There are areas where Gablenz is a flautist and not a natural pianist. The second movement is beautifully written for all instruments, and I think the run into the third works well. This is technically the most uncomfortable movement. I think Gablenz must have thought all pianists had hands the size of Rachmaninov. The piano’s opening solo passage and subsequent ones have chords in the left hand stretching a tenth, but some go to a twelfth, and all with four notes, different hand-positions, and at ff or fff. This is painful to play, and worse to practise. A very strong reference to Chopin’s first ballade seems to appear in all three movements, and becomes more obvious in the third.

For those who ‘collect’ such things, the concerto is one of those where the piano leads off without waiting for an orchestral introduction. And it does so with great vigour, heralding a work notable for its frequent changes of mood and tempo. The piano presents the memorable principal subject at 2'16, versions of which appear throughout the protracted duration of the first movement. At 7'38, a little motif of four semiquavers followed by a crotchet, gently tossed between soloist and woodwind, merges into an extended run of even semiquavers underpinned by the left hand’s ‘um-cha’ accompaniment, somewhat reminiscent of Moszkowski. This leads to a forceful tutti, followed by a hushed and gracious orchestral interlude that allows the soloist some pages of repose before returning with a lengthy cadenza. At 16'29, after further subdued reflections, the music accelerates as it changes key from E major back to the home key of D flat major. From here until the somewhat abrupt end of the movement, the soloist is kept fully occupied with repeats of earlier themes and material.

The second movement, in F minor, begins unforgettably with five strokes of the glockenspiel—a charming idea which Gablenz deploys repeatedly to magical effect over the course of this lyrical and beautifully scored section. Storm clouds gather, the glockenspiel is silenced, and the music surges on without pause into the finale with an allegro maestoso brass chorale. The piano takes up the challenge. A rhapsodic figure emerges, shared between orchestra and soloist, followed by a passionately romantic keyboard theme (very 1930s Hollywood), ending with the huge chords and (shortly afterwards, at 7'17) direct quotes from Chopin’s G minor ballade, as referenced by Plowright. At 10'38, Gablenz brings back the ‘Moszkowski idea’ from the first movement before returning with a great flourish to the opening theme of the movement. A final solo passage with those massive chords is heard once again (finishing ffff) before, rather ungenerously, the brass section rounds off proceedings (maestoso) while Gablenz’s soloist remains silent.

from notes by Jeremy Nicholas © 2021

Il y a des domaines où Gablenz est un flûtiste et non un pianiste inné. Le deuxième mouvement est merveilleusement écrit pour tous les instruments et je pense que l’enchaînement avec le troisième fonctionne bien. C’est, sur le plan technique, le mouvement le plus inconfortable. Je crois que Gablenz a dû penser que tous les pianistes avaient des mains de la taille de celles de Rachmaninov. Dans le passage solo initial et les suivants, il y a des accords avec des écarts de dixième à la main gauche, mais certains vont jusqu’à la douzième, et tous avec quatre notes, différentes positions des mains, et ff ou fff. C’est dur à jouer, et pire à travailler. Il y a une référence marquée à la première ballade de Chopin qui semble présente dans les trois mouvements et est encore plus évidente dans le troisième.

Pour ceux qui s’intéressent à ce genre de détails, ce concerto est l’un de ceux où le piano commence à jouer sans attendre une introduction orchestrale. Et il le fait avec beaucoup de vigueur, annonçant une œuvre remarquable pour ses fréquents changements d’atmosphère et de tempo. Le piano expose le sujet principal facile à mémoriser à 2'16; il réapparaîtra sous différents visages tout au long du premier mouvement. À 7'38, un petit motif de quatre doubles croches suivies d’une noire, balloté doucement entre le soliste et les bois, fusionne avec un très long trait en doubles croches régulières étayées par un accompagnement «um-cha» de la main gauche, qui n’est pas sans rappeler Moszkowski. Il mène à un énergique tutti, suivi d’un interlude orchestral feutré et élégant qui accorde au soliste quelques pages de repos avant de revenir à une très longue cadence. À 16'29, après d’autres réflexions voilées, la musique accélère en passant de la tonalité de mi majeur à la tonalité d’origine de ré bémol majeur. À partir de là et jusqu’à la fin un peu brusque du mouvement, la partie soliste est entièrement consacrée à des reprises de thèmes et de matériels antérieurs.

Le deuxième mouvement, en fa mineur, commence d’une façon inoubliable avec cinq coups de glockenspiel—une charmante idée que Gablenz déploie à plusieurs reprises, ce qui donne un effet magique, au cours de cette section lyrique, magnifiquement écrite. Des nuages orageux s’amoncellent, le glockenspiel se tait et la musique s’engouffre sans interruption dans le finale avec un choral de cuivres allegro maestoso. Le piano relève le défi. Une figure rhapsodique émerge, partagée entre l’orchestre et le soliste, suivie d’un thème passionnément romantique au clavier (très hollywoodien des années 1930), se terminant par d’énormes accords et (peu après, à 7'17) des citations directes de la ballade en sol mineur de Chopin, comme l’a mentionné Plowright. À 10'38, Gablenz ramène l’«idée à la Moszkowski» du premier mouvement avant de revenir, avec une abondante décoration, au thème initial du mouvement. Un solo final avec ces accords massifs refait surface (se terminant ffff) avant que la section des cuivres mette un point final aux délibérations, de manière assez parcimonieuse, (maestoso) tandis que le soliste de Gablenz reste silencieux.

extrait des notes rédigées par Jeremy Nicholas © 2021
Français: Marie-Stella Pâris

Es gibt Bereiche, in denen deutlich wird, dass Gablenz Flötist und nicht in erster Linie Pianist ist. Der zweite Satz ist wunderschön für alle Instrumente geschrieben, und ich finde, dass der Übergang in den dritten Satz gelungen ist. Das ist der technisch unangenehmste Satz. Ich habe das Gefühl, dass Gablenz wohl davon ausging, dass alle Pianisten so große Hände wie Rachmaninow haben. Sowohl die Solopassage des Klaviers zu Beginn als auch die folgenden haben Akkorde in der linken Hand, die sich über eine Dezime erstrecken, einige sogar über eine Duodezime, und alle mit vier Tönen, unterschiedlichen Handpositionen, und das im ff oder fff. Das ist schmerzhaft zu spielen, und noch schlimmer beim Üben. Ein sehr starker Bezug zu Chopins erster Ballade scheint in allen drei Sätzen aufzutauchen, und wird im dritten Satz noch deutlicher.

Für diejenigen, die solche Dinge „sammeln“, ist das Konzert eines derjenigen, bei denen das Klavier den Anfang macht, ohne auf eine Orchestereinleitung zu warten. Und das tut es mit großem Elan und läutet ein Werk ein, das sich durch häufige Stimmungs- und Tempowechsel auszeichnet. Bei 2'16 stellt das Klavier das eindrucksvolle Hauptthema vor, welches in dem ausgedehnten ersten Satz immer wieder in verschiedenen Versionen erklingt. Bei 7'38 wird ein kleines Motiv aus vier Sechzehnteln und einer Viertelnote behutsam zwischen dem Solisten und den Holzbläsern hin und her geworfen und geht dann in einen langen Lauf von gleichmäßigen Sechzehnteln über, der von einer entfernt an Moszkowski erinnernden „Humpta“-Begleitung der linken Hand untermauert wird. Dies führt zu einem kraftvollen Tutti, gefolgt von einem ruhigen und anmutigen Orchesterzwischenspiel, das dem Solisten eine kurze Ruhepause gönnt, bevor er mit einer langen Kadenz zurückkehrt. Bei 16'29, nach weiteren gedämpften Reflexionen, beschleunigt die Musik, indem sie die Tonart von E-Dur zurück zur Grundtonart Des-Dur wechselt. Von hier an bis zu dem etwas abrupten Ende des Satzes ist der Solist mit Wiederholungen von vorangehendem Material und früheren Themen und Materialien voll ausgelastet.

Der zweite Satz in f-Moll beginnt unvergesslich mit fünf Schlägen des Glockenspiels—eine reizvolle Idee, von der Gablenz im Laufe dieses lyrischen und wunderschön instrumentierten Abschnitts immer wieder mit zauberhafter Wirkung Gebrauch macht. Gewitterwolken ziehen auf, das Glockenspiel verstummt, und die Musik drängt ohne Pause ins Finale mit einem Allegro maestoso-Blechbläserchoral. Das Klavier nimmt die Herausforderung an. Es erscheint eine rhapsodische Figur, die sich Orchester und Solist teilen, woraufhin ein leidenschaftlich-romantisches Klavierthema (was sehr an das Hollywood der 1930er Jahre erinnert) erklingt und mit riesigen Akkorden sowie (kurz darauf, bei 7'17) direkten Zitaten aus Chopins g-Moll-Ballade endet, auf die sich Plowright bezieht (s.o.). Bei 10'38 wiederholt Gablenz das „Moszkowski-Motiv“ aus dem ersten Satz, bevor er äußerst schwungvoll zum Eröffnungsthema des Satzes zurückkehrt. Noch einmal erklingt die Solopassage mit den wuchtigen Akkorden (zuletzt im ffff), bevor die Blechbläser das Geschehen etwas ungnädig abrunden (Maestoso), während Gablenz’ Solist stumm bleibt.

aus dem Begleittext von Jeremy Nicholas © 2021
Deutsch: Viola Scheffel