquelles la vie de Martinu changea presque du tout au tout. En 1940, il quitta Paris quelques jours à peine avant l’occupation nazie et passa neuf mois difficiles à fuir la France pour gagner les États-Unis via l’Espagne et le Portugal (Lisbonne). Pendant la Seconde Guerre mondiale, il fut certainement le compositeur classique vivant le plus joué en Amérique, acceptant des commandes de grands orchestres et de solistes. Après la guerre, il voulut d’abord rentrer en Tchécoslovaquie mais il se ravisa devant la prise du pouvoir par les communistes en 1948 et adopta la nationalité américaine. Il passa l’essentiel des six dernières années de sa vie en Italie, en France et en Suisse—chez le chef d’orchestre Paul Sacher. À la complexe situation politique de la Guerre froide s’ajouta, pour Martinu, un grave accident (1946) qui le laissa sourd d’une oreille et en proie à une perte d’équilibre quasi permanente. Il se rétablit suffisamment pour pouvoir accepter un poste d’enseignant à l’Université de Princeton (New Jersey) en septembre 1948, mais ce fut seulement au début des années 1950 qu’il retrouva son rendement compositionnel, avec plusieurs œuvres en très peu de temps. Commande des prometteurs jumeaux Gerald et Wilfred Beal, le Concerto pour deux violons fut écrit de mai à juillet 1950 à New York puis créé a Dallas le 14 janvier 1951—les jumeaux avaient alors tout juste dix-huit ans.

Hormis le fait d’avoir été écrit pour deux violons solo et orchestre, ce concerto est presque aux antipodes du Duo concertante antérieur. Il utilise un grand orchestre symphonique, dans la tradition du concerto romantique, et affiche une remarquable communion d’esprit avec Antonín Dvorák, l’heureux prédecesseur tchèque de Martinu en Amérique. Comme toujours, les parties solo sont extrêmement virtuoses et gratifiantes pour leurs interprètes. Dans une lettre d’avril 1954 adressée à son ami intime le chef d’orchestre Ernest Ansermet, Martinu compara avec humour son concerto avec le Concerto pour deux violons en ré mineur BWV1043 de Johann Sebastian Bach, déclarant que le sien ne valait probablement pas celui de Bach mais qu’il n’était pas mauvais et était peut-être le premier double concerto depuis Bach (il est assez curieux qu’il ait apparemment oublié son propre Duo concertante).

Nous n’avons, hélas, aucun enregistrement du concerto par ses dédicataires. Un tel document nous aurait sûrement éclairé sur la composition de l’œuvre, car Martinuo cherchait toujours à refléter les vertus marquantes des commanditaires ou des créateurs de ses pièces. Les jumeaux Beal étaient, à l’évidence, aussi doués techniquement l’un que l’autre, avec une prédilection pour les passages rapides. Le concerto comprend trois mouvements plus ou moins rapides, sans vraie section centrale lente. Le Poco allegro s’ouvre sur un éclatant ré majeur à 6/8, un mètre que Martinu appréciait pour son potentiel de constants petits changements rythmiques. L’entrée des deux instruments solo retrouve le matériau de l’introduction orchestrale, désormais présenté avec de très complexes doubles, triples et quadruples cordes, si bien que Martinu crée d’emblée son effet favori, celui d’une sonorité pleine, évoquant ici plus un quatuor à cordes que deux simples violons. Le deuxième mouvement, Moderato, commence en si bémol majeur, la tonalité que le compositeur préféra dans ses dix dernières années. Le premier violon ouvre sur une mélodie au long souffle, accompagnée par la figuration harmonique du second violon, avant que les deux solistes n’échangent leurs rôles. Le troisième mouvement, Allegro con brio, revient—attacca—à ré majeur, à 2/4. Dans une cadenza virtuose, les deux solistes se lancent dans une démonstration de leur maîtrise technique, de la beauté de leur son, puis un rapide Vivo (Presto) clôt la pièce avec un enthousiasme à la Ševcík.

Malgré le succès de la création et de plusieurs exécutions dans la première moitié des années 1950, l’œuvre n’a jamais eu la popularité qu’elle mérite, et ce en partie à cause des difficultés que Martinu éprouva à lui trouver un bon éditeur. Il la proposa d’abord à Universal Edition à Vienne (1953), qui l’accepta mais, sans que l’on sache pourquoi, ne la publia jamais. Quatre ans plus tard, en janvier 1957, il la soumit à Eschig, en pure perte. Ce fut seulement au début de 1959 qu’il dénicha un éditeur, Bärenreiter, même si des problèmes juridiques repoussèrent la publication à 1962, trois ans après sa mort.

L’éclipse subie par cette œuvre pourrait aussi s’expliquer par le contrat original, dans lequel les jumeaux Beal s’octroyèrent une très longue exclusivité des droits d’interprétation. Encore en juillet 1956, Martinu écrivit à son ami le hautboïste Jirí Tancibudek que son concerto ne serait peut-être pas libre de droits avant un an ou deux ans. Après la dissolution inattendue des «Beal Twins», cette œuvre sombra dans plusieurs décennies d’oubli. Espérons qu’elle entrera dans le répertoire des concerts.

Aleš Březina © 2007
Français: Hypérion

Von allen Musikinstrumenten war Bohuslav Martinu (1890–1959) am besten mit der Violine vertraut. Er spielte sie schon in seinen Jugendjahren im ostböhmischen Policka nahe der mährischen Grenze, jetzt in der Tschechischen Republik. Seine ersten Versuche begannen im Alter von vier Jahren auf dem Rundgang des Kirchturms, in dem er als Sohn eines Türmers die ersten elf Jahre seines Lebens verbrachte. Bei dieser Gelegenheit nutzte er einen Stock als Violine und einen anderen als Bogen. Zwei Jahre später erhielt er den ersten Violinunterricht von dem ortsansässigen Schneider und Musiklehrer Josef Cernovský. Bohuslav ließ bald eine große Begabung erkennen, und innerhalb der nächsten Jahre erntete er mit virtuosen Aufführungen von Stücken Bériots, Ernsts, Wieniawskis und anderen Erfolge in der näheren Umgebung. Einige von Martinus Spiel beeindruckte Geschäftsmann aus der Gegend entschloss sich, dem jungen Mann ein kleines Stipendium für ein Violinstudium am Prager Konservatorium zu zahlen.

Das reiche Musikleben Prags lenkte Martinu vom Violinüben ab. Gleichzeitig begann er regelmäßig, eigene Musik zu komponieren. Man befand ihn allerdings für gut genug, dass er ins Tschechische Philharmonische Orchester aufgenommen wurde, zuerst als Aushilfsgeiger (1913–14) und nach dem Ersten Weltkrieg als reguläres Mitglied der zweiten Violinen (1920–23) unter Václav Talich. Zu diesem Zeitpunkt studierte Martinu allerdings schon Komposition bei Josef Suk und war sich über sein musikalisches Hauptinteresse klar geworden. Im Oktober 1923 verließ Martinu Prag und ging nach Paris, um bei Albert Roussel Komposition zu studieren. Eine der ersten Handlungen nach seiner Ankunft in Paris war der Verkauf seiner Violine, um Geld zu beschaffen. Später spielte er Violine nur noch gelegentlich.

Da Martinu selber ein guter Violinist war, überrascht es kaum, dass er auch als Komponist von Instrumentalmusik sehr gefragt war. Er bereicherte die Konzertliteratur des 20. Jahrhunderts mit zahlreichen hochgradig originellen Werken. Neben seinen vier Violinkonzerten schrieb er acht Klavierkonzerte, vier Konzerte für Violoncello und jeweils eins für Cembalo, eins für Viola und eins für Oboe sowie fünf Doppel-, zwei Trippel- und zwei Quadrupelkonzerte, alle mit Orchester. Wie der Großteil seines Schaffens wurden auch diese Werke von berühmten Solisten, Kunstförderern und Institutionen in Auftrag gegeben. Die erfolgreichen Uraufführungen dieser Konzerte—mit international gefeierten Solisten wie Misha Elman, Rudolf Firkušný, Gaspar Cassadó, Pierre Fournier, das Pro-Arte-Quartett, Marcel Moyse und anderen—führten dazu, dass sich Martinus Musik mehrere Jahrzehnte lang großer Beliebtheit erfreute. Allerdings hielt diese Beliebtheit nicht über die Generation der eben genannten Musiker hinaus an. Von allen Gattungen in Martinus kompositorischen Schaffen gerieten besonders die Konzerte in Vergessenheit. Alle außer dem für Oboe und dem für Viola sind mittlerweile aus dem Blickfeld internationaler Solisten verschwunden und werden nur noch in der Tschechischen Republik häufig aufgeführt. Sie warten noch immer auf eine Wiederentdeckung im Ausland.

Die hier vorliegende Einspielung ist die erste von vier CDs, die Martinus vollständiges Œuvre für Violine solo und Orchester vorstellen werden, einschließlich der Kompositionen mit anderen Soloinstrumenten. Die Werke auf dieser CD rechtfertigen Harry Halbreichs Einteilung von Martinus Konzerten in zwei Kategorien: die neoklassizistischen Konzerte in der Art eines Concerto grosso aus den 1930er Jahren und die Konzerte im neoromantischen Stil, hauptsächlich für großes Orchester, aus den 1940er und 1950er Jahren. (Man könnte auch die Konzerte im neoimpressionistischen Stil hinzufügen, zu denen zumindest zwei seiner Konzerte zugerechnet werden sollten, sein Oboenkonzert und sein 5. Klavierkonzert.)

Wie viele andere neoklassizistischen Komponisten—einschließlich Darius Milhaud, Arthur Honegger und Paul Hindemith—fand auch Martinu Anregung in den Prinzipien des barocken Concerto grosso, wo eine Gruppe von Soloinstrumenten (Concertino) einem vollen Orchester (Ripieno) gegenübergestellt wird. Martinuo wandte in seiner Musik, besonders in den 1930er Jahren, häufig die Konzertform für zwei oder mehr Soloinstrumente an. Für seine Concerti grossi ist eine Einteilung in drei Sätze sowie eine Abwendung von der traditionellen, von Themendualität geprägten Sonatenform zugunsten einer kontinuierlichen Entwicklung aus kleinen Motiven (die der Komponist „Zellen“ nennt) typisch. 1931 komponierte er sein Konzert für Streichquartett und Orchester, und zwei Jahre später kamen zwei Werke mit einem Klaviertrio als Sologruppe—das Konzert und das Concertino, beide für Klaviertrio und Streichorchester.

Im Oktober 1936 schrieb Martinu dann sein Konzert für Flöte, Violine und Orchester H252. Da war er schon ein renommierter Komponist und schuf in nur zehn Tagen das Konzert, das von dem wahrscheinlich gefeiertsten Flötenspieler seiner Zeit, dem französischen Flötisten Marcel Moyse, in Auftrag gegeben worden war (nach dem Zweiten Weltkrieg zog Moyse in die Vereinigten Staaten und gründete zusammen mit Adolf und Hermann Busch sowie Rudolf Serkin das Marlboro Music Festival). Die Violinstimme wurde für Blanche Honegger Moyse (geb. 1909) komponiert, eine Schweizer Violinistin, die zuerst in Genf und später in Paris bei Adolf Busch und George Enescu studiert hatte. Sie heiratete Louis Moyse, den Sohn von Marcel und einen ausgezeichneten Flötenspieler und Pianist. Martinu schrieb seine Sonate für Flöte, Violine und Klavier H254 (1937) wie auch die Promenades für Flöte, Violine und Cembalo H274 (1939) für das Moyse-Trio, das aus Marcel, Blanche und Louis bestand. (Im Oktober 2006 schenkte Blanche dem Bohuslav Martinu-Institut in Prag Martinuos handschriftliche Partitur des Konzerts für Flöte, Violine und Orchester, und Louis tat das Gleiche mit Martinus handschriftlicher Partitur der eben genannten Promenades.)

Während der Komponist das Konzert für Flöte, Violine und Orchester schrieb, unterbrach er seine Arbeit an dem Hauptwerk jener Zeit, der Oper Juliette. Aus den Briefen des Komponisten an seine Familie in Policka geht hervor, dass die Uraufführung des Konzerts „gegen Ende Oktober im Radio in London“ geplant war. Man wundert sich deshalb, warum er sein Konzert erst im Oktober fertigstellte. Martinu muss dem Können beider Solisten vertraut haben, die er persönlich gut kannte (den Heiligabend 1936 verbrachte er zum Beispiel bei der Familie Moyse). Die Uraufführung in London kam offensichtlich nicht zustande. Stattdessen wurde das Konzert drei Tage nach dem genannten Besuch Martinuos bei den Moyses, am 27. Dezember 1936, von Marcel Moyse und Blanche Honegger Moyse mit dem Orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire unter Philippe Gaubert (dem ehemaligen Lehrer Marcel Moyses am Pariser Conservatoire) uraufgeführt und live im Radio übertragen. Darauf folgten Aufführungen in anderen großen Städten wie London und Genf.

Dieses dreisätzige Werk folgt der klassischen Vorgabe schnell–langsam–schnell. Das Klavier spielt bei der Bereicherung der Orchesterfarbpalette im gesamten Konzert eine wichtige Rolle. Im ersten Satz, Allegro moderato, stellen sich die Soloinstrumente nacheinander mit einem schnellen Solo vor, zuerst die Flöte, dann die Violine. Der zweite Satz, Adagio, ist ausdruckstark, und die zwei Soloinstrumente spielen wechselseitig oder gemeinsam lyrische Melodien. Ein liedhaftes Violinsolo bereitet den letzten Abschnitt des zweiten Satzes vor, der in einem lyrischen Kontrapunkt zwischen den zwei Soloinstrumenten und den Orchesterstreichern kulminiert. Der letzte Satz, Poco allegretto, weisst eine ABA-Liedform auf. Die Kantiläne des Mittelteils führt nach einem Flötensolo zur Wiederholung des ersten Teils. Die darauf folgende Koda wird zunehmend energischer und strebt dem Höhepunkt des Satzes und damit des gesamten Werkes entgegen.

Ein weiteres Doppelkonzert in Form eines Concerto grosso ist das dreisätzige Duo concertante für zwei Violinen und Orchester H264. Es wurde im November und Dezember 1937 in Nizza komponiert, in der Villa „Point Claire“, die Martinus altem Freund, dem tschechischen Maler Josef Šíma, gehörte. Der Komponist erläuterte dieses Stück in einem Brief aus Nizza an Miloš Šafránek: „Ich habe ein sehr kleines Orchester gewählt, um die Solisten nicht zu überdecken und sie nicht zu zwingen, ihren Ton zu forcieren. Das Tempo des ersten Satzes entspricht dem eines Concerto grosso, das heißt, es ist nicht zu schnell, stattdessen ist hier eher Zurückhaltung angebracht, damit die Klangfarben und Technik in den Vordergrund treten können. Ich denke, Poco allegro reicht. Der zweite Satz, Lento, stellt keine Schwierigkeiten mit dem Tempo dar. […] Was den Titel betrifft, schrieb ich keinen in die Partitur, glaube aber, dass Le duo concertante für zwei Violinen und Orchester der beste wäre.“

Aus dem Concerto grosso übernahm Martinu den typischen Wechsel zwischen Solo und Tutti, der ihn eine Reihe von Jahren beschäftigen sollte. Viele seiner Werke aus den 1930er Jahren zeichnen sich durch eine dreisätzige Form und die Abwendung von der Sonatenform mit ihren individuellen Themen aus. Ersetzt wird die Sonatenform hier durch ein fortlaufendes Gewebe aus feingliedrigen motivischen Elementen. Die Betonung liegt auf Orchesterfarben. Die Frische der musikalischen Gedanken und die Virtuosität der zwei Soloviolinen in dieser 18-minütigen Komposition garantieren ein außergewöhnliches Musikerlebnis.

Die Uraufführung fand am 10. Februar 1938 in Yverdon (Schweiz) mit dem Orchestre de la Suisse Romande unter Ernest Ansermet statt. Die Solostimmen wurden von den Gebrüdern Georges und Victor Desarzens gespielt, die das Werk in Auftrag gegeben hatten und denen es auch gewidmet ist. Victor entwickelte sich später zu einem berühmten Dirigenten, gründete das Orchestre de chambre in Lausanne und führte sowohl in Lausanne als auch in Winterthur (seiner anderen Wirkungsstätte) viele Orchesterstücke Martinus auf. Vor kurzem übergab Victor Desarzens’ Tochter Martine einige handschriftliche Quellen sowie eine sehr wichtige und erhellende Korrespondenz zwischen ihrem Vater und Bohuslav Martinu an die Martinu-Stiftung.

In den zwölf Jahren zwischen dem Duo concertante und dem Konzert in D-Dur für zwei Violinen und Orchester H329 veränderte sich fast alles in Martinus Leben. 1940 verließ er nur ein paar Tage vor der deutschen Besatzung Paris und verbrachte neun harte Monate auf der Flucht aus Frankreich nach Spanien und Lissabon in Portugal in die Vereinigten Staaten. Während des Zweiten Weltkrieges schuf er sich den Ruf des womöglich meist aufgeführten lebenden Komponisten ernster Musik in Amerika. Er nahm Aufträge von führenden Orchestern und Solisten an. Ursprünglich hatte er vor, nach dem Krieg in die Tschechoslowakei zurückzukehren, änderte aber seine Pläne, als 1948 die Kommunisten an die Macht kamen und wurde amerikanischer Staatsbürger. Die letzten sechs Lebensjahre verbrachte er hauptsächlich in Italien, Frankreich und in der Schweiz auf dem Wohnsitz des Dirigenten Paul Sacher. Zusätzlich zu der komplizierten politischen Situation des Kalten Krieges erlitt Martinu 1946 auch einen ernsten Unfall, durch den er auf einem Ohr taub wurde und der zu einem fast chronischen Gleichgewichtsverlust führte. Martinu erholte sich genug, um im September 1948 eine Lehrstelle an der Princeton University in New Jersey anzunehmen, aber erst 1950 konnte er wieder mit der gleichen Geschwindigkeit komponieren, zu der er früher in der Lage war, als er innerhalb kurzer Zeit mehrere Werke schrieb. Das Konzert für zwei Violinen entstand zwischen Mai und Juli 1950 in New York im Auftrag der vielversprechenden jungen Zwillinge Gerald und Wilfred Beal. Zum Zeitpunkt der Uraufführung, die am 14. Januar 1951 in Dallas stattfand, waren die Zwillinge kaum 18 Jahre alt.

Trotz der oberflächlichen Gemeinsamkeit in der Besetzung für zwei Violinen und Orchester unterscheidet sich dieses Werk fast vollständig von dem früheren Duo concertante. Hier kommen ein großes Sinfonieorchester in der romantischen Konzerttradition zum Einsatz und eine erstaunliche geistige Verwandtschaft zwischen Martinu und Dvorák (seinem erfolgreichen tschechischen Vorgänger in Amerika) zum Ausdruck. Wie immer sind die Solostimmen äußerst virtuos und dankbar für die Solisten. Im April 1954 verglich Martinu in einem Brief an seinen engen Freund, den Dirigenten Ernest Ansermet, sein Konzert auf humorvolle Weise mit dem Konzert für zwei Violinen in d-Moll BWV1043 von Johann Sebastian Bach. So schrieb Martinu, sein eigenes Konzert sei wahrscheinlich nicht so gut wie Bachs Doppelkonzert, aber wiederum nicht schlecht und womöglich das erste dieser Art seit Bach (merkwürdigerweise schien er sich nicht an sein eigenes, zuvor komponiertes Duo concertante zu erinnern).

Leider gibt es keine Einspielung des Konzerts mit seinen Widmungsträgern. Sie würde sicher erklären, warum das Konzert so komponiert wurde, wie es ist. Martinuo ließ sich immer von den speziellen Eigenschaften seiner Auftraggeber oder Uraufführungsinterpreten anregen. Es scheint, als ob beide Beal-Zwillinge gleich technisch begabt waren und rasante Läufe liebten. Das Konzert besteht aus drei mehr oder weniger schnellen Sätzen und enthält keinen richtig langsamen Mittelsatz. Das Poco allegro beginnt in leuchtendem D-Dur im 6/8-tel Takt, eine Taktart, die Martinu für ihre Möglichkeiten zu permanenten kleinen rhythmischen Veränderungen mochte. Die zwei Soloinstrumente nehmen bei ihrem Einsatz das Material der Orchestereinleitung wieder auf, das hier allerdings mit sehr komplizierten Doppelgriffen (Trippel-, Quadrupelgriffen) vorgestellt wird, wodurch Martinu sofort seinen Lieblingseffekt eines vollen Klangs schafft, der hier ein Streichquartett anstelle von nur zwei Violinen beschwört. Der zweite Satz, Moderato, beginnt in B-Dur, eine Tonart, die Martinuo im letzten Jahrzehnt seines Lebens häufiger als andere anwendete. Die erste Violine spielt zuerst eine weit ausgreifende Melodie, die von harmonischen Gesten der zweiten Violine begleitet wird. Dann wechseln die zwei Solisten ihre Rollen. Der dritte Satz, Allegro con brio, kehrt im 2/4-tel Takt—attacca—zum D-Dur zurück. In einer virtuosen Kadenz haben beide Solisten Gelegenheit, ihre spieltechnischen Fähigkeiten und ihr klangschönes Spiel unter Beweis zu stellen, bis ein schnelles Vivo (Presto) das Stück mit einer an Ševcík erinnernden Begeisterung zum Abschluss bringt.

Trotz der erfolgreichen Uraufführung und diverser gerühmter Aufführungen in der ersten Hälfte der 1950er Jahre erfreute sich das Werk niemals der Beliebtheit, die es verdient. Der Grund dafür liegt zumindest teilweise in den Schwierigkeiten, die Martinu bei der Suche nach einem guten Verleger hatte. Er bot das Konzert zuerst der Universal Edition in Wien an (1953), die es annahm aber aus unerfindlichen Gründen niemals druckte. Vier Jahre später, im Januar 1957, legte Martinu das Konzert Eschig vor, aber auch das blieb ohne Folgen. Erst Anfang 1959 fand Martinu einen Verleger für dieses Werk: Bärenreiter. Juristische Probleme verzögerten den Druck dieses Konzerts allerdings bis 1962, drei Jahre nach dem Tod des Komponisten.

Ein anderer Grund für die Unbekanntheit dieses Konzerts mag tatsächlich auch in der sehr langen Zeitspanne liegen, für die sich die Beal-Zwillinge im ursprünglichen Vertrag die exklusiven Aufführungsrechte gesichert hatten. Noch im Juli 1956 schrieb Martinu an seinen Freund, den Oboisten Jirí Tancibudek, das Werk stünde wohl erst in ein oder zwei Jahren zur Verfügung. Nach der unerwarteten Trennung der „Beal-Zwillinge“ geriet das Konzert in Vergessenheit und wurde erst mehrere Jahrzehnte später wiederentdeckt. Hoffentlich findet es nun einen Platz im Repertoire.

Aleš Březina © 2007
Deutsch: Elke Hockings