Aftertones
Three Landscapes of Edmund Blunden for baritone solo, chorus and orchestra.
It might seem perverse to have chosen to set poetry of the First World War in a work commissioned by the Huddersfield Choral Society for the millennium. But to celebrate the twenty-first century means absorbing the lessons of the twentieth; and in any case, Edmund Blunden (1896-1974) was no conventional war poet, even though he spent more time at the front than any of his colleagues. In the midst of the horrors of the battlefield he was able to sustain a remarkable sense of landscape and place: he remained at heart a pastoral poet.

In making these settings I was concerned to underline, alongside the inevitable darkness, the essential gentleness of Blunden. The first poem depicts a bleak war-torn landscape, yet the mood is one more of nobility than bitterness. The central part is a dance of death, in which the poem’s imagery paints an objective picture of the field of war, almost as if removed from personal experience. A short interlude for strings and harp introduces the final part, not explicitly a war poem, but one where a pastoral childhood landscape gradually merges into something approaching nightmare. I tempered the awesome vision of Blunden’s final stanza by returning to the mood of the beginning, and a murmured memory of the heart-breakingly beautiful fourth verse.

Blunden’s (prose) memoirs were called Undertones of War, and in calling this work Aftertones I wanted both to evoke his world, and to suggest an echo from the not so distant past. Aftertones is dedicated to Martyn Brabbins, who conducted the first performance, and to the Huddersfield Choral Society. The solo part in the third part was originally written for mezzo soprano, but has here been reworked for the voice of Roderick Williams.

Crossing the Alps
I have lived with Mahler’s music for virtually all of my musical life, so this commission was one I had the greatest pleasure in accepting. But to be paired with such a monumental symphony is more than a little intimidating, and I decided early on that, in spite of the temptation to use Mahler’s huge orchestral forces, I would write a work for unaccompanied chorus. I had for a long time wanted to work again with the Hallé Choir. And rather than try to emulate Mahler in any way I wanted to contrast his setting of the Resurrection Ode with an essentially humanist message.

Crossing the Alps is written for chorus in eight parts, and although the harmonic language is not complex in itself, it moves in unexpected directions which I felt needed the underpinning of an organ pedal (as well as an optional part for the manual). It was composed between July and October of 2009, and lasts approximately seven minutes.

The text is from the crossing the Alps sequence from Book VI of Worsdworth’s The Prelude, and I’ve taken the liberty of conflating the 1805 and 1850 texts. It deals with the liberation of the imagination, the decisive moment (although not the climax of the piece) being the words ‘Our destiny, our nature, and our home, Is with infinitude, and only there’. The text was suggested to me by Paul Driver, to whom the work is dedicated.

No man’s land
No man’s land follows on from my very positive collaboration with Christopher Reid on Alphabicycle Order several years ago. The origin of the work was a call from Richard Hickox in November 2008, full of his usual bubbly enthusiasm and proposing a Proms commission to celebrate the City of London Sinfonia’s 40th birthday in 2011. Like everyone, I was shocked to learn of his sudden death three days later. Richard conducted my first ever Proms performance, in 1983, and clearly the work had both to be written in his memory and take a different direction from his original suggestion of a celebratory work.

I have been obsessed with the First World War for many years, long before the centenary of its outbreak came into view (one reason being that my maternal grandfather died on the Somme). But it is no easy subject to treat musically. Although I set Edmund Blunden in Aftertones I have avoided trying to set other war poets, particularly with the example of Britten and Wilfred Owen in mind. When I asked Christopher Reid to provide the text for this work I suggested the concept of a soldier in the midst of war, almost unaware of what he’s found himself a part of. In the event his sequence of poems provided something both different and unexpected: we hear the ghosts of two soldiers hanging on barbed wire in no man’s land. ‘To pass the time, we let the wind/rummage in the hollows of our skulls/for memories and scraps of song and whisps of rhyme’.

Although there are elements of dialogue in the piece, and towards they end they sing together, they see the war for the most part through different eyes. The reflective Captain Gifford is contrasted with the more down-to-earth Sergeant Slack both by language and by the music they sing, with the sergeant’s music embracing both an invented vernacular and original songs and marches from the period, including recordings made in 1914.

Colin Matthews © 2014

Aftertones
Trois paysages d’Edmund Blunden pour baryton solo, chœur et orchestre.
Il pourrait sembler tortueux d’avoir choisi de mettre en musique des poèmes sur la Première Guerre mondiale dans un ouvrage commandé en vue du nouveau millénaire par la Huddersfield Choral Society, mais pour fêter la naissance du XXIe siècle, il convenait de prendre en compte les enseignements tirés du XXe siècle, et d’ailleurs, Edmund Blunden (1896-1974) n’était pas un poète de guerre conventionnel, même s’il passa plus de temps au front qu’aucun autre de ses confrères. Malgré l’horreur absolue des champs de bataille, il parvint à ne pas perdre sa remarquable sensibilité aux paysages et aux lieux, demeurant au fond un poète pastoral.

En mettant ces textes en musique, je tenais à souligner, outre l’inévitable noirceur, la tendresse intrinsèque de Blunden. Le premier poème décrit un morne paysage dévasté par la guerre, pourtant il y a dans l’air davantage de noblesse que d’amertume. La partie centrale est une danse de mort, au sein de laquelle l’imagerie du poème est un tableau objectif du champ de bataille, presque détaché de l’expérience subjective. Un bref interlude de cordes et de harpe introduit la partie finale, qui n’est pas explicitement un poème de guerre, mais un texte où un paysage d’enfance se fond progressivement dans quelque chose qui tient du cauchemar. J’ai tempéré la formidable vision de la strophe finale de Blunden en retournant à l’atmosphère du début, et à un écho murmuré du quatrième vers, d’une déchirante beauté.

Les mémoires de Blunden (en prose) étaient intitulés Undertones of War, et en baptisant ce morceau Aftertones, je voulais à la fois évoquer cet univers et faire résonner un passé qui n’est pas si lointain. Aftertones est dédié à Martyn Brabbins, qui en a dirigé la création, et à la Huddersfield Choral Society. L’intervention soliste de la troisième partie avait d’abord été écrite pour mezzo-soprano, mais elle a ici été adaptée à la voix de Roderick Williams.

Crossing the Alps
Les œuvres de Mahler m’accompagnent pratiquement depuis que j’écoute et fais de la musique, aussi ai-je été très heureux de cette commande. Mais le fait de se retrouver associé à un tel monument du répertoire symphonique est particulièrement intimidant, aussi ai-je assez vite décidé qu’au lieu de céder à la tentation d’utiliser les énormes effectifs orchestraux de Mahler, j’allais écrire une pièce pour chœur a capella. Je souhaitais depuis longtemps retravailler avec le chœur du Hallé, et plutôt que de me livrer à quelque imitation de Mahler, je voulais mettre en valeur sa version de l’Ode de la Résurrection avec un message d’inspiration humaniste.

Crossing the Alps est écrit pour un chœur à huit voix, et même si son langage harmonique n’est pas complexe en soi, il prend des directions inattendues qui m’ont paru nécessiter le socle d’une pédale d’orgue—ainsi qu’une partie facultative pour le clavier. Le morceau a été composé entre juillet et octobre 2009 et dure environ sept minutes.

Les paroles sont tirées de la séquence de la traversée des Alpes du Livre VI du Prélude de Wordsworth, et je me suis permis d’apposer les textes de 1805 et de 1850. Il y est question de la libération de l’imaginaire, le passage décisif étant «Notre destin, notre nature, et notre foyer appartiennent à l’éternité, et rien qu’à elle,» même si ce n’est pas le climax du morceau. J’ai choisi ce texte sur les conseils de Paul Driver, et l’ouvrage lui est dédié.

No man’s land
No man’s land fait suite à ma fructueuse collaboration avec Christopher Reid sur Alphabicycle Order il y a quelques années. Tout est parti d’un coup de fil de Richard Hickox en novembre 2008: plein de son enthousiasme coutumier, il proposait de me passer une commande pour marquer le quarantième anniversaire de la City of London Sinfonia, qui serait célébré dans le cadre des Proms en 2011. Comme tout le monde, j’ai eu un choc en apprenant son mort, survenue brutalement trois jours plus tard. C’est Richard qui avait dirigé la toute première œuvre que je présentais aux Proms, en 1983, et bien évidemment, je devais maintenant écrire en sa mémoire tout en m’éloignant du caractère festif qu’il avait en tête au départ.

Il y a de nombreuses années que je suis obnubilé par la Première Guerre mondiale, et cette obsession qui remonte bien avant que l’on ait commencé à parler du centenaire de 1914 provient notamment du fait que l’un des mes grands-pères est tombé au combat dans la Somme. Néanmoins, ce n’est pas un sujet facile à traiter en musique. Même si j’ai travaillé sur des textes d’Edmund Blunden dans Aftertones, j’ai évité de m’appuyer sur d’autres poètes de guerre, d’autant plus que je gardais en tête l’exemple de Britten et de Wilfred Owen. En demandant à Christopher Reid d’écrire le texte du présent ouvrage, j’ai proposé de prendre pour point de départ un soldat en pleine bataille, à peine conscient des événements auxquels il prend part. En fin de compte, les poèmes de Christopher ont apporté quelque chose de différent et d’insolite: on entendons s’exprimer les fantômes de deux soldats dont les cadavres sont suspendus aux barbelés d’un no man’s land. «Pour tuer le temps, nous laissons le vent/fourrager dans nos crânes/et en tirer des souvenirs, des bribes de chansons et des lambeaux de rimes».

Même s’il y a des éléments de dialogue dans le morceau, et même si vers la fin, les voix des deux soldats se rejoignent, dans l’ensemble, leurs perspectives respectives sur la guerre sont différentes. Le caractère réfléchi du capitaine Gifford contraste avec le côté plus prosaïque du sergent Slack, à la fois par le langage qu’ils utilisent et par la musique qu’ils chantent, la partie du sergent englobant un argot inventé associé à des chansons et des marches originales de l’époque, y compris des enregistrements réalisés en 1914.

Colin Matthews © 2014
Français: David Ylla-Somers

Aftertones
Three Landscapes of Edmund Blunden for baritone solo, chorus and orchestra.
Es mag etwas abwegig scheinen, ein Gedicht aus dem Ersten Weltkrieg zu vertonen, wenn eigentlich das neue Jahrtausend gefeiert werden soll—wie bei diesem von der Huddersfield Choral Society in Auftrag gegebenen Werk. Doch wenn man das einundzwanzigste Jahrhundert festlich begehen will, gehören auch die Lektionen des zwanzigsten dazu. Ohnehin war Edmund Blunden (1896–1974) kein konventioneller Kriegsdichter, obwohl er mehr Zeit an der Front verbrachte als irgendeiner seiner Kollegen. Inmitten der Schrecken des Schlachtfelds gelang es ihm, sich einen bemerkenswerten Sinn für Landschaften und Orte zu erhalten: Er blieb im Herzen stets ein Pastoraldichter.

Bei der Arbeit an diesen Vertonungen war mir sehr daran gelegen, neben der unvermeidlichen Düsterkeit auch die grundlegende Sanftheit Blundens herauszustellen. Das erste Gedicht beschreibt eine trostlose, vom Krieg geschundene Landschaft, doch die Stimmung kündet eher von Edelmut als Bitterkeit. Der zentrale Teil ist der Todestanz; die Bildersprache des Gedichts lässt einen objektiven Eindruck des Kriegs entstehen, in vielleicht gewollter Distanz zum persönlich Erlebten. Ein kurzes Zwischenspiel für Streicher und Harfe leitet den letzten Teil ein; es handelt sich zwar um kein explizites Kriegsgedicht, doch die idyllische Kindeitslandschaft verwandelt sich ganz allmählich in eine Art Albtraum. Ich schwächte die furchterregende Vision von Blundens letzter Strophe etwas ab, indem ich die Stimmung des Anfangs wiederkehren ließ und eine Reminiszenz an die herzzerreißend schöne vierte Strophe einfügte.

Blundens (Prosa-)Memoiren erschienen unter dem Titel Undertones of War. Mit dem von mir gewählten Titel, Aftertones, beziehe ich mich bewusst auf Blunden und seine Welt und verweise auf die ,Nachklänge‘ einer gar nicht so weit zurückliegenden Vergangenheit. Aftertones ist Martyn Brabbins gewidmet, der die Uraufführung dirigierte, sowie der Huddersfield Choral Society. Der Solo-Part im dritten Teil war ursprünglich für Mezzosopran geschrieben, ist aber für die Stimme von Roderick Williams überarbeitet worden.

Crossing the Alps
Mahlers Musik hat mich fast durch mein ganzes musikalische Leben begleitet, und so nahm ich diese Auftragsarbeit mit größter Freude an. Neben einer so monumentalen Sinfonie zu bestehen, war allerdings ein wenig einschüchternd. Ich beschloss deshalb schon früh, trotz der Verlockung durch Mahlers grandiose Orchestrierung, ein Werk für unbegleiteten Chor zu schreiben. Ich hatte schon länger gehofft, einmal mit dem Hallé-Chor zusammenzuarbeiten. Anstatt Mahler nachzuahmen, wollte ich seiner Auferstehungsode eine essenziell humanistische Botschaft gegenüberstellen.

Crossing the Alps ist eine Komposition in acht Teilen für Chor. Obwohl die Harmoniesprache an sich nicht komplex ist, driftet sie in unerwartete Richtungen, sodass ich das Gefühl hatte, es müsste als Basis noch ein Orgelpedal hinzukommen (sowie ein optionaler Part auf dem Manual). Das Stück wurde zwischen Juli und Oktober 2009 komponiert und ist ungefähr sieben Minuten lang.

Der Text stammt aus der Sequenz der Alpenüberquerung in Buch VI von Wordsworths The Prelude, wobei ich mir die Freiheit erlaubt habe, die Versionen von 1805 und 1850 zu vereinen. Der Text handelt von der Befreiung des Geistes, und der entscheidende Moment (jedoch nicht der Höhepunkt des Stücks) wird von den Worten markiert: „Our destiny, our nature, and our home, Is with infinitude, and only there“. (Unser Schicksal, unsere Natur und unsere Heimat liegen in der Unendlichkeit, und nur dort). Paul Driver schlug mir diesen Text vor, und ihm ist das Werk auch gewidmet.

No man’s land
Nach meiner sehr positiven Kollaboration mit Christopher Reid, aus der das Stück Alphabicycle Order hervorging, folgt mit ein paar Jahren Abstand nun eine weitere gemeinsame Arbeit. No man’s land begann mit einem Anruf von Richard Hickox im November 2008. Mit typischem, übersprudelndem Enthusiasmus schlug er eine Auftragsarbeit für die Proms vor, zur Feier des vierzigsten Geburtstags des City of London Sinfonia-Orchesters 2011. Er starb nur drei Tage später; wie alle war ich schockiert von seinem plötzlichen Tod. Richard hatte 1983 meine erste Proms-Aufführung dirigiert, und so war es für mich selbstverständlich, das Werk seinem Andenken zu widmen. Darüber hinaus schien es mir nötig, von seiner ursprünglichen Idee einer Festtagskomposition abzuweichen und dem Werk eine andere Ausrichtung zu geben.

Der Erste Weltkrieg fasziniert mich schon seit vielen Jahren, lange bevor das hundertjährige Jubiläum aktuell wurde (unter anderem weil mein Großvater an der Somme ums Leben gekommen war). Musikalisch lässt sich das Thema allerdings nicht so leicht handhaben. Abgesehen von meiner Umsetzung von Gedichten Edmund Blundens in Aftertones habe ich es bewusst vermieden, andere Kriegsdichter zu vertonen—und dabei immer das Beispiel von Britten und Wilfred Owen im Hinterkopf gehabt. Als ich Christopher Reid bat, einen Text zu schreiben, schwebte mir als Konzept ein Soldat vor, der sich mitten im Krieg befindet und kaum begreift, in was er da hineingeraten ist. Letztendlich schuf er mit seiner Gedichtsequenz etwas Anderes und Unerwartetes: Wir hören die Geister zweier Soldaten, die im Stacheldraht hängen, irgendwo im Niemandsland. „To pass the time, we let the wind/rummage in the hollows of our skulls/for memories and scraps of song and whisps of rhyme“. (Um uns die Zeit zu vertreiben, lassen wir den Wind in den Höhlen unserer Schädel wühlen, nach Resten von Liedern und Spuren von Reimen).

Es gibt in dem Stück zwar dialogische Elemente—die gegen Ende in einem gemeinsamen Gesang zusammenkommen—, doch der Krieg wird von diesen beiden Stimmen überwiegend aus unterschiedlichen Perspektiven betrachtet. Dem nachdenklichen Captain Gifford gegenübergestellt ist der bodenständige Sergeant Slack, wobei der Kontrast zwischen den beiden sowohl in der Sprache als auch der Musik ausgedrückt wird. Der Sergeant singt in einem erfundenen Jargon Originallieder und -märsche aus der Zeit, darunter auch Aufnahmen aus dem Jahr 1914.

Colin Matthews © 2014
Deutsch: Katja Klier