Elgar began to compose the First Symphony in June 1907, the month of his fiftieth birthday. On 27 June his wife wrote in her diary that she heard him playing ‘a great beautiful tune’, the march-like motto-theme which opens the symphony. But four months later he was at work on a string quartet which he had promised to Manchester’s Brodsky Quartet and he continued to compose it when he and his wife went to Rome in November. By 3 December he had switched to the symphony. Surviving sketches show that the end of the scherzo and the start of the Adagio were conceived as music for the abandoned quartet. Elgar stayed in Rome until May 1908 and sketched the first movement there. He completed the symphony in a prolonged burst of activity between June and September.

Keeping a promise he had made in 1901, he dedicated it to the Austro-Hungarian Hans Richter, ‘true artist and true friend’. Richter, who became the Hallé’s conductor in October 1899, had conducted the first performance of the Enigma Variations in June 1899 and The Dream of Gerontius in October 1900. He conducted the first performance of the symphony at a Hallé Concert in the Free Trade Hall, Manchester, on 3 December 1908. Although the hall was far from full because of a dense fog, the audience’s enthusiasm was tremendous. They applauded so excitedly at the end of the slow movement that Richter beckoned Elgar on to the platform. In London four days later, when Richter conducted the symphony with the London Symphony Orchestra, the reception was even more demonstrative. A.J. Jaeger, ‘Nimrod’ of the Variations, told Elgar the slow movement was worthy of Beethoven, while Richter called the work ‘the greatest symphony of modern times’. He repeated it at the Hallé on 4 March 1909 and again the following October. In its first year of existence it was performed 82 times throughout the world, 18 in London alone. At the Hallé’s centenary concert on 30 January 1958, Sir John Barbirolli chose the symphony as the culmination of the evening.

Attempts were made to give the work an extra-musical programme but Elgar said it had none ‘beyond a wide experience of human life, a great charity (love) and a massive hope in the future’. It was, as we can tell now, an attempt by Elgar to reconcile the contradictory elements in his own nature. He told one friend that it was ‘a reflex or picture or elucidation’ of his life and to another he confided ‘I am really alone in this music’.

A drum-roll introduces the march-like theme in A flat which is to haunt the whole symphony. It is played quietly and dolce at first, then becomes fuller and louder. It fades into an Allegro section in D minor, beginning restlessly but changing later to a more tender mood as three new themes form the second-subject group. Efforts by the motto-theme to reassert its dominance are fiercely rebuffed but it reappears on violins and violas and gradually swamps the whole orchestra. The scurrying principal theme of the second movement (in F sharp minor) is the motto-theme reversed. It is brilliantly orchestrated, as is the haunting middle section which Elgar told orchestras should be played ‘like something you hear down by the river’. The movement slows down and slides almost imperceptibly into the rapt D major of the Adagio. This theme is note-for-note that of the main theme of the second movement but the transformation is total. The serenity and solace of the music, the heart of Elgar, need no analysis.

The finale reverts to the struggles of the first movement. It begins stealthily and almost ominously, its march-like theme being followed by snatches of the motto-theme swirling about on woodwind. But this mood is dispelled and the hesitant principal theme is expanded into a glorious tune for the strings. Eventually the motto-theme, glitteringly scored, returns but its final victory is hard-won, as is underlined by efforts to disrupt its rhythm by strongly accented syncopation.

The concert overture (or tone-poem) In the South was the result of an Italian holiday in 1903-04 and in particular of a stay at Alassio. Elgar recorded that he went for a walk and strolled among ‘streams, flowers, hills: the distant snow mountains in one direction and the blue Mediterranean in the other. I was by the side of an old Roman way. A peasant shepherd stood by an old ruin and in a flash it all came to me—the conflict of armies in that very spot long ago, where now I stood—the contrast of the ruin and the shepherd … In that time I had “composed” the overture—the rest was merely writing it down’.

In the South is the most richly scored of all Elgar’s works, rivalling Strauss in its mastery of colour, as is evident from the exuberant and thrilling opening. This is followed by the reflective pastoral episode in which the clarinet represents the shepherd. After this come, first, a lumbering grandioso episode in which Elgar depicts the ‘relentless and domineering onward force’ of ancient Rome and then an evocative canto popolare for solo viola and, later, horn. This is abruptly cut off as the exuberance of the opening returns, culminating in a coda featuring strings, brass and glockenspiel.

Elgar conducted the first performance on 16 March 1904 in the last of three festival concerts of his music given at the Royal Opera House, Covent Garden. The orchestra was the Hallé (Richter conducted the rest of the programme). Richter conducted the first Manchester performance of the overture the following November. In July 1904 Elgar fitted some verses by Shelley to the tune of the canto popolare as a song under the title In Moonlight. He then made several instrumental versions.

Michael Kennedy © 2008

Elgar entreprit la composition de sa première symphonie en juin 1907, le mois de son cinquantième anniversaire. Le 27 juin, sa femme écrivait dans son journal qu’elle l’entendait jouer «une mélodie magnifique»: il s’agissait du leitmotif, rappelant une marche, qui ouvre la symphonie. Mais quatre mois plus tard, il travaillait sur un quatuor à cordes qu’il avait promis au Quatuor Brodsky de Manchester et il continua de le composer lorsque sa femme et lui se rendirent à Rome en novembre. Avant le 3 décembre, il s’était remis à sa symphonie. Grâce aux esquisses conservées, on constate que la fin du scherzo et le début de l’Adagio furent d’abord des pages destinées au quatuor abandonné. Elgar demeura à Rome jusqu’en mai 1908 et y ébaucha le premier mouvement. Il acheva sa symphonie lors d’une période d’activité prolongée entre juin et septembre.

Tenant une promesse qu’il avait faite en 1901, il la dédia au chef d’orchestre austro-hongrois Hans Richter, «un véritable artiste et un véritable ami». Richter, qui devint le chef du Hallé en octobre 1899, avait dirigé la création des Variations Enigma en juin 1899 et The Dream of Gerontius en octobre 1900. Il dirigea la création de la symphonie lors d’un concert du Hallé au Free Trade Hall de Manchester le 3 décembre 1908. À cause d’un épais brouillard, la salle était loin d’être pleine, mais l’enthousiasme du public fut retentissant. Les auditeurs applaudirent si fort à la fin du mouvement lent que Richter fit monter Elgar sur le podium. À Londres quatre jours plus tard, lorsque Richter dirigea la symphonie avec l’Orchestre symphonique de Londres, l’accueil fut encore plus démonstratif. A.J. Jaeger, le «Nemrod» des Variations, déclara à Elgar que le mouvement lent était digne de Beethoven, tandis que Richter qualifiait l’ouvrage de «plus belle symphonie des temps modernes». Il la reprit au Hallé le 4 mars 1909 et une fois encore en octobre suivant. Pendant sa première année d’existence, elle fut interprétée quatre-vingt-deux fois dans le monde, dont dix-huit à Londres. Lors du concert de centenaire du Hallé le 30 janvier 1958, c’est cette symphonie qui fut choisie par Sir John Barbirolli comme clou de la soirée.

Certains ont tenté de donner à cet ouvrage un programme extra-musical, mais Elgar disait qu’il n’en avait aucun «au-delà d’une vaste expérience de la vie humaine, d’une grande charité (l’amour) et d’un immense espoir en l’avenir». On peut le dire aujourd’hui, cette symphonie constituait une tentative d’Elgar pour réconcilier les éléments contradictoires de sa propre nature. Il déclara à un ami qu’il s’agissait «d’un réflexe, d’une image ou d’une élucidation» de sa vie et confia à un autre: «Cette musique, c’est vraiment moi, tout seul».

Un roulement de tambour introduit le thème de marche en la bémol qui va hanter toute la symphonie. Il est joué calmement et dolce au départ, puis il devient plus plein, plus fort. Il se fond dans une section Allegro en ré mineur, démarrant avec agitation mais devenant ensuite plus tendre tandis que trois nouveaux thèmes forment le groupe du second sujet. Les efforts du thème signature pour réaffirmer sa domination sont farouchement repoussés, mais il reparaît aux violons et aux altos et submerge peu à peu tout l’orchestre. Le thème principal précipité du deuxième mouvement (en fa dièse mineur) est l’inversion du thème signature. Il est brillamment orchestré, tout comme la section centrale envoûtante qu’Elgar recommandait aux orchestres de jouer «comme quelque chose que vous entendez au bord d’un fleuve». Le mouvement se ralentit et glisse presque imperceptiblement vers le ré majeur extatique de l’Adagio. Ce thème est note pour note celui du thème principal du deuxième mouvement, mais la transformation est totale. La sérénité et l’apaisement de la musique nous ouvrent le cœur d’Elgar et ne nécessitent aucune analyse.

Le finale renoue avec les hostilités du premier mouvement. Il commence subrepticement, presque menaçant, son thème de marche suivi par les volutes des vents dessinant des fragments du thème signature. Mais cette atmosphère est dissipée et le thème principal hésitant est développé en une mélodie magnifique, confiée aux cordes. Finalement, le thème signature reparaît dans une orchestration scintillante, mais sa victoire finale est durement acquise, comme le soulignent les efforts faits pour perturber son rythme par des syncopes fortement accentuées.

L’ouverture de concert (ou poème symphonique) In the South (Dans le Sud) fut le résultat de vacances en Italie en 1903-04 et notamment d’un séjour à Alassio. Elgar se rappelait être allé se promener et avoir musé parmi «des ruisseaux, des fleurs, des collines: les montagnes enneigées au lointain d’un côté et la Méditerranée toute bleue de l’autre. Je marchais le long d’une ancienne voie romaine. Un berger paysan se tenait près d’une vieille ruine, et en un éclair tout me vint à l’esprit: des armées en conflit à cet endroit exact il y a bien longtemps, là où je me trouvais, le contraste entre la ruine et le berger … C’est à ce moment-là que j’ai «composé» mon ouverture. Il n’y avait plus qu’à la coucher sur le papier».

In the South est de toutes les œuvres d’Elgar la plus richement orchestrée, rivalisant avec Strauss par la maestria de ses coloris; son ouverture exubérante et palpitante en est une première preuve. Elle est suivie d’un épisode pastoral songeur dans lequel la clarinette représente le berger. Viennent ensuite d’abord un épisode pesant grandioso qui permet à Elgar de dépeindre «l’avancée implacable et dominante» de la Rome antique, puis un canto popolare évocateur pour alto solo, auquel le cor vient se joindre peu après. Une interruption abrupte, et l’exubérance de l’ouverture reparaît, culminant dans une coda confiée aux cordes, aux cuivres et au glockenspiel.

Elgar en dirigea la création le 16 mars 1904 lors du dernier des trois concerts d’un festival consacré à sa musique donnés à la Royal Opera House de Covent Garden. L’orchestre était celui du Hallé (Richter dirigea le reste du programme). Richter dirigea la première exécution à Manchester de l’ouverture au mois de novembre suivant. En juillet 1904 Elgar adapta quelques vers de Shelley à la mélodie du canto popolare, en faisant une mélodie intitulée In Moonlight (Au clair de lune). Il en réalisa ensuite plusieurs versions instrumentales.

Michael Kennedy © 2008
Français: David Ylla-Somers

Elgar begann im Juni 1907, dem Monat seines fünfzigsten Geburtstags, mit der Arbeit an seiner Ersten Sinfonie. Am 27. Juni schrieb seine Frau in ihr Tagebuch, sie habe ihn “eine große schöne Melodie” spielen hören, das marschähnliche Mottothema, das die Sinfonie eröffnet. Doch vier Monate später war er mit der Komposition eines Streichquartetts beschäftigt, das er dem in Manchester ansässigen Brodsky-Quartett versprochen hatte, und war immer noch dabei, als er und seine Frau im November nach Rom fuhren. Am 3. Dezember war er wieder zur Sinfonie übergegangen. Erhaltene Skizzen zeigen, dass das Ende des Scherzos und der Anfang des Adagio ihr Dasein als Musik für das aufgegebene Quartett begonnen hatten. Elgar blieb bis Mai 1908 in Rom und stellte dort den ersten Satz im Entwurf fertig. Er vollendete die Sinfonie zwischen Juni und September in einem durchgehenden Anfall von Arbeitseifer.

Um ein Versprechen zu erfüllen, das er 1901 gegeben hatte, widmete Elgar sie dem aus österreichisch-ungarischen Landen stammenden Hans Richter, den er als “wahren Künstler und wahren Freund” bezeichnete. Richter, der im Oktober 1899 Dirigent des Hallé Orchestra wurde, hatte im Juni 1899 die Uraufführung der Enigma Variations und im Oktober 1900 The Dream of Gerontius geleitet. Er dirigierte die Uraufführung der Sinfonie am 3. Dezember 1908 anlässlich eines Hallé-Konzerts in der Free Trade Hall in Manchester. Obwohl der Saal wegen dichten Nebels keineswegs voll wurde, war der Enthusiasmus des Publikums ungeheuer. Es klatschte am Ende des langsamen Satzes so erregt, dass Richter Elgar aufs Podium winkte. Vier Tage später in London war die Begeisterung noch unverhohlener, als Richter die Sinfonie mit dem London Symphony Orchestra aufführte. A.J. Jaeger, der “Nimrod” der Enigma Variations, versicherte Elgar, dass der langsame Satz eines Beethoven würdig sei, und Richter bezeichnete das Werk als “die bedeutendste Sinfonie der Moderne”. Er wiederholte die Aufführung mit dem Hallé am 4. März 1909 und noch einmal im darauf folgenden Oktober. Im ersten Jahr ihres Daseins wurde die Sinfonie rund um die Welt zweiundachtzigmal aufgeführt, davon allein achtzehnmal in London. Beim Konzert zur Hundertjahrfeier des Hallé am 30. Januar 1958 wählte Sir John Barbirolli die Sinfonie als Höhepunkt des Abends.

Es wurden Versuche unternommen, dem Werk ein außermusikalisches Programm zu verpassen, doch Elgar sagte dazu, es habe “über ein breites Erlebnisspektrum des menschlichen Lebens, große Güte (Liebe) und massive Hoffnung auf die Zukunft” keines zu bieten. Es war, wie wir aus heutiger Sicht feststellen können, Elgars Versuch, die gegensätzlichen Elemente seines eigenen Wesens auszusöhnen. Einem Freund teilte er mit, es sei “ein Reflex, ein Bild bzw. eine Erläuterung” seines Lebens, und einem anderen vertraute er an: “Ich bin wirklich der Einzige in dieser Musik.”

Ein Trommelwirbel leitet das Marschthema in As-Dur ein, das durch die ganze Sinfonie geistern wird. Es wird zunächst ruhig und dolce gespielt, dann voller besetzt und lauter. Es klingt aus in eine Allegro-Passage in d-Moll, die rastlos anfängt, jedoch später eine sanftere Atmosphäre annimmt, wenn drei neue Themen die Seitenthemengruppe bilden. Die Bemühungen des Mottothemas, sich wieder durchzusetzen, werden erbittert bekämpft, doch es taucht erneut in den Geigen und Bratschen auf und überschwemmt allmählich das ganze Orchester. Das geschäftige Hauptthema des zweiten Satzes (in fis-Moll) ist die Umkehrung des Mottothemas. Es ist brillant orchestriert, genau wie der betörende Mittelteil, der laut Elgars Anweisung ans Orchester gespielt werden soll “wie etwas, das man drunten am Fluss hört”. Der Satz verlangsamt sich und geht beinahe unmerklich ins verzückte D-Dur des Adagio über. Das zugehörige Thema entspricht Ton für Ton dem des Hauptthemas aus dem zweiten Satz, doch die Verwandlung ist total. Die stille Heiterkeit und Tröstlichkeit der Musik, die im Herzen von Elgars Schaffen liegen, bedürfen keiner Analyse.

Das Finale nimmt das Ringen des ersten Satzes wieder auf. Es beginnt verstohlen und regelrecht bedrohlich und lässt auf sein Marschthema Fetzen des Mottothemas folgen, die in den Holzbläsern aufwirbeln. Dann jedoch ändert sich die Stimmung, und das zaudernde Hauptthema wird zu einer herrlichen Streichermelodie erweitert. Schließlich kehrt das Mottothema in funkelnder Orchestrierung zurück, aber sein endgültiger Sieg ist schwer erkämpft, was die Anstrengungen unterstreichen, seinen Rhythmus durch stark akzentuierte Synkopierung zu stören.

Die Konzertouvertüre (bzw. Tondichtung) In the South war das Ergebnis einer 1903-04 unternommenen Italienreise und insbesondere eines Aufenthalts in Alassio. Elgar protokollierte damals einen Spaziergang inmitten von “Bächen, Blumen, Hügeln: die fernen schneebedeckten Berge in einer Richtung und das blaue Mittelmeer in der anderen. Ich befand mich am Rand einer alten Römerstraße. Neben einer alten Ruine stand ein bäuerlicher Hirte, und ich erlebte einen Geistesblitz—gegnerische Heere, die vor langer Zeit genau da, wo ich stand, aufeinander getroffen waren—der Kontrast zwischen der Ruine und dem Hirten … Und schon hatte ich die Ouvertüre ‘komponiert’—es blieb nur noch, sie aufzuschreiben”.

In the South ist das am üppigsten besetzte von allen Werken Elgars und kann es, wie die überschwängliche, begeisternde Eröffnung zeigt, in seiner Beherrschung der Klangfarben mit Strauss aufnehmen. Es folgt die besinnlich pastorale Episode, in der die Klarinette den Hirten darstellt. Dann schließt sich zunächst eine holprige Grandioso-Episode an, in der Elgar die “unerbittliche und herrische Triebkraft” des alten Rom schildert, und dann ein betörendes Canto popolare für Solobratsche und später Horn. Dies wird jäh abgebrochen, wenn sich der Überschwang der Eröffnung wieder einstellt und in einer Coda mit Streichern, Blechbläsern und Glockenspiel gipfelt.

Elgar selbst hat am 16. März 1904 anlässlich des letzten von drei Galakonzerten seiner Musik, die am Royal Opera House Covent Garden in London stattfanden, die Uraufführung dirigiert. Das Orchester war das Hallé (Richter dirigierte das übrige Programm). Richter leitete auch die erste Aufführung der Ouvertüre im darauf folgenden November in Manchester. Im Juli 1904 versah Elgar den Canto popolare mit einigen Versen von Shelley und gab das Lied unter dem Titel In Moonlight heraus. Danach fertigte er noch mehrere Instrumentalversionen an.

Michael Kennedy © 2008
Deutsch: Anne Steeb/Bernd Müller